Как слушать классическую музыку • Arzamas
Конспект
Кажется, что в оркестре должен быть дирижер, так же как в автомобиле должен быть водитель. Однако дирижер в оркестре появился только в XIX веке. Можно считать, что только с бетховенской симфонической музыки началась эпоха дирижирования как отдельной профессии.
Естественно, в любом ансамбле всегда был один лидер или несколько (обычно первая скрипка или клавесинист), и до поры не требовалось отдельно стоящего человека, вооруженного неслышимым инструментом в виде палочки. Но постепенно оркестры стали разрастаться — число участников концерта стало исчисляться сотнями. Одновременно в эпоху романтизма появился культ героя, который возносится над толпой. Так фигура, которой изначально отводилась техническая роль, получила исключительное право на интерпретацию. Вообще, вся симфоническая музыка романтизма устроена таким образом, что эта форма музицирования оказывается удобной и логичной.
Однако симфонический оркестр без дирижера все-таки возможен.
Персимфанс разработал систему, как коллектив без лидера может сыграть вместе партитуру: во-первых, особый способ посадки оркестрантов на сцене — по кругу, частично спиной к зрителю. Во-вторых, условные обозначения, которыми помечались в партитурах ключевые места. На самый первый концерт было потрачено шестнадцать репетиций, а дальше, с усовершенствованием метода работы, их становилось все меньше, и постепенно на каждую программу их приходилось уже около шести.
Персимфанс вывел симфоническую музыку за пределы филармонических площадок и исполнял ее, например, в цехах заводов — это была новаторская идея в духе того времени. Работал он по принципу камерного ансамбля: все участники процесса были равноправны, хотя существовал актив, отвечающий за выбор произведения, предварительное изучение партитуры и выработку концепции исполнения.
Персимфанс издавал свой журнал с подробностями об исполняемой музыке, раздавал анкеты, в которых спрашивал мнение зрителей, — это была целая музыкальная организация со своей философией и стилем. В 1927 году именно Персимфанс привез в Советский Союз Прокофьева. Луначарский наградил ансамбль званием заслуженного коллектива республики, а правительство выделило денежный приз — первую и последнюю поддержку от государства.
В 1929 году, когда Луначарский был отправлен в отставку, партийные покровители ансамбля начинают один за другим терять посты: получилось так, что сочувствующие Персимфансу партийцы оказались противниками Сталина в вопросе о земле. В 1930 году все эти люди были отстранены от руководства, потом начались знаменитые процессы и стало ясно, что конец Персимфанса не за горами.
Кроме того, условия работы музыкантов на своих основных местах постепенно стали такими, что они просто не успевали репетировать и в конце концов приняли решение разойтись.
В 2008 году в Москве деятельность Персимфанса была возобновлена.
Классическая музыка: произведения главных русских и европейских композиторов
Музыкальный канон сформировался одновременно с понятием «классическая музыка» в первой трети ХХ века. Только тогда людям пришло в голову отделить работы великих мертвых композиторов прошлого с их прекрасным наследием от музыки, которая сочинялась «здесь и сейчас». Истоки этого процесса нужно искать в середине XIX века, когда зародился историзм и люди начали заинтересованно вглядываться в прошлое. Тем не менее тогда не было разделения на «классическую» и «актуальную» музыку, потому что вся музыка была актуальной. В XIX веке люди исполняли и слушали то, что было написано их современниками либо композиторами, которые умерли несколько десятилетий назад. Бетховен, к примеру, умер в 1827 году в статусе мэтра и признанного гения, и соответствующий статус сохранился и за его музыкой.
Интересно, что 200 лет спустя мы разделяем представления людей XIX века о том, кто такие «великие композиторы». Для них (и во многом для нас) это будет тройка венских классиков — Гайдн, Моцарт и Бетховен, а также авторы XIX века вроде Верди и Чайковского. Важное исключение — Бах, которого в XIX столетии не очень знали и исполняли; он был переоткрыт в начале XX века. Композиторы домоцартовской эпохи к середине XIX века превратились в исторические памятники и энциклопедические статьи. Они ушли из музыкальной практики, их работы почти не исполняли, а манеру считали старомодной. Окончательно представление о славном прошлом и актуальном настоящем кристаллизуется в XX веке. В 1920-х годах появляются специальные фестивали современной музыки, где играют только сочинения современников.
С обособлением «современной музыки» в отдельную художественную область начался процесс осознания такого явления, как «старинная музыка». На сцену постепенно возвратились те самые авторы домоцартовских времен: уже упомянутый нами Иоганн Себастьян Бах или Антонио Вивальди. Последний сегодня, несомненно, один из самых узнаваемых классических композиторов, но поколение наших дедов и бабушек понятия не имело о том, что «Времена года» — шедевр на все времена. По состоянию на 1952 год в мире существовали всего две коммерческие записи этих вивальдиевских концертов — сейчас их тысячи. То же с Бахом. Впервые знаменитые ныне «Бранденбургские концерты» были (частично) сыграны и записаны только в 1929 году.
Вивальди хронологически старше Баха. Это отражает тенденцию работы с наследием. С каждым годом любопытство специалистов и публики устремляется вглубь веков. Сейчас, например, виден устойчивый интерес, можно сказать, мода на оперные работы XVII века; много и плодотворно работают с XVI веком — ансамбли старинной музыки возвращают нам имена, о которых ничего не знали наши родители: спросите их, кто такой Адриан Вилларт или Лука Маренцио. При этом мы видим, что основа канона, заложенная в XIX веке, остается актуальной: «классическая музыка» — это все равно классицизм и романтизм, и в расписании филармоний вы вряд ли найдете сочинения старше начала XVIII века.
Назад к классике – или вперед?
Иван Толстой: Классическая музыка звучит сегодня у каждого дантиста и в каждом лифте. С другой стороны, профессионалы жалуются на трудности при заполнении концертных залов.
(Музыка)
Михаил Витальевич, что мы сейчас слушаем?
Михаил Ефимов: Я надеюсь, что основу узнали почти все – это клавирная соната Моцарта до мажор. Музыка общеизвестная, хрестоматийная, но звучит она странно, согласитесь. То, да не то. Не только потому, что звучит не только фортепиано, а целое трио – фортепиано, скрипка и виолончель. Это современная музыка или это Моцарт? Это и то, и другое. Технически говоря, это фрагмент пластинки замечательного современного джазового и не-джазового музыканта и композитора, трубача Вячеслава Гайворонского, которая называется «Интервенции в Баха и Моцарта». И то, что мы сейчас услышали, исполняют Полина Фрадкина на фортепьяно, Владислав Песин на скрипке и Владимир Гаврюшов на виолончели.
Это, мне кажется, подходящая эмблема для нашего сегодняшнего разговора – классика и современность. И все это, так или иначе, объединяется безразмерным определением – классическая музыка сегодня.
Михаил Ефимов: Конечно! Конечно, пишут, и этой музыки много и очень разной. Здесь нужно неизбежно что-то сузить, иначе мы сразу расплывемся и будем такими безграничными глобалистами. Ну, если ограничиться российским культурным пространством, которое сегодня тоже в значительной степени международное, давайте назовем хотя бы несколько общеизвестных имен современных российских академических композиторов. Давайте назовем Владимира Мартынова, о котором, вероятно, слышали почти все, Александра Раскатова, который не только является оригинальным и очень востребованным композитором не только в России, но и в мире. Его многие знают как человека, который завершил Девятую симфонию Альфреда Шнитке по его черновикам.
Конечно, можно назвать Бориса Филановского, Павла Карманова, Дмитрия Курляндского. Мы можем вспомнить Илью Демуцкого, о котором еще три года назад мало кто слышал, а с недавних пор это один из самых известных современных российских академических композиторов. Почему? Потому что он автор музыки к балету «Нуреев». Или Сергей Невский. И тут неизбежная сцепка с Демуцким по той причине, что, как и Демуцкий, Невский тоже сотрудничает с режиссером Кириллом Серебренниковым. Это как театральная, так и киномузыка, и, помимо всего прочего, внесценическая академическая музыка.
Широко развита такая вещь, как пересочинение классических произведений
В современной академической и околоакадемической музыке широко развита такая вещь как пересочинение классических произведений, и то, что мы сейчас услышим, это «Времена года» Антонио Вивальди, но – не совсем Вивальди. Что это такое? Это «Времена года», пересочиненные современным, исключительно востребованным и коммерчески успешным композитором по имени Макс Рихтер. Это то, как «Времена года» звучат сегодня, как их воспринимает сегодняшний современный композитор.
(Музыка)
Иван Толстой: Михаил Витальевич, а что с обычной, традиционной классикой? Она-то востребована исполнительски и слушательски?
Михаил Ефимов: Еще бы! Я бы даже сказал такую резкую вещь, что новая музыка, музыка, которая сегодня сочиняется академическими композиторами, живет сегодня, живет, может быть, завтра, но никаких гарантий по поводу «следующей недели» у нас нет. А классика – это было позавчера, вчера, сегодня и, почти с гарантией, это будет не только завтра, это будет и через неделю, и через год. Поэтому популярная классика действительно популярна.
На все это можно посмотреть с двух диаметрально противоположных сторон. С одной стороны, можно сказать, что нет уже никаких сил слушать те же самые «Времена года» Вивальди, нельзя играть в миллиардный раз Первый концерт Чайковского, нужно уже отпустить Сороковую симфонию Моцарта и дать ей отдохнуть. Собственно, академические и профессиональные музыканты говорят об этом довольно часто, что музыке надо отдохнуть, нельзя играть все время одно и то же. И именно поэтому в последние десятилетия совершилась подлинная революция, такая репертуарная экспансия, когда музыканты пытаются выбраться из этого коммерческого гетто популярной классики.
Началась в некотором роде эпидемия поисков неопубликованных при жизни композиторов сочинений
Поэтому-то и началась в некотором роде эпидемия поисков неопубликованных при жизни композиторов сочинений или находятся незаконченные сочинения и «мы их закончим». Это то, в чем участвуют профессиональнее историки музыки, музыковеды, текстологи, исполнители, заинтересованные в расширении репертуара.
И у нас таким образом появляются совершенно неожиданные вещи, я бы даже сказал – экстраординарные. Например, недавно закончили Восьмую, «Неоконченную», симфонию Шуберта. Мы знаем, что в ней две части. Нет, поработали текстологи с архивом Шуберта и нашли недостающие третью и четвертую части, так что теперь у нас Неоконченная симфония Шуберта – оконченная. Другой вопрос – будет ли это усвоено исполнительски и слушательски?
А популярная классика, независимо от того, кто «напишет» «Неоконченную» симфонию Шуберта, конечно, есть. Она жива. Церемония вручения премии «Грэмми» в некотором роде и об этом. Например, чем проявлено российское участие в классической «Грэмми»? Это очень востребованный сегодняшний пианист Даниил Трифонов, он играет русскую музыку начала 20-го века. Называется этот альбом Silver Age, там музыка Скрябина, Стравинского и Прокофьева. Нам может показаться, что уж хватит это играть, но мы все время должны помнить, что слушатель все время молодеет, его становится все время больше, потому что аудитория слушателей любой музыки колоссально увеличилась.
Послушаем мы сейчас музыку современного немецкого композитора Детлева Гланерта, музыка называется Distant Land и имеет подзаголовок «Музыка с Брамсом для оркестра». Это сочинение 2013 года. Это другая стратегия, не то, что у Макса Рихта с «Временами года». Гланерт взял материал сочинений Иоганнеса Брамса, в частности Четвертой симфонии, и пошел дальше. Он пошел с Брамсом дальше, чем Брамс, он решил услышать Брамса в 21-м веке – как композитор слышит музыку Брамса, которой 140–150 лет.
(Музыка)
Современная русская академическая музыка… Одним из самых востребованных российских композиторов является Леонид Десятников. Его последнее, исключительно успешно и благожелательно принятое сочинение называется «Буковинские песни». Они хоть и песни, но петь не будут, будут играть на фортепьяно. На фортепиано играет Алексей Гориболь, музыка Леонида Десятникова. Это сочинение впервые прозвучало в 2017 году, но не в качестве самостоятельной музыки в филармоническом зале, а прозвучало в American Ballet Theater, это был балет Алексея Ратманского, и только уже после этого эта музыка зажила своей самостоятельной жизнью.
(Музыка)
Не помню, кто это сказал, может быть, Рэй Чарльз, который к академической музыке отношения не имеет. Это были слова о том, что музыка – это чуть ли не единственная вещь в мире, которая еще не стала для людей яблоком раздора. Сейчас бы мы сказали, что он был несколько наивен – музыка, как и все остальное, может стать и яблоком раздора, и любым другим фруктом. Сегодня, как мы знаем, идет полемика идеологическая, «идейная», очень эмоциональная, о том, существует ли белая музыка для белых людей, черная музыка для белых, какого цвета эта музыка, кто кого угнетал, кто кого эксплуатировал. И в современном историко-музыкальном разговоре этого очень много. При этом мне все-таки очень хочется верить, что Рей Чарльз был прав, что музыка не станет для людей этим яблоком раздора, которое они начнут кусать с разных сторон и все, в итоге, подавятся. Мне кажется, что у музыки должно быть будущее, поэтому музыка будет жива – она будет новой музыкой, она будет старой музыкой, у которой будет новая жизнь.
И, к слову сказать, нынешняя «Грэмми» меня мало чем порадовала, но порадовала одной вещью: среди номинантов в отделе «Хоровое исполнение» была номинирована (хоть и не выиграла) очень любопытная пластинка. Был номинирован «Реквием» Александра Кастальского. Это запись американская, дирижирует дирижер Леонард Слаткин. Мы этого слушать не будем, но для меня это хорошая связка с тем, о чем мы с вами недавно беседовали. Помните, у нас имя Кастальского появлялось в разговоре о Петре Петровиче Сувчинском? Кастальский – это собеседник Сувчинского, человек, который делал с Сувчинским сто лет назад общее русское музыкальное дело. Прошло сто лет, и эта музыка жива. Пожелаем ей жизни!
О современной классической музыке
17/05/2017
Многие считают, что классическая музыка полностью отрицает современное, и к классике относятся только написанные в прошлом произведения. Но они серьезно ошибаются. Классическое искусство продолжает активно развиваться, появляются новые имена, с которыми знакомы практически все просвещенные люди в мире. Так давайте тоже немного познакомимся с современными композиторами, сочиняющими в классическом стиле, и с их творчеством.
Знаменитые классические композиторы
На данный момент времени к великим именам в истории музыки причисляют подобных творцов:
Ханс Циммер относится к наиболее известному композитору современности. Его сочинения – это классика не только музыки, но и кинематографа. Он стал знаменит, благодаря написанию музыкального сопровождения к таким кинолентам, как «Пираты Карибского моря», «Шерлок Холмс: игра теней», «Человек дождя» и «Король Лев».
Филипп Гласс представляет собой популярнейшего классического композитора. Главным музыкальным направлением является минимализм. Творец часто сочиняет музыку к кинофильмам.
Родион Щедрин – российский композитор не перестает удивлять мир новыми творениями. Последняя опера «Рождественская сказка» ставилась на крупнейших музыкальных сценах мира.
Пекарский Марк является представителем юмористического начала в современной классической музыке.
Ховард Джеймс Ньютон является композитором, сочиняющим произведения преимущественно для киноиндустрии. Его работу слышал практически каждый в фильмах «Красотка», «Адвокат дьявола», «Воды слонам» и «Голодные игры».
Современная классическая музыка стремительно развивается, во многом она стала помощницей и лучшим другом кинематографа. Многие имена уже стали классикой и прочно отпечатались в истории музыки, а некоторым еще предстоит пройти тернистый путь к всемирной славе.
Классика на пальцах: 5 простых книг о сложной музыке
Мы подготовили дайджест самых простых книг для домашнего чтения, которые помогут разобраться в классической музыке.
1. Леонард Бернстайн «Музыка — всем»
Американский композитор, дирижёр и просветитель Леонард Бернстайн поможет вам разобраться в азах классики. Длительное время он вёл передачу о музыке для детей на центральном телевидении США. Просто увлекательно и остроумно он рассказывает о сложных вещах: о тяжёлой работе дирижёра, об оркестре, о симфониях и операх, об истории джаза и мюзиклах. Бернстайн анализировал произведения великих композиторов, чтобы объяснить детям музыкальную эстетику, научить их слышать и понимать музыку. Книга «Музыка — всем» подойдёт для совсем новичков, желающих получить ответ на вопрос «а что такое классическая музыка?».
2. Глеб Анфилов «Физика и музыка»
Вторая книга в нашем списке литературы — тоже для детей, но уже старшего возраста. «Музыка и физика» была написана писателем-фантастом и популяризатором науки Глебом Анфиловым в 1962 году. Эта книга — о дружбе между искусством, фантазией и научной изобретательностью. Из неё можно узнать, чему научил сверчок Гельмгольца, что такое «Карась» Страдивари и многое другое. Кроме того, вы получите увлекательный ликбез об истории инструментов.
3. Стивен Фрай «Неполная и окончательная история классической музыки»
Человек — оркестр, английский актер и драматург Стивен Фрай какое-то время работал на радио и вел программу про музыку, а потом написал книгу. Как утверждает автор, название было придумано «в припадке гениальности». Книга получилась что надо: тонкая и глубокая, — и написана так, вроде бы смотришь комедийные скетчи, а не читаешь историю классической музыки. При этом, Стивен Фрай не замыкается только на шутках. Он знает, как и чем заинтересовать читателя. Без снобизма и навязывания мысли, он по-дружески делится историями о музыке, начиная с древнейших времен. Но будьте осторожны, местами книга вызывает неконтролируемый хохот.
4. Скотт Спек, Дэвид Пог «Классическая музыка для чайников»
Если вы до сих пор увиливаете от разговоров про классическую музыку, рекомендуем к прочтению книгу «Классическая музыка для чайников». Вы получите самый сок, выжимку знаний для первого знакомства с классикой. Здесь есть всё: знаковые композиторы, история музыки, главные стили и формы. Даже введение в музыкальную грамоту! Эта книга поможет вам упорядочить хаос в голове и легко структурировать свои знания.
5. Норман Лебрехт «Кто убил классическую музыку?»
Однажды Норман Лебрехт, английский музыковед, публицист, обозреватель Daily Telegraph, провел глубокую аналитику, подсчитал чужие гонорары, сопоставил факты и обвинил общество в убийстве классической музыки. Громко? Да. Обосновано? Ответ вы сможете найти в книге. Лебрехт рассказал историю музыки, только изнутри. И его главные герои — не музыканты, композиторы и дирижеры, а те, кто стояли за ними, в тени кулис: агенты, импресарио и менеджеры. Впервые в истории серые кардиналы классической музыки попали под прожектор внимания общественности. И сразу автор вынес им строгий приговор — виновны. Если вы хотите знать, как в реальности работает огромная машина индустрии музыки, книга поможет разобраться в этом.
Георгий Ковалевский, «Зачем так сложно? Инструкция к пониманию классической музыки»
14 апреля, 19:30
Классическая музыка — одно из величайших достояний человечества, она способна приносить радость, утешение, вдохновлять, быть инструментом познания мира и себя. Когда-то музыка Гайдна, Моцарта и Бетховена владела умами самых широких масс. Почему же сегодня для большинства классическая музыка непонятна и ассоциируется со скукой?
Причин тому несколько, и одна из них в том, что классическая музыка — особый язык, требующий внимания и специальной настройки восприятия. Если смысл словесного языка — это прежде всего слова и фразы, то музыка разговаривает с нами на языке эмоций. Но так ли сложен для нас этот язык?
Как слушание классической музыки может стать бесконечным, но при этом непредсказуемым процессом, дарующим откровения даже самым опытным слушателям? Как научиться интерпретировать эмоции, возникающие при прослушивании музыки, и как с её помощью научиться управлять своим настроением?
Георгий Ковалевский — музыковед, лектор, музыкальный журналист, кандидат искусствоведения, научный сотрудник сектора музыки Российского института истории искусств. Участник международных научных конференций в России и за её пределами, автор множества публикаций, посвящённых актуальной музыкальной жизни, в столичных газетах и журналах. Член экспертного совета национальной театральной премии «Золотая маска», автор и ведущий циклов «Музыка как язык эмоций», «Бетховен: музыкальные посвящения», прошедших в 2019 году в лектории Петербургской филармонии.
Вход бесплатный. Количество мест ограничено. Пожалуйста, соблюдайте дистанцию при рассадке, носите маску в течение всей лекции, и оставайтесь дома при любых признаках болезни.
Пожалуйста, зарегистрируйтесь. 18+
Лекторий об академической музыке («Школа слушателя»)
Куратор: Нина Иванова, независимый куратор, экс-куратор образовательного проекта о музыке «Музиторий», в рамках которого спродюсировала больше 100 лекций о музыке. Курировала образовательную панель для музыкантов Colisium Workshop на международной музыкальной конференции Colisium. Была координатором showcase-фестиваля Colisium Music Week. Специалист по маркетинговым коммуникациям в культуре, экс-специалист по маркетингу Петербургской филармонии им. Д. Д. Шостаковича. Приглашённый преподаватель в Российской академии театрального искусства, направление «коммуникации в культуре».
Школа слушателя — лекционная программа, придуманная независимыми кураторами, исследователями и популяризаторами классической музыки. Задача «Школы…» — помочь тем, кто хочет понимать и любить академическую музыку, но почему-то не делает этого.
Вокруг классической музыки существует множество стереотипов, мешающих её восприятию. В «Школе слушателя» в формате антидидактических лекций и мастер-классов будет осуществляться попытка преодоления этих стереотипов. Задача каждой лекции не научить, а выработать решения для проблем, которые стоят перед начинающим слушателем. Логика программы выстроена от общих вопросов, например «зачем вообще слушать классическую музыку?» до конкретных, например «как выбрать концерт?». Ответы на эти вопросы слушатели лекций будут искать с экспертами курса: специалистами в разных областях музыковедения, исследователями искусства, композиторами и теми, кто сделал прослушивание музыки делом своей жизни.
МБУДО ДМШ № 10 | Информационно-образовательные ресурсы
Музыка — наша жизнь
Детская музыкальная школа №10
https://www.instagram.com/dmsh20_akademnsk/
Детский духовой оркестр ДМШ № 10 «Akadem Brass»
Сайты о музыке, искусстве и культуре для обучающихся и педагогических работников
- Классическая музыка — сайт, на котором представлены биографии и творческие портреты композиторов и исполнителей классической музыки. Размещены крупнейшая в Рунете коллекция записей классической музыки в формате mp3, словарь музыкальных терминов и инструментов, ссылки на сайты о классической музыке.
- http://Belcanto.Ru — в мире оперы. Новости классической музыки. Энциклопедия оперы: сюжеты, комментарии, статьи, книги; биографии певцов, дирижёров, композиторов; информация об оперных театрах, фестивалях; каталог оперных ссылок; записи в mp3. Оперный форум.
- http://www.allpianists.ru/ сайт, в котором представлена история фортепиано и его предшественников.
- http://www.classicalmusiclinks.ru/ — каталог Интернет-ресурсов для музыкантов.
- http://www.musike.ru — сайт, в котором представлен теоретический материал по истории зарубежной музыки XVII – первой половины XX веков, изложенный в жанре лекций по музыкальной литературе для студентов музыкального училища.
- http://annvic.mypage.ru/uchebniki-po-muzikalnoj-literature/ сайт, на котором представлен учебник по истории отечественной музыкальной литературы ХХ века и другой музыкальной литературе.
- http://as-sol.net сайт Е.Конновой для преподавателей ДМШ о нетрадиционных формах работы на уроках музыкальной литературы в школе (высказывания о музыке, ноты и mp3 коллекции.
- http://ale07.ru/music/notes/song/muzlit/alekseev_ifi.htm — сайт, обеспечивающий доступ к сканам учебника Алексеева А. История фортепианного искусства.
- http://www.muz-urok.ru — сайт, посвящен музыке для детей. Стихи о музыке, музыкальные истории, сказки о музыке, шутки, муз. азбука.
Сайты с нотами и аудиозаписями
- http://notes.tarakanov.net — нотный архив Бориса Тараканова.
- http://intoclassics.net сайт, на котором представлен большой массив аудио и видео записей классики.
- http://nlib.org.ua/ru/nlib/home объединяет сеть сайтов, посвященных академической музыке. На сайте можно найти ноты академических произведений в оригинале и переложения, аудио-файлы академической музыки, ссылки на другие сайты с нотными ресурсами.
- http://imslp.org — международный проект библиотеки музыкальных партитур, бесплатная публичная музыкальная библиотека Петруччи. Ноты библиотеки свободного общественного достояния.
Онлайн тренажеры
Сайты основных концертных площадок и специализированных учебных заведений г. Новосибирска
Городские зрелищные кассы — автоматизированная система продажи билетов на все зрелищные мероприятия города (театры, концерты, филармония, планетарий, цирк, спорт и др).
Видеобагаж музыканта
MUZIUM Блог о классической музыке. Композиторы – «Muzium» — блог для любопытных и бесстрашных. Для тех, кто любит или хочет полюбить классическую музыку. Ядро блога — серия видеорассказов о великих композиторах. Автор — историк музыки Валерий Сторожук.
Проекты телеканала:
Абсолютный слух – Альманах по истории музыкальной культуры «Абсолютный слух» – познавательный и яркий тележурнал, освещающий разные музыкальные стили и направления, жанры и эпохи.Топ-20 лучших классических композиторов всех времен
Кто самые лучшие классические композиторы всех времен? Три композитора, которые постоянно занимают первые три места, — это Бах , Моцарт и Бетховен — по остальным мнения расходятся. Мы обсудили, обсудили и составили наш список величайших и самых влиятельных классических композиторов. Прокрутите вниз, чтобы изучить нашу подборку 20 лучших классических композиторов всех времен.
Слушайте лучшие произведения Баха в Apple Music и Spotify и прокрутите вниз, чтобы изучить нашу подборку лучших классических композиторов.
Топ-20 лучших классических композиторов всех времен
Иоганн Себастьян Бах (1685 — 1750)
Музыка изливается из Баха , все для большей славы Бога и, по словам Баха, «освежения души». Органная музыка, церковные кантаты и музыкальное сопровождение для его работодателей были его хлебом насущным. Бах, один из величайших композиторов-классиков, непрерывно писал: интересно, что самый трудолюбивый композитор всех времен также должен быть ближе всего к музыкальному совершенству.Для многих бесконечные строки И.С. Баха, продуманный контрапункт и плавные гармонии так или иначе выражают идеальное состояние всей музыки — нечто, выходящее за рамки краткости и случайности человеческой жизни. Игра на клавиатуре или сольном инструменте музыки Баха также является удивительной формой уравновешивающей терапии для ума. Слушайте «Прелюдия до мажор» Баха из Хорошо темперированный клавир — сборник прелюдий и фуг во всех 24 мажорных и минорных тональностях, который обычно считается одним из самых важных произведений в истории классической музыки. .
Вольфганг Амадей Моцарт (1756 — 1791)
Забудьте обо всем, что касается диктовки от Бога. Моцарт всегда работал, учился быть лучшим композитором и пытался быть больше, чем просто создателем музыки. Он был философом, чьим языком была музыка, чистым продуктом Просвещения, который верил, что мир можно исцелить с помощью его силы. Он попытался сделать все это самым чистым из когда-либо задуманных способов. Это может заставить нас недооценить интеллектуальный и политический вес того, что сказал Моцарт, один из лучших композиторов-классиков.Послушайте «Увертюру» из одной из величайших опер Моцарта Женитьба Фигаро .
Людвиг ван Бетховен (1770 — 1827)
Это не только мелодии, блестящие триумфы, громоподобные моменты или созерцательные гимны и рапсодии. Мы все любим Бетховен , потому что, несмотря на то, что это была такая борьба против мира, его эмоций и его глухоты, он никогда не терял своего идеализма или своей веры. Бетховен, один из величайших композиторов-классиков, композитор как герой, одинокий против Вселенной, стремящийся понять, выразить, поклоняться и улучшать ее с помощью своей музыки.Эта титаническая борьба присутствует почти во всем, что он написал, наряду с великой лирической нежностью и непреодолимым чувством музыки, уносящейся в новую эру. Послушайте Симфонию № 3 Бетховена «» ми-бемоль, соч. 55 ( Eroica ) , написанная в честь Наполеона и регулярно признаваемая величайшей симфонией всех времен.
Пётр Ильич Чайковский (1840 — 1893)
Прекрасная идея композитора-романтика, Чайковский , поместила русскую музыку на карту Европы.Преданность Моцарту, Беллини и Доницетти отражает его собственный бесконечный мелодический дар, который он сочетал с блестящим оркестровым чутьем, плюс его собственная очень сильная эмоциональность. Это музыка, которая носит сердце на рукаве и одержимо концентрируется на любви, смерти и судьбе. Чайковский, один из величайших композиторов-классиков, наиболее известен своими очаровательными и зажигательными балетами и фортепианными концертами, но его симфонии обладают гораздо большей эмоциональной глубиной. Его оперы, особенно « Евгений Онегин », обладают глубоко трогательными личными качествами, что делает их одними из самых любимых в репертуаре.Послушайте «Танец камышовых свирелей» из одного из самых популярных балетов Чайковского Щелкунчик .
Рихард Вагнер (1813 — 1883)
Можно больше любить других композиторов, но трудно спорить, что Вагнер , один из величайших композиторов-классиков, не обладал самым безграничным музыкальным воображением всех времен. Он расширил язык за все предыдущие пределы, чтобы создать совершенно новую выразительную роль для оркестра, взяв формы и гармонические структуры, которые существовали со времен Бетховена и раньше, и подвергнув их чрезвычайному стрессу, чтобы передать сверхъестественную глубину чувств и мотивации.Оркестр Вагнера, вечно комментируя высказывания и переживания его оперных персонажей, поразительным образом проникает в подсознание. Эта музыка может завладеть вами, как никакая другая. Рассказы тоже веселые. Послушайте запись Георга Шолти эпоса Вагнера Ring , цикл , который был охарактеризован BBC Music Magazine как «лучшая запись из когда-либо сделанных».
Иоганнес Брамс (1833 — 1897)
Поскольку он решил работать с формами и идиомами, которые явно достигли своего апогея поколением ранее, Брамс (ошибочно) считался академическим и скучным.Вы можете даже представить себе сурового и бородатого патриарха, но младший Брамс был страстным романтиком Адонисом, терзаемым любовью к жене своего наставника Роберта Шумана. В симфонии и концерте Брамс нашел идеальный инструмент для объединения своей интеллектуальной преданности этим формам, основанной на контрапункте и развитии, с лирическим и духовным аспектом, посвященным идее чистой музыки, что было очень необычно для нормального, дико субъективно-романтический композитор. Со времен его великой симфонии No.1 Место Брамса в музыкальной жизни было обеспечено.
Франц Шуберт (1797 — 1828)
Шуберт был одним из величайших композиторов-классиков, и в большинстве его работ есть безмятежность, которую, если бы вы не знали лучше, можно было бы отнести к мысли, что все это далось ему легко. И все же его музыка обладает особой внутренней внутренней любовью, выраженной почти итальянской преданностью мелодии в сочетании с некоторыми строго немецкими идеями гармонии и развития.Большая часть оркестровых работ Шуберта наполнена сияющей созерцательностью и восхищением медленной красотой. Но именно в сотнях песен и камерных произведений он выражает себя наиболее точно, безошибочно находя источник и выражение всего человеческого опыта — от радости до глубочайшего горя. Послушайте шедевральную постановку Шуберта Ave Maria .
Роберт Шуман (1810 — 1856)
Шуман по праву считается одним из величайших композиторов эпохи романтизма.Он особенно известен своей фортепианной музыкой, песнями (лидер) и оркестровой музыкой. Оригинальность его работ раздвинула эмоциональные, структурные и философские границы. Музыка Шумана в значительной степени программна, то есть она рассказывает историю (через музыку, а не конкретно через слова). Его музыкальное влияние простиралось на десятилетия вперед — его влияние на Брамса, Листа, Вагнера, Эльгара, Форе и других неизмеримо. И он остается одним из самых любимых композиторов XIX века. Послушайте « Carnaval » Шумана — подборку фортепианных миниатюр, изображающих гуляк в масках на карнавале.
Джузеппе Верди (1813 — 1901)
Итальянская опера середины XIX века кажется слишком несложным творением, чтобы создать великого композитора. Тем не менее, за 50 лет Verdi превратил свои откровенные удары в средство передачи самых раздирающих эмоций невероятно мощным способом. Итальянская музыка всегда полагалась на силу мелодии, особенно передаваемой через голос. Верди, один из величайших композиторов-классиков, добавил все более гармоничную и оркестровую изысканность.Он сочетает глубокое сострадание с обычно черным взглядом на человеческое одиночество и лицемерие, создавая глубоко личные драмы любви и смерти, переданные через мелодичный гений великой печальной силы. Послушайте «Messa da Requiem » Верди «», одну из самых известных и захватывающих декораций Реквиема-мессы.
Георг Фридрих Гендель (1685 — 1759)
Он мог быть точным современником Баха, но Гендель и Бах вряд ли могли быть более разными.Генделя волнуют в высшей степени человеческие — настоящие, больные сердца — и он мастер огромных эффектов, созданных с помощью самого простого, казалось бы, музыкального языка. Но пусть вас не вводят в заблуждение грандиозные церемонии и эти обширные припевы: они могут быть волнующими и радостными, но настоящего мужчину можно найти в любовных песнях и ариях, которые касаются горя и морального выбора в его операх и ораториях. Именно его точность — нахождение точного музыкального выражения глубоко пережитых и изолированных моментов и чувств — отличает Генделя, одного из величайших композиторов-классиков.И никто не мог поставить такую музыкальную паузу, как он. Послушайте Генделя Мессия — ораторию, которая прослеживает историю Иисуса Христа и является одним из величайших хоровых произведений всех времен.
Франц Йозеф Гайдн (1732 — 1809)
Гайдн был одним из лучших композиторов классического периода. Практически единолично Гайдн установил форматы, на которых основывалась классическая музыка более века. Ему регулярно присваиваются два титула: «Отец симфонии» и «Отец струнного квартета».Но не менее важно его влияние на концерт, фортепианную сонату и фортепианное трио. Самым знаменитым учеником Гайдна был Людвиг ван Бетховен, и его музыкальная форма бросает огромную тень на музыку последующих композиторов, включая Шуберта, Мендельсона и Брамса. Слушайте струнный квартет Гайдна ре мажор , соч 76, один из самых известных струнных квартетов Гайдна.
Антонио Вивальди (1678 — 1741)
Вивальди оказал огромное влияние на развитие музыки барокко.Он инициировал преобразования в музыке церкви, оперного театра и концертного зала. Но самым главным его достижением была музыка для струнных. Он ввел ряд новых стилей и техник в игру на струнных инструментах и укрепил один из самых важных жанров — концерт. Концерты Вивальди стали образцом для его современников, и вскоре эта форма стала одной из самых важных в Европе восемнадцатого века. «» Вивальди «Четыре сезона» , набор из четырех скрипичных концертов, входит в число самых популярных произведений в репертуаре классической музыки.
Игорь Стравинский (1882 — 1971)
Стравинский считается одним из самых важных и влиятельных композиторов ХХ века. Хотя он сочинял шедевры почти для всех жанров, он особенно известен своей балетной музыкой, которую он сочинил для балета Дягилева, включая Жар-птица , Петрушка и Весна священная , которая, как известно, вызвала бунт на ее фестивале. премьера в Париже.За свою долгую карьеру Стравинский сочинил удивительно разнообразную музыку. Его работы охватывали такие разные стили, как романтизм, неоклассицизм и сериализм. Его отличительные черты стиля — русские народные интонации, ритмическая энергия и оркестровая виртуозность. Послушайте The Rite Of Spring , премьера которого в 1913 году вызвала скандал, но сейчас считается одним из самых влиятельных музыкальных произведений ХХ века.
Фредерик Шопен (1810–1849)
Шопен был одним из величайших композиторов романской эпохи.Как пианист и композитор его музыкальное понимание и дальновидное воображение остаются неповторимыми. На его композиционный стиль оказали влияние польская народная музыка, классические традиции И. С. Баха, Моцарта и Шуберта, а также атмосфера парижских салонов, в которых он был частым гостем. Его нововведения в стиле, гармонии и музыкальной форме, а также его связь музыки с национализмом оказали влияние на протяжении всего периода позднего романтизма и после него. Ни один другой композитор не внес столько значительных произведений в репертуар фортепиано.Послушайте Ноктюрн Шопена «» ми-бемоль мажор , его самый известный ноктюрн «» .
Феликс Мендельсон (1809 — 1847)
Мендельсон был немецким композитором, пианистом, музыкальным дирижером и педагогом, а также одной из самых знаменитых фигур раннего романтического периода. Роберт Шуман, близкий друг, проницательно описал его как «Моцарта 19 века». В своей музыке Мендельсон в основном наблюдал классические модели и практики, инициируя ключевые аспекты романтизма. Увертюра «Гебриды» «» и «Шотландская симфония », «» и «Итальянская симфония », «» — это типично романтическое слияние музыкального и визуального. Так же и фа-диез минор «Баркарола» из второй книги Песен без слов op.30 / 6. Послушайте увертюру Гебридские острова , вдохновленную поездкой композитора на Гебридские острова у западного побережья Шотландии.
Клод Дебюсси (1862-1918)
Дебюсси был одним из самых влиятельных композиторов конца 19 — начала 20 веков и считается основоположником музыкального импрессионизма.Реагируя на доминирующее влияние германской музыки с ее логической строгостью формы и развития, он искал новую музыку цвета, ощущений, мимолетного настроения и расслабленной формы, которая была бы отчетливо французской, а также отчетливо его собственной. Он разработал весьма оригинальную систему гармонии и музыкальной структуры, и его музыка воспринималась как разделяющая определенные черты с художниками-импрессионистами. Послушайте « Clair De Lune », возможно, самую любимую фортепианную пьесу Дебюсси, из Suite Bergamasque .
Ференц Лист (1811 — 1886)
Лист был одним из самых важных композиторов романтического периода и широко считается одним из величайших пианистов всех времен. Он создал оркестровую симфоническую поэму и разработал лейтмотивную технику, которую Вагнер использовал в своих эпических операх. Его фортепианные композиции, такие как Études , Hungarian Rhapsody и Mephisto Waltzes , представляют собой блестящие произведения, требующие как технических навыков, так и выразительности.Многие из его фортепианных сочинений являются одними из самых технически сложных в репертуаре, и он был известен тем, что популяризировал музыку других композиторов через свои фортепианные аранжировки. Послушайте «» сонату для фортепиано си минор «», которая, по общему признанию, является шедевром Листа.
Сергей Рахманинов (1873-1943)
Рахманинов — легендарный русский композитор-романтик, пианист и дирижер. Его музыка отличается размашистыми мелодиями, виртуозным пианизмом и пьянящей оркестровкой.Большинство его произведений написаны в стиле позднего романтизма, близкого к Чайковскому, хотя очевидно сильное влияние Шопена и Листа. Концерт № 2 для фортепиано с оркестром «» Рахманинова « » — одно из величайших произведений фортепианного репертуара.
Антонин Дворжак (1841 — 1904)
Дворжак был одним из величайших композиторов-классиков и первым чешским композитором, получившим всемирное признание. Он часто использовал народные элементы своей чешской родины в своей музыке.После того, как Брамс рекомендовал свою музыку к публикации, он полностью посвятил себя сочинению самых разных форм, но наиболее успешно для оркестра и камерной музыки. Из его девяти симфоний самая известная, From The New World , была написана в то время, когда он был директором Национальной консерватории в Нью-Йорке.
Густав Малер (1860-1911)
Романтический стиль Малера находился под сильным влиянием Брамса, Вагнера и Брукнера. Симфонии Малера часто были задуманы в огромном масштабе, с огромными философскими темами: любовь и ненависть, радость жизни и ужас смерти, красота природы, невинность и горький опыт.Он также был великим композитором песен, и в этих небольших формах он извлекал сущность сильных человеческих эмоций, развивая и обогащая свой изысканный мелодический дар. Послушайте симфонию № 5 Малера — четвертая часть, «Адажиетто», возможно, самая известная композиция Малера и наиболее часто исполняемая из его произведений.
Классическая музыка 101: пять композиторов, которые стоит послушать
Классическая музыка может показаться сложной задачей, если вы мало знакомы с жанром.Существует множество терминов, стилей, композиторов и исполнителей, и если вы незнакомы, вам может быть сложно вмешаться. Поскольку школы закрыты из-за пандемии, мы работаем над созданием ресурсов для учащихся всех возрастов. Этим летом мы собираемся углубиться в классическую музыку для неклассических слушателей.
Есть много композиторов, написавших потрясающую музыку, и это далеко не полный список. Но если вам просто интересно, с чего начать, эти невероятные писатели служат отличной отправной точкой, и у каждого из них достаточно репертуара, чтобы занять вас на некоторое время.
Иоганн Себастьян Бах 1685–1750
Бах — немецкий композитор, который начал играть и сочинять для органа, а затем перешел на оркестровые и вокальные произведения. Он был глубоко религиозным человеком, и многие из его самых известных произведений были написаны для исполнения в церкви. Он по-прежнему написал много замечательных светских произведений; его сюиты для виолончели являются ярким примером. К сожалению, Бах не был очень известен при жизни и никогда не покидал Германию. Только после Возрождения Баха в 19 веке его музыка была открыта заново, и он стал одним из самых известных композиторов.
Вольфганг Амадей Моцарт 1756 — 1791
Моцарт был вундеркиндом, который начал путешествовать и выступать со своей сестрой для королей и королев Европы в очень молодом возрасте и сблизился с отцом симфонии Йозефом Гайдном. Моцарт был одним из самых плодовитых композиторов, написавших более шестисот произведений. Он умер в молодом возрасте 36 лет, когда писал «Реквием ре минор».
Людвиг Ван Бетховен 1770 — 1827
Ученик Гайдна, Бетховен взял основы Гайдна в симфонической форме и расширил ее, пока она не превратилась в крупномасштабную симфонию, которую мы знаем сегодня.Он был большим поклонником Моцарта, но на самом деле они никогда не встречались. Бетховен страдал глухотой в конце своей карьеры, настолько, что, дирижируя своей «Девятой симфонией», он не знал, что она закончилась, пока один из солистов не указал на это.
Чайковский Петр Ильич 1840 — 1893
Чайковский стал первым русским композитором, получившим мировую известность. Самым известным его произведением является балет «Щелкунчик», который он написал для своих детей, но не получил особого удовольствия.Он хорошо известен тем, что в своих произведениях много эмоций, возможно, связанных с его жизнью, связанной с депрессией и фобиями. Например, он иногда держался за бороду одной рукой во время дирижирования, потому что боялся, что его голова отвалится.
Антонин Дворжак 1841-1904
Дворжак — чешский композитор, который в конце концов перебрался в Соединенные Штаты, став директором Национальной консерватории музыки. Он даже переехал на какое-то время в Спиллвилль, где написал некоторые из своих самых известных работ.Находясь в Соединенных Штатах, он часто использовал в своей музыке песни коренных американцев, афроамериканские гимны и народные песни.
25 величайших классических композиторов всех времен — The Juice
Есть известная поговорка: «писать о музыке — это как танцевать об архитектуре». Однако мы думаем, что сможем принять вызов. Вот наш список 25 величайших классических композиторов всех времен в произвольном порядке.
Сергей Рахманинов (1873-1943)
Сергей Рахманинов считается одним из величайших композиторов-классиков России.Исследование, проведенное группой физиков-теоретиков, показало, что он был самым новаторским композитором в истории классической музыки.
Виртуозный пианист, композитор и дирижер, он наиболее известен своим фортепианным концертом № 2 «». Это было восемь раз признано любимым произведением британской классической музыки в ежегодном опросе Classic FM, Зале славы Classic FM. Это один из самых популярных концертов классического репертуара, и за ним стоит интересная предыстория.
Рахманинов сочинил ее после четырех лет депрессии после негативной критической реакции на его Симфонию № 1 . Только после прохождения терапии он создал одну из величайших классических работ всех времен, которую посвятил своему терапевту.
В последующие годы Рахманинов гастролировал по Соединенным Штатам и написал ряд других уважаемых композиций, таких как « Рапсодия на тему Паганини ».
Рахманинов во многом обязан своим успехом своему соотечественнику Петру Ильичу Чайковскому, который наставлял его в ранние годы. В музыке этих композиторов прослеживаются явные параллели, оба из которых представлены в этой статье.
Фредерик Шопен (1810 — 1849)
Польский композитор и пианист-виртуоз, Фредерик Шопен — не только один из величайших композиторов эпохи романтизма, но и один из немногих музыкантов того времени, которые посвятили себя одному инструменту.
В отличие от других композиторов, он не сочинял оперы и симфонии. Он писал в основном для фортепиано соло, потому что знал, что в этом его сила. Таким образом, он считается величайшим пианистом-виртуозом своего поколения, и его часто называют Поэтом фортепиано.
Он радикально расширил возможности фортепиано и был настоящим провидцем, постоянно экспериментировавшим с аппликатурой и педалированием. Результатом стала серия увлекательных, элегантных и неподвластных времени произведений, в том числе Piano Sonata No.2 си-бемоль минор , Героический полонез и Ноктюрн, соч. 9 №2 ми-бемоль мажор. Последний (его самый известный ноктюрн) вы можете послушать выше.
Как и несколько композиторов, включенных в эту статью, Шопен умер молодым человеком в возрасте 39 лет. Его здоровье начало ухудшаться в возрасте 30 лет и быстро ухудшалось в последние несколько лет его жизни.
Он оставил после себя множество поклонников и подготовил почву для нескольких будущих великих людей. Дворжак, Рахманинов и Чайковский подражали Шопену в использовании национальных модусов и идиом, что является свидетельством его мастерства и новаторства.
Он — еще один пример композитора, которого давно не было, но музыка которого будет длиться вечно.
Джузеппе Верди (1813 — 1901)
Джузеппе Верди, величайший итальянский оперный композитор 19 века, был прогрессивным, индивидуалистическим и анти-условным.
Он трансформировал традиционную итальянскую оперную структуру, в основном основанную на мелодии, добавив больше гармонической и оркестровой изысканности, что принесло ему широкое признание.
Музыка Верди насыщена, драматична и временами мрачна, отражая трудности, с которыми он столкнулся в молодости. Он родился в семье трактирщиков на севере Италии и считался «простым человеком». Кроме того, его жена и двое детей умерли между 1838 и 1840 годами, когда ему было еще около 20 лет и его родственник был неизвестен.
Какое бы горе или печаль он ни чувствовал, он выразил их своей музыкой с потрясающим эффектом, создав такие шедевры, как Rigoletto .
Он также использовал свои композиции как средство выражения своих политических взглядов.Верди, страстный сторонник объединения Италии, объединил страну своей музыкой. Одно из его самых известных произведений, хор «Va, pensiero» из его оперы « Nabucco », был мощным символом движения за объединение. Вы можете послушать это, посмотрев видео выше.
Иоганнес Брамс (1833 — 1897)
Иоганнес Брамс был одним из ведущих композиторов эпохи романтизма. По иронии судьбы, он был сторонником классических традиций, которые доминировали в музыке поколением раньше.
Его музыка была вдохновлена Людвигом ван Бетховеном, и Брамс считался его преемником. Его положение в классической музыке настолько велико, что он является частью группы The Three Bs, в которую также входят Бетховен и Бах.
Брамс специализировался на фортепианных произведениях, хоровых сочинениях, камерной музыке и симфониях. Однако поначалу он не хотел сочинять последнее. Из-за влияния Бетховена в этой области Брамс боялся, что его музыку сочтут гораздо менее совершенной.
Однако эти опасения не оправдались. Его симфонии покорили мир, в том числе симфония № № 1 , на сочинение которой Брамс потратил 21 год. Это показывает, что хорошие вещи приходят к тем, кто ждет.
Морис Равель (1875-1937)
Морис Равель и соотечественник Клод Дебюсси часто упоминаются в одном разговоре. Оба француза были ведущими композиторами-импрессионистами начала 90-349-х годов -го века, несмотря на то, что они отвергли этот ярлык.
Но, хотя у них было много общего, Равель был гениальным композитором. Его считали величайшим из ныне живущих композиторов Франции 20-30-х годов.
В этот период, в 1928 году, он написал свою самую известную работу — Болеро . Одночастное оркестровое произведение, оно использовалось танцорами Торвиллом и Дином в качестве музыкального сопровождения их танцев на льду, завоевавших золотую медаль на Олимпийских играх 1984 года.Хотя это подтверждает широкую и непреходящую привлекательность Bolero , сам Равель был удивлен его успехом, сказав: «Я написал шедевр — к сожалению, в нем нет музыки».
Хотя он был родом из Франции, композиции Равеля основывались на мелодических фразах, ритмах и модальных вариациях испанской музыки. Две его оперы, L’heure espagnole и L’enfant et les sortilèges , воплощают этот подход.
Йозеф Гайдн (1732 — 1809)
Пожалуй, самый влиятельный композитор классического периода, Йозеф Гайдн имеет два титула — «Отец симфонии» и «Отец струнного квартета».
Австрийский композитор почти в одиночку создал современную форму камерной музыки, жанра, которым до сих пор пользуются в концертных залах по всему миру. Он также сыграл ключевую роль в развитии концерта, фортепианной сонаты и фортепианного трио.
Но его репутация основана не только на этих достижениях или на том факте, что он написал 106 симфоний. Его влияние на других музыкантов также достойно похвалы — в 1790-х годах он научил молодого Людвига ван Бетховена некоторым контрапунктам в своем родном городе Айзенштадте.Это оказалось бы бесценным упражнением.
Учитывая огромное количество произведений, написанных Гайдном, выбрать его лучшую работу — гигантская задача. Тем не менее, симфония № 44, («Trauer»), симфония № 88, и симфония № 49 («La Passione») относятся к числу его самых известных симфоний.
Феликс Мендельсон (1809 — 1847)
Когда кто-то из ваших сверстников называет вас «Моцартом 19, 90, 349, века», вы знаете, что произвели неизгладимое впечатление.
Так Роберт Шуман, другой композитор из этого списка, описал своего близкого друга Феликса Мендельсона.
Немецкий композитор, пианист, органист и дирижер, Мендельсон приобрел известность в период раннего романтизма. Тем не менее, его считают классико-романтическим композитором, поскольку в его музыке сочетаются романтическая субъективность и фантазия с классическим балансом и пропорциями.
Его самые известные сочинения включают Шотландскую и Итальянскую симфонии и увертюру к балету «Сон в летнюю ночь» .Он даже сочинил мелодию, которая связана с неким рождественским гимном. Мелодия «Слушай! The Herald Angels Sing ’была адаптирована из его хоровой кантаты Festgesang .
Мендельсон умер в возрасте 38 лет от серии инсультов. Но, хотя его жизнь была недолгой, он оказал огромное влияние на протяжении всей своей жизни.
Сергей Прокофьев (1891 — 1953)
Если вы не знакомы с русско-советским композитором Сергеем Прокофьевым, вы почти наверняка знакомы с его творчеством.
Танец рыцарей, из балета Ромео и Джульетта, считается одним из величайших его произведений . Сегодня это обычно ассоциируется с музыкой для прогулок для музыкальных групп и футбольных команд, такова его непреходящая и широко распространенная популярность. В нем запечатлены запоминающиеся, свежие мелодии Прокофьева, а также энергичное, насыщенное чувство его музыки.
Эта интенсивность отражена во многих других его знаковых произведениях, включая оперы «Любовь к трем апельсинам» и «Огненный ангел» , сюиту «Лейтенант Кидже » и «Петр и волк ».
Прокофьев, ключевой композитор начала — середины 20-х годов -х годов века, пережил тот же конфликт, что и многие музыканты того времени. Как сказал Classic FM: «В одну минуту он переосмысливал классические идеалы 18-го века или романтизм 19-го века, а в следующую он выступал против тех же самых традиций».
Какими бы ни были его убеждения, Прокофьев умудрялся создавать увлекательную и заставляющую задуматься музыку на протяжении 20, 90, 349, века.
Роберт Шуман (1810 — 1856)
Мы упоминали Шумана выше, и, как и Мендельсон, он считается одним из величайших композиторов эпохи романтизма.
Он написал десятки сольных фортепианных произведений, сотни хоровых произведений, оперу, четыре симфонии и бесчисленное множество других произведений. Он очень интересовался литературой, и повествовательная, а иногда и автобиографическая природа его музыки отражала это.
Шуман однажды сказал: «Послать свет во тьму человеческих сердец — таков долг художника». Его долг был исполнен должным образом — Иоганнес Брамс, Ференц Лист и Рихард Вагнер были вдохновлены его произведениями.
Однако его жизнь была окутана трагедиями и триумфом. Шуман умер относительно молодым человеком, ему было всего 46 лет. Считается, что он страдал от шизофрении или биполярного расстройства, а обстоятельства, приведшие к его смерти, были крайне неприятными.
В 1854 году он бросился в реку Рейн, но был спасен и отправлен в частное психиатрическое учреждение. Он умер в учреждении два года спустя, и причина смерти так и не была полностью установлена, хотя считается, что это была пневмония.
Но, как и в случае с Мендельсоном, его репертуар, несмотря на то, что он прожил недолго, более чем выдержал испытание временем. Послушайте один из его шедевров, Träumerei , посмотрев видео выше.
Клаудио Монтеверди (1567 — 1643)
А теперь обратимся к началу периода барокко и одной из его основополагающих фигур, Клаудио Монтеверди.
Итальянец помог преодолеть периоды Возрождения и Барокко почти без особых усилий, отказавшись от традиционных концепций в пользу новаторских стилей.
Например, в эпоху Возрождения композиторы обычно не указывали, на каких инструментах они хотели бы играть определенные партии в своих партитурах. Однако Монтеверди при написании партитуры для опер приписывал партиям определенные инструменты.
Он также был одним из главных действующих лиц бассо континуо, системы, состоящей из непрерывной басовой линии и аккордового аккомпанемента. На басовой линии обычно играет виолончель или контрабас, в то время как орган или клавесин играют аккорды.Эту технику можно услышать в его опере L’Orfeo , самой ранней из сохранившихся опер и одной из величайших опер всех времен.
Музыка Монтеверди находилась в некотором пренебрежении в течение 18 и 19 веков, когда современная музыка была в приоритете. Но, по иронии судьбы, музыка, ознаменовавшая конец эпохи Возрождения, возродилась в начале 20-го, -го, -го века.
Его произведения до сих пор регулярно исполняются и записываются, а в декабре 2019 года он был признан одним из 10 лучших композиторов всех времен по версии BBC Music Magazine .
Франц Шуберт (1797 — 1828)
Франц Шуберт, от природы одаренный и плодовитый композитор, считался последним писателем-классиком и одним из первых писателей-романтиков.
Его музыка была идеальным исследованием мелодии и гармонии, он преуспел во многих жанрах, сочиняя симфонии, камерную музыку, струнные квартеты и оперы.
Другой композитор, проживший трагически короткую жизнь, Шуберт умер в возрасте 31 года, причём его смерть была официально указана как брюшной тиф.
Однако за свою короткую жизнь Шуберт написал более 600 светских вокальных произведений, в том числе Gretchen am Spinnrade и Du bist die Ruh . Только в 1815 году он написал более 20 000 музыкальных тактов, в том числе девять церковных произведений, симфонию и около 150 песен, когда ему было всего 18 лет.
Таков был явный талант Шуберта с раннего возраста, что он довел своего учителя Михаэля Хольцера до слез, когда Хольцер описал его отцу игровые способности Шуберта.Хольцер сказал о Шуберте: «Каждый раз, когда я пытался сказать ему что-то новое, он это уже знал. Как следствие, я никогда не давал ему уроков, просто разговаривал с ним и молча восхищался им ».
Мы подозреваем, что вы тоже будете молча восхищаться музыкой Шуберта, если послушаете ее.
Рихард Штраус (1864-1949)
Это говорит о таланте, необходимом для того, чтобы стать великим композитором, если учесть, что Рихард Штраус написал свое первое произведение в возрасте шести лет.В течение следующих 80 лет он стал ведущим композитором эпохи позднего романтизма и раннего модерна.
Штрауса считали холодным и отстраненным человеком, но теплота его музыки опровергала такие представления. Его яркие оркестровки, интенсивные мелодии и изощренное использование гармонии привели его к статусу почти знаменитости к концу 19 -го века, когда он сочинил такие шедевры, как Till Eulenspiegel и Don Quixote.
Да, и давайте не будем забывать про Также Sprach Zarathustra .Вы уже слышали фанфары от этой работы, особенно если вы смотрели фильм « 2001: Космическая одиссея».
Штраус, наиболее известный своими стихотворениями и операми с богатым озвучиванием, был одним из главных новаторов в своей области.
Соответственно, Штраус занимал несколько руководящих должностей. Он был главным дирижером Баварской государственной оперы в Мюнхене с 1894 по 1898 год, Берлинской государственной оперы с 1898 по 1913 год и Венской государственной оперы с 1919 по 1924 год.
У него была любовь к голосу сопрано, и певцы сопрано всего мира расскажут вам, какое это удовольствие — петь его сочинения.Вы можете послушать, как американское сопрано Рене Флеминг исполняет невероятную кульминацию своей оперы « Каприччио » выше.
Антонио Вивальди (1678 — 1741)
С чего мы начнем объяснять влияние Антонио Вивальди на музыку барокко? По прозвищу Il Prete Rosso («Красный священник») из-за его рыжих волос (и того факта, что он некоторое время был священником) музыка итальянца была такой же характерной, как и его внешность.
Он фактически стал пионером концертного жанра, в котором виртуозные сольные исполнители чередуются с целым оркестром или вместе с ним.Его концерты стали эталоном для композиторов-классиков — самый известный из них, конечно же, The Four Seasons , группа из четырех скрипичных концертов.
Это один из 500 концертов, сочиненных Вивальди за его выдающуюся карьеру. Он написал концерты для мандолины, виолончели, флейты, альта д’амур, флейты и лютни.
Всего Вивальди написал 800 музыкальных произведений, создав сочинения для опер, сольных инструментов и небольших ансамблей.Среди других его крупных композиций — Nisi Dominus, Gloria и L’Estro Armonico .
Однако, несмотря на его таланты, музыку Вивальди редко играли после его смерти в 1741 году. Он был признан немощным среди слушателей классической музыки, а его рукописи были заперты или даже приписаны другим композиторам.
Однако в последние годы его музыка полностью возродилась — и разве мы не благодарны за это?
Ференц Лист (1811 — 1886)
Ференц Лист был одним из самых выдающихся композиторов эпохи романтизма и, возможно, самым выдающимся пианистом своего поколения.
Другой вундеркинд, венгр невероятным образом освоил фортепианный концерт № 2 ми-бемоль Фердинанда Риса к девяти годам.
В последующие десятилетия Лист внес несколько революционных вкладов в музыку. Он изобрел симфоническую поэму и был первым композитором, который сыграл полностью по памяти — чего раньше не делал ни один музыкант.
Он также был первым музыкантом, который разместил свое пианино под прямым углом к сцене, что было преднамеренной уловкой, чтобы спроецировать его звучание и сделать его более заметным для публики.
Это вызвало у его публики истерическую реакцию: женщины кричали во время его выступлений, кидались в него своей одеждой и пытались отрезать прядь его волос. Эти события стали частью явления, получившего название «Листомания», и привели к тому, что Лист был назван «первой рок-звездой мира».
За свою карьеру Лист написал более 700 произведений, из которых Соната си минор для фортепиано считается его шедевром. В отличие от большинства традиционных фортепианных сонат, она состоит из одной гигантской арки из одной части, длящейся почти полчаса — что-то неслыханное в эпоху романтизма.
Если и нужно было раздвигать границы, Лист раздвигал их — с громким эффектом.
Антонин Дворжак (1841 — 1904)
Антонин Дворжак, первый чешский композитор, получивший мировое признание, был одним из самых выдающихся музыкальных деятелей эпохи романтизма.
Он наиболее известен своими симфониями, которые почитают за их лирическую теплоту, а его произведения основаны на народном материале его родины.
Несмотря на то, что Дворжак рано продемонстрировал многообещающие перспективы, его имя стало нарицательным только после того, как ему исполнилось 30 лет.Он уничтожил большинство своих ранних работ, заявив: «У меня всегда достаточно бумаги, чтобы развести огонь». К счастью, несколько композиций были сохранены и стали ключом к его возможному прорыву.
В 1874 году Дворжак представил свою работу на австрийскую государственную премию в области композиции — и Иоганнес Брамс был в жюри.
Пораженный способностями Дворжака, Брамс рекомендовал произведение чешского композитора своему издателю Фрицу Симроку. Это привело к публикации «Славянских танцев », серии из 16 оркестровых пьес, написанных Дворжаком в 1878 году, которые привели его к славе.
К 1893 году он переехал в Америку и сочинил, возможно, лучшее из своих произведений — симфонию №
3, «Новый мир» . Мировая репутация Дворжака совершила гигантский скачок … и Нил Армстронг даже взял с собой магнитофонную запись во время своей миссии «Аполлон-11» в 1969 году.
Клод Дебюсси (1862-1918)
Предыстория Клода Дебюсси так же замечательна, как и его сочинения. Родом из бедного пригорода Парижа, он был принят в Парижскую консерваторию в возрасте 10 лет.Остальное, как говорится, уже история.
Дебюсси считается первым в мире композитором-импрессионистом. Однако для того, чтобы сказать ему это, понадобился смелый человек, поскольку он называл термин импрессионизм «слабоумным».
Как бы то ни было, его музыка отражала идеи художников-импрессионистов того времени, таких как Клод Моне. Как и в картинах Моне, музыка Дебюсси размывает края и создает новые гармонии, которые придают его музыке сказочный, цветной и атмосферный вид.
Он был отчетливо французским и был реакцией на германскую музыку, характеризующуюся формой и развитием, которая определила романтическую эпоху.
Это воплощено в его культовой композиции Clair de Lune , третьей части из Suite bergamasque , любимой слушателями во всем мире. Его название по-французски означает «лунный свет» и взято из одноименной поэмы французского поэта Поля Верлена.
Это одна из многих определяющих работ Дебюсси, в том числе Prélude à l’Après-midi d’un faune , La Mer и Images .Это дает вам представление о способностях великого человека.
Жан Сибелиус (1865 — 1957)
Вы не поверите, но Финляндия произвела на свет множество легендарных композиторов. Тем не менее, Жан Сибелиус, безусловно, самый известный из них.
Когда Сибелиус впервые стал выдающимся композитором, Финляндия была частью Российской империи. К 1917 году, когда он был на пике своей славы, страна окончательно обрела независимость. Считается, что его музыка сыграла ключевую роль в помощи Финляндии в преодолении российского правления, дав его родине сильное чувство национальной идентичности в период напряженной борьбы.
Многие сочинения Сибелиуса черпали вдохновение из «Калевала » , сборника финского фольклора, поэзии и мифологии. Он также написал такие произведения, как Finlandia (вверху), тональное стихотворение, которое было протестом против цензуры со стороны Российской Империи. Это произведение, наряду с такими произведениями, как Karelia Suite и Valse triste, , положило Сибелиуса (и Финляндию) на карту.
Он понравился не всем — New York Herald Tribune назвал его Symphony No.2 «вульгарный, своенравный и провинциальный вне всякого описания». Но как однажды сказал великий человек: «Не обращайте внимания на то, что говорят критики; ни одной статуи критику не ставили ».
Рихард Вагнер (1813 — 1883)
Необязательно быть приверженцем классической музыки, чтобы услышать Рихарда Вагнера. Если вы когда-нибудь напевали «Here Comes the Bride» (из произведения Вагнера Lohengrin ) или смотрели сцену нападения вертолета из фильма Apocalypse Now с участием Ride of the Valkyries , вы были вовлечены в его работу пассивно.
Это всего лишь два примера сейсмического влияния Вагнера на западную музыку. Он поднял оперный жанр на новый уровень, исследуя богатые гармонические структуры и оркестровку и сочиняя эпические крупномасштабные произведения, такие как Летучий голландец .
Он даже отстаивал концепцию Gesamtkunstwerk , где означает «полное произведение искусства» . Это стремилось объединить музыку и драму и было реакцией на то, что Вагнер считал ограничительным характером итальянской оперы.
Хотя он из Германии, работу Вагнера можно охарактеризовать как панъевропейскую, такова ее глобальная привлекательность. Об этом свидетельствует Байройтский фестиваль, ежегодный фестиваль в его честь, который посвящен исключительно его произведениям и привлекает посетителей со всего мира.
Однако можно с уверенностью сказать, что не все были вагнерианцами в течение своей карьеры. Дебюсси называл его «старым отравителем», в то время как у него также было давнее соперничество со своим соотечественником Брамсом в рамках «Войны романтиков».
Но, какое бы безразличие к нему ни испытывали некоторые из его сверстников, никто не мог отрицать влияние Вагнера в середине и конце 18, -го, -го века и позже.
Густав Малер (1860-1911)
История Густава Малера завораживает. Хотя он написал одни из лучших симфоний со времен Бетховена и считается одним из самых влиятельных композиторов позднего романтизма, при жизни он был более известен как дирижер.
Работы Малера получили широкое признание только после того, как были заново открыты в середине 20-х годов -го -го века.Его музыка была запрещена к выступлениям в большей части Европы в нацистскую эпоху из-за его еврейского происхождения. Его сочли «дегенеративным», и его могли играть в Европе только еврейские музыканты для еврейской публики.
Только после вмешательства американского композитора Леонарда Бернстайна мир смог наконец оценить подвижный талант Малера.
Он был страстным философом, глубоко интересовавшимся трудами Фридриха Ницше. Таким образом, его композиции исследовали смерть, ужас, жизнь и радость в равной мере.Хотя такой подход разубедил некоторых членов аудитории еще в конце 19, -го, -го века, сегодня он олицетворяет его привлекательность.
В 2016 году, согласно опросу BBC Music Magazine , в котором участвовал 151 дирижер, три его симфонии были включены в десятку лучших симфоний всех времен.
Игорь Стравинский (1882 — 1971)
Игорь Стравинский — самый современный композитор из этого списка, скончавшийся менее 50 лет назад.
Широко известный как самый важный композитор 90–349–-го века, Стравинский был революционером, который раздвинул границы и адаптировал свой стиль на протяжении всей своей карьеры.Его музыку можно разделить на три стиля по разным периодам — русский (1907 — 1919), неоклассический (1920 — 1954) и сериальный (1954 — 1968).
Еще одним свидетельством его разносторонности было то, что он мог писать практически для любого жанра. Однако наиболее известен он своими балетами, самый известный из которых — Весна священная . Когда в 1913 году премьера спектакля состоялась в Париже, считается, что он вызвал бунт из-за радикальных технических новшеств и провокационной хореографии.
Однако его долгосрочное влияние было более позитивным. Его хрустящие гармонии, нерегулярный размер и сильный ритмический акцент изменили то, как последующие композиторы думали о музыке — Карлхайнц Штокхаузен и Стив Райх — два примера.
Весна священная был одним из трех балетов, которые сделали имя Стравинского нарицательным, два других — Жар-птица и Петрушка .
Хотя его стиль изменился в последующие годы, он продолжал создавать такие шедевры, как Oedipus Rex , The Rake’s Progress и к концу своей карьеры Agon .
Более чем за полвека его сочинения навсегда изменили ход музыки. Проще говоря, они осветили мир.
Иоганн Себастьян Бах (1685 — 1750)
В глазах многих Иоганн Себастьян Бах — самый выдающийся композитор из когда-либо живших. Почти 200 ведущих композиторов мира назвали его величайшим композитором всех времен по версии BBC Music Magazine .
Хотя такие мнения субъективны, бесспорно то, что немец изменил музыку навсегда.Объяснить, как в паре сотен слов почти невозможно, но мы попробуем…
Во-первых, Бах был дотошным. Его музыку часто воспринимают как науку, точность которой почти математическая. Это явная синхронность между контрапунктом и гармонией, мастерство диссонансных звуков, бесшовная интеграция мелодических структур. Никто в то время не усовершенствовал эти элементы так, как Бах.
Во-вторых, он был работоспособен. За свою жизнь (65 лет) он сочинил невероятное 1128 музыкальных произведений, в том числе 200 кантат.
Он тоже был новатором. Он обогатил существующие немецкие стили, адаптировав ритмы, формы и текстуры из-за рубежа, особенно из Италии и Франции. Бетховен называл его «изначальным отцом гармонии», в то время как он оказал огромное влияние на Моцарта, Шопена и Брамса.
Как однажды сказал телеведущий Эндрю Марр: «В Бахе есть размер, оптимистическая сложность и радость, которые заставляют меня возвращаться к нему в любом настроении, никогда не скучая. Это все, что я могу сказать.”
Тем не менее, чтобы рассмотреть, что могло бы быть. Бах был более известен как органист при жизни, и лишь несколько его сочинений были опубликованы за 50 лет после его смерти. Только примерно с начала 19, 90, 349, века, его творчество было возрождено и полностью оценено.
Его самые знаменитые композиции включают клавишные, такие как The Well-Tempered Clavier , Brandenburg Concertos , и вокальную музыку, такую как St Matthew Passion .Послушайте финальный припев из этой пьесы, и вы поймете, что делает Баха таким особенным.
Пётр Ильич Чайковский (1840 — 1893)
Говоря о Петре Ильиче Чайковском, будет справедливо, что мы подробно исследуем его музыкальные вклады, неоднократно ссылаясь на него.
Мы упоминали влияние Рахманинова и Прокофьева выше, но Чайковский был первым российским композитором, получившим международное признание.Однако его путь к признанию был далеко не простым.
Он начал свою трудовую жизнь в качестве государственного служащего на случай, если его музыкальная карьера не удалась. К счастью, этот план на случай непредвиденных обстоятельств понадобился ему недолго. Когда ему был 21 год, открылась новая школа — Петербургская консерватория. Чайковский поступил туда, окончил институт в 1865 году и никогда не оглядывался назад.
Учение, которое он получил, было сосредоточено на западных традициях, и это было неотъемлемой частью его сочинений, сочетающих элементы русской народной музыки с немецкими, итальянскими и французскими традициями.Такой подход отличал Чайковского от его соотечественников, таких как «Пятерка».
Его произведения включают симфонии, концерты, оперы, балет и камерную музыку. Увертюра « 1812», «» — одно из самых известных его произведений, равно как и балет « Щелкунчик» , один из последних сочиненных им балетов. Затем идет «Лебединое озеро» , «Спящая красавица» — список можно продолжить.
Какое бы произведение Чайковского вы ни послушали, вы услышите множество красочных, теплых и величественных обертонов.
Джордж Фредерик Гендель (1685 — 1759)
Наряду с Бахом, Вивальди и Монтеверди, Джордж Фредерик Гендель считается одним из величайших композиторов периода барокко.
Гендель, известный своими операми, ораториями и органными концертами, родился и вырос в Германии, но прожил там только до 20 лет. Он переехал в Рим на несколько лет, а затем переехал в Англию в 1710 году и прожил здесь более 50 лет до своей смерти.
Эти движения сформировали музыку Генделя.В начале своей карьеры он сочинял преимущественно итальянские оперы, начиная с его революционной работы « Ринальдо, » и «1710–». Однако, когда вкусы изменились, а итальянская опера стала менее модной, Гендель перешел к ораториям, вдохновленным хоровыми произведениями английского композитора Генри Перселла.
Вы можете услышать это в Мессия , англоязычной оратории, написанной в 1741 году и рассказывающей историю Иисуса Христа. Если вы не знакомы с этим, вы узнаете это в тот момент, когда услышите.Это наиболее почитаемое произведение Генделя и одно из наиболее часто исполняемых классических произведений в западной музыке.
Его другие известные произведения включают «Пир Александра» , побудившие Генделя уйти из итальянской оперы, и « Задок священник» , сочиненные им для коронации Георга II. В какой-то момент Гендель был капельмейстером (или человеком, отвечающим за создание музыки) короля.
Вдобавок его музыка оказала большое влияние на Моцарта и Бетховена.По наследству, конечно, можно было сделать и хуже.
Вольфганг Амадей Моцарт (1756 — 1791)
Термин «гений» слишком часто используется при описании музыкантов, но он едва ли оправдывает Вольфганга Амадея Моцарта.
Австриец широко признан величайшим композитором классической эпохи и одним из лучших композиторов западной музыки.
Он один из немногих композиторов в истории, создавших произведения во всех жанрах своего времени, один из двух самых исполняемых композиторов всех времен. За свою короткую жизнь он написал 626 музыкальных произведений.
Невероятно, но свою первую пьесу он написал, когда ему было всего пять лет, — менуэт и трио соль мажор . К 14 годам он мог полностью по памяти расшифровать 15-минутное произведение итальянского композитора Грегорио Аллегри « Miserere ».
Эти первые признаки обещания были указанием на то, что должно было произойти. Моцарт покорил мир, написав такие шедевры, как:
Но хотя большая часть жизни Моцарта была определена успехом, она закончилась при сомнительных обстоятельствах.Он умер в возрасте 35 лет, и причина его смерти является предметом многочисленных предположений. Некоторые считают, что это было вызвано ревматической лихорадкой, другие считают, что его отравил его коллега Антонио Сальери.
К сожалению, большая часть музыки Моцарта не была опубликована на момент его смерти, но она более чем выдержала испытание временем. Еще в 2016 году Моцарт превзошел Бейонсе, Адель и Дрейк. И это еще не все — в прошлом году одна из его ранних рукописей недавно была продана на аукционе за 318 400 фунтов стерлингов. Это говорит вам все, что вам нужно знать о его наследии.
Людвиг ван Бетховен (1770 — 1827)
Людвиг ван Бетховен считается самым важным и влиятельным композитором своего времени.
Его музыка опередила свое время и отличала его от предшественников. Он создавал более крупные структуры, исследовал больше тем и сочинял более громкие, длинные и захватывающие симфонии, чем когда-либо существовало раньше. Он также поднял гармонические эксперименты на новый уровень, идя вразрез с упрощенной гармонией классического периода.
Таким образом, он был неотъемлемой частью перехода между классической и романтической музыкальными эпохами. Проще говоря, он расширил эмоциональный язык музыки.
Считается, что Бетховен достиг своего пика между 1802 и 1812 годами, его средним, или «героическим» периодом. В течение этого периода он написал свою Пятой симфонии , Концерт для скрипки , Лунную сонату (вверху) , и оперу Fidelio — его единственную оперу.
С 1813 года его слух резко ухудшился, и к 44 годам он полностью оглох. Каким-то чудом это не помешало ему сочинять, и в последние несколько лет своей жизни он завершил знаменитую симфонию 9 . Это Ода радости, — мелодия, принятая Европейским Союзом в 1985 году в качестве «гимна Европы».
Как и многие великие композиторы, Бетховен был сложным и беспокойным человеком. Помимо глухоты, у него было бурное детство.Его отец подвергался жестокому обращению, а его мать умерла от туберкулеза, когда ему было всего 16 лет. Позже он подумывал о самоубийстве и так и не женился.
Нет никаких сомнений в том, что невзгоды, с которыми столкнулся Бетховен, являются ключом к его произведениям. В разные моменты они рассказывают истории о суматохе, борьбе, надежде и восторге — эмоциях, которые нам всем понятны.
Если вы играете в оркестре, вы, вероятно, исполнили хотя бы одно из сочинений этих гениев. Это, без сомнения, возбуждающее чувство — и вы не хотите, чтобы вас уносили, потому что у вас не было надлежащей страховки.
Но если ваше оборудование украдено, потеряно или повреждено и вы не защищены надлежащим образом, вы столкнетесь с невозможностью работать в течение длительного периода.
Здесь на помощь приходит наша специализированная страховка. Она не только покрывает ремонт или замену вашего инструмента, но и включает страхование гражданской ответственности — то, что требуется большинству общественных мест перед тем, как позволить вам выступать.
Узнайте больше о нашей страховке оркестра, щелкнув ссылку выше, или получите онлайн-расценки за считанные минуты и посмотрите, что мы можем для вас сделать.
эпох классической музыки: история классической музыки — 2021
эпохи классической музыки: история классической музыки — 2021 — мастер-классЧтобы отправить запросы о помощи или оставить отзыв о доступности, пожалуйста, свяжитесь с [email protected].
Термин «классическая музыка» описывает оркестровую музыку, камерную музыку, хоровую музыку и произведения для сольных исполнений, однако в этом широком жанре существует несколько различных периодов. Каждая классическая эпоха имеет свои особенности, которые отличают ее от классической музыки в целом.
7 эпох классической музыки
Музыковеды делят классическую музыку на исторические эпохи и стилистические поджанры. Один из способов изучить историю классической музыки — разделить ее на семь периодов:
- Средневековый период (1150–1400) : Музыка существует с самого начала человеческой цивилизации, но большинство историков музыки начинают каталогизировать классическую музыку в эпоху Средневековья. . Средневековая музыка известна монофоническим пением, которое иногда называют григорианским пением из-за его использования григорианскими монахами.В дополнение к пению средневековые музыканты играли инструментальную музыку на таких инструментах, как лютня, флейта, блокфлейта, а также на некоторых струнных инструментах.
- Период Возрождения (1400–1600) : Музыка эпохи Возрождения представила широкую публику полифоническую музыку, в частности, через хоровую музыку, которая исполнялась в литургической обстановке. Помимо лютни, музыканты эпохи Возрождения играли виолончель, ребек, лиру и гитару среди других струнных инструментов. Медные духовые инструменты, такие как мешочек и корнет, также появились в эту эпоху.Возможно, наиболее известными композиторами эпохи Возрождения были Джованни Пьерлуиджи да Палестрина, Джон Доуланд и Томас Таллис.
- Период барокко (с 1600 по 1750 год) : В эпоху барокко классическая музыка резко возросла в своей сложности. Эпоха барокко полностью охватила тональную музыку — музыку, основанную на мажорных и минорных гаммах, а не на ладах, — и сохранила полифонию эпохи Возрождения. Многие инструменты, используемые сегодняшними оркестрами, были распространены в музыке барокко, включая скрипку, альт, виолончель, контрабас (контрабас), фагот и гобой.Клавесин был доминирующим клавишным инструментом, хотя фортепиано впервые появилось в эту эпоху. Самыми известными композиторами эпохи раннего барокко являются Алессандро Скарлатти и Генри Перселл. К периоду позднего барокко такие композиторы, как Антонио Вивальди, Доминико Скарлатти, Джордж Фридрих Гендель и Георг Филипп Телеманн, достигли огромной популярности. Самый влиятельный композитор эпохи барокко — Иоганн Себастьян Бах, сочинивший обширные прелюдии, фуги, кантаты и органную музыку.
- Классический период (1750–1820) : Классический период существует в широком жанре классической музыки. Эта музыкальная эпоха впервые ознаменовала собой то, что симфония, инструментальный концерт (в котором представлены солисты-виртуозы) и форма сонаты были представлены широкой публике. Камерная музыка для трио и струнного квартета также была популярна в классическую эпоху. Фирменным композитором-классиком является Вольфганг Амадей Моцарт, хотя он был далеко не единственной звездой классической эпохи.Йозеф Гайдн, Франц Шуберт и И.С. Сыновья Баха И.С. Бах и К.П.Е. В этот период Бах также были звездными композиторами. Оперные композиторы, такие как Моцарт и Кристоф Виллибальд Глюк, развили оперные формы в стиле, который остается узнаваемым сегодня. Людвиг ван Бетховен начал свою карьеру в классическую эпоху, но его собственные нововведения помогли вступить в новую музыкальную эпоху.
- Романтический период (1820-1900) : Примером позднего Бетховена, романтическая эпоха привнесла эмоции и драматизм в платоническую красоту классической музыки.Ранние романтические произведения, такие как Симфония № 9 Бетховена, установили шаблон почти для всей последующей музыки девятнадцатого века. Многие композиторы, доминирующие в симфоническом репертуаре современной эпохи романтизма, в том числе Фредерик Шопен, Ференц Лист, Феликс Мендельсон, Гектор Берлиоз, Роберт Шуман, Иоганнес Брамс, Антон Брукнер, Густав Малер, Петр Ильич Чайковский, Рихард Штраус, Жан Сибелиус, и Сергей Рахманинов. Оперные композиторы, такие как Рихард Вагнер, Джузеппе Верди и Джакомо Пуччини, использовали эмоциональную силу романтизма для создания прекрасных мелодических линий, исполняемых на итальянском и немецком языках.В эпоху романтизма также был создан новый инструмент в семействе деревянных духовых инструментов — саксофон, который приобретет особое значение в грядущем веке.
- Современный период (1900-1930) : Современная эра искусства и музыки началась в начале двадцатого века. Классические композиторы начала двадцатого века упивались нарушением гармонических и структурных правил, которые управляли предыдущими формами классической музыки. Игорь Стравинский демонстративно расширил инструменты до их естественных пределов, применил смешанный метр и бросил вызов традиционным представлениям о тональности в таких произведениях, как The Rite of Spring .Французские композиторы, такие как Клод Дебюсси и Морис Равель, возглавляли поджанр музыки двадцатого века под названием импрессионизм. Другие, такие как Дмитрий Шостакович, Пауль Хиндемит и Бела Барток, придерживались классических форм, таких как фортепианный концерт и соната, но бросали вызов гармоническим традициям. Возможно, наиболее радикальным был немецкий композитор Арнольд Шенберг, который вместе с такими учениками, как Альбан Берг и Антон Веберн, полностью избавился от тональности и принял сериальную (или 12-тональную) музыку.
- Постмодернистский период (с 1930 г. по настоящее время) : Художественная музыка двадцатого века изменилась, начиная с 1930-х годов и продолжилась в эпоху после Второй мировой войны, положив начало музыкальному стилю, который иногда называют постмодерном или современным.Ранние поставщики постмодернистской музыки включают Оливье Мессиана, который сочетал классические формы с новыми инструментами, такими как ondes martenot. Постмодернистские и современные композиторы, такие как Пьер Булез, Витольд Лютославски, Кшиштоф Пендерецкий, Хенрик Гурецкий, Дьердь Лигети, Филип Гласс, Стив Райх, Джон Адамс и Кристофер Роуз, смешали границы между тональной и атональной музыкой, и они стерли границы между классическая музыка и другие формы, такие как рок и джаз.
Хотите узнать больше о музыке?
Станьте лучшим музыкантом с годовой подпиской MasterClass.Получите доступ к эксклюзивным видео-урокам, которые преподают лучшие в мире, в том числе Ицхак Перлман, Сент-Винсент, Шейла Э., Тимбалэнд, Херби Хэнкок, Том Морелло и многие другие.
Зарегистрируйтесь здесь, чтобы получать советы по написанию песен Армина ван Бюрена и многое другое на свой почтовый ящик.
Наши музыкальные курсы
Рекомендуемый инструктор мастер-классов
Ицхак Перлман
В своем первом онлайн-классе скрипач-виртуоз Ицхак Перлман раскрывает свои техники для улучшения практики и мощного исполнения.
Познакомьтесь с классомКраткая история классической музыки
Экскурсия с гидом по ключевым композиторам и художественным направлениям, которые сделали классическую музыку богатой формой искусства, которая сегодня все еще захватывает, движет и возвышает
Установить дату «начала музыки» так же сложно, как точно указать тысячелетие, в котором вымерли динозавры. 1000 г. н.э. — всего лишь удобная отправная точка для зарождения современной западной музыки.Примерно в то же время впервые возникла идея объединить несколько голосов, чтобы спеть мелодию; это было также время, когда Церковь, которая так долго оказывала наиболее важное влияние и вдохновляла на развитие музыки, осознала необходимость стандартизации однострочных песнопений без аккомпанемента, которые веками использовались в священных церемониях.
Эта ранняя христианская музыка, полученная из греческих песен и пения, используемого в синагогах, превратилась в то, что мы теперь называем простой песней, равнинным или григорианским пением, традиционной музыкой Западной церкви — единственной мелодической строкой, обычно исполняемой без аккомпанемента.(Григорианские напевные мелодии, исполняемые сегодня, появились после смерти Папы Григория в 604 году нашей эры.) Без какой-либо принятой письменной системы для обозначения высоты или длины ноты, оценка музыки неизбежно была случайной.
Гвидо д’Ареццо, бенедиктинский монах, чья жизнь в качестве учителя и теоретика музыки совпала с потребностью церкви в музыкальном единстве, обычно приписывают введение нотоносца из горизонтальных линий, с помощью которого можно было точно записывать высоту нот.Он также придумал то, что мы теперь называем тонической системой соль-фа, используемой певцами, в которой ноты называются по их положению на шкале, а не по буквам алфавита (практика, унаследованная от древних греков. ).
По-прежнему не существовало метода определения длины заметки. Без этого трудно понять, как можно измерить чувство ритма. Некоторые ученые говорят, что это определялось естественным акцентом и акцентом речевых паттернов, и поэтому не требовалось никакого специального приспособления — певцы (конечно, без дирижера) обеспечивали свой собственный «поток» и выражение.
В процессе кодификации двух из трех основных элементов музыки — мелодии и ритма — в мир вошла идея гармонии. Естественно, не все певцы в хоре имеют одинаковый вокальный диапазон, что является проблемой для комфортного пения псалмов в унисон. Таким образом, голоса начали разделяться в соответствии с естественным диапазоном, повторяя Plainsong в параллельных строках на двух высотах, на расстоянии пяти нот (например, CG). Промежуток между двумя нотами называется интервалом, поэтому певцы пели интервал идеальной квинты. .Из этой, казалось бы, простой концепции, но реализация которой потребовалось так много времени, выросла идея, что, пока одна линия исполняет Plainsong («тенор» или «удерживающую» часть), другие могут плести вокруг нее другую мелодию.
Добро пожаловать в Граммофон …
Мы пишем о классической музыке для наших преданных и знающих читателей с 1923 года, и мы хотели бы, чтобы вы присоединились к ним.
Подписка на Gramophone проста, вы можете выбрать, как вы хотите получать удовольствие от каждого нового выпуска (наш красиво оформленный печатный журнал или цифровое издание, или и то, и другое), а также хотите ли вы получить доступ к нашему полному цифровому архиву к нашему самому первому выпуску в апреле 1923 г.) и беспрецедентной базе данных обзоров, охватывающей 50 000 альбомов и написанной ведущими специалистами в своей области.
Чтобы найти идеальную подписку для вас, просто посетите: gramophone.co.uk/subscribe
Были составлены правила, какая часть услуги может использовать какой тип интервалов. Постепенно разрешился интервал трети (C-E), долгое время считавшийся диссонансом. В течение умеренно короткого столетия у нас есть Перотен из Нотр-Дама — один из первых мастеров полифонии, сочиняющий музыку для трех и четырех голосов.
Параллельно с развитием литургической (церковной) музыки шел расцвет светской музыки трубадуров, поэтов-музыкантов, воспевающих прекрасных дам, рыцарства, весны и т.п.Это были преемники придворных менестрелей, исполнявших великие саги и легенды, у которых сами были менее образованные коллеги в виде жонглеров, странствующих певцов и инструменталистов. Благородные по происхождению, трубадуры происходили из Прованса и Аквитании (труверы, их северные коллеги и миннезингеры Германии были почти современниками). Лишь около 60 рукописей стихов трубадуров и труберов сохранились до наших дней, и немногие из них содержат нотные записи, которые, опять же, имеют указания только на высоту звука, но не на длину нот.
Эти 200 лет были свидетелями зарождения гармонии, современной нотной записи, увлечения танцами и песнями, которое охватило Европу во времена крестовых походов, и сложной структуры поэзии трубадуров — более чем достаточно, чтобы воспламенить воображение человека эпохи Возрождения.
Изучение и использование аккордов — это то, что мы называем гармонией. Диафония — «двуголосая» музыка — доминировала во всей музыкальной композиции до 13 века; это двухчастное пение применительно к plainchant также называлось органом.Голоса будут петь на октаву (C-C), идеальную квинту (C-G), идеальную четвертую (C-F) или мажорную треть (C-E).
Полифония также связана с звучанием более чем одной ноты, но через мелодию — это слово означает «многоголосый», «многоголосый». Следующим очевидным событием стало добавление третьей, четвертой или более независимых музыкальных строк, спетых или звучащих вместе, и именно выдающийся Филипп де Витри, французский епископ, музыкальный теоретик, композитор, поэт и дипломат, указал путь вперед в этой области. известная книга под названием «Новое искусство» — Ars Nova (в отличие от Ars Antiqua Гвидо д’Ареццо).Временные размеры указывали ритм музыки, а улучшения в обозначениях символизировали длину нот — предков наших минимумов, бреве и полубреве. Гийом де Машо (еще один французский священник, поэт и композитор) продвинул идеи де Витри еще дальше и написал как светские песни, так и постановки мессы (1364 — самый ранний известный полный сеттинг одного композитора) с тремя и четырьмя полифоническими голосами.
Хотя Франция в то время была музыкальным центром Европы, Италия самостоятельно разрабатывала свою собственную ars nova с музыкой, которая отражала теплоту и чувственность страны, в отличие от более интеллектуального галльского письма.Англия, менее пострадавшая от ars nova , не внесла значительного вклада в музыкальное развитие до прибытия Джона Данстейбла. Живя во Франции в качестве придворного композитора герцога Бургундского (младшего брата Генриха V), Данстейбл использовал ритмические фразы, традиционную простоту и добавлял другие свободные части, объединяя их в плавный, сладкозвучный стиль. До сих пор сохранилось около 60 произведений его музыки.
Данстейбл, в свою очередь, оказал влияние на бургундских композиторов Гийома Дюфе и Жиля Биншуа, чью музыку можно назвать стилистическим мостом между ars nova и полностью развитой полифонией 15 века.Технические аспекты музыкальной композиции и почти математическое увлечение комбинацией нот начали медленно открывать дверь к личности композитора, отраженной в его музыке.
К середине 15-го века королевские дворцы и величественные дома знати узурпировали Церковь как самое важное влияние на музыкальный ход (в 1416 году английский король Генрих V использовал более 30 голосов в Часовне). Королевской тогда папской капеллы было всего девять).Одним из побочных продуктов стала более тесная связь между светской музыкой и музыкой церкви, взаимное опыление, которое пошло на пользу развитию обеих. Музыканты, прошедшие через бургундский двор, распространили его стиль и знания на все точки европейского компаса.
Наиболее заметными достижениями в этот период стали возросшая свобода композиторов в отношении своих вокальных линий и различие в трактовке написанных ими текстов. Раньше слова должны были соответствовать музыке; Теперь же произошло обратное, и это лучше всего иллюстрирует работа Хоскена Деспре, одного из композиторов следующего поколения, получивших известность во всей Европе.Его музыка включает в себя большее разнообразие выражений, чем когда-либо — есть даже вспышки причудливого юмора — и включает попытки символизма, в которых музыкальные идеи совпадают с идеями текста. Когда разные голоса поют в полифонии, трудно уследить за словами; там, где испытуемый требовал, чтобы слова были четко слышны, Жоскен писал музыку, в которой разные голоса пели разные ноты, но одни и те же слова в одно и то же время — другими словами, аккордовая музыка. Неудивительно, что Жоскена называют «первым композитором, чья музыка обращается к нашему современному пониманию искусства».После него нашим ушам легко проследить развитие музыки на язык, который нам сегодня знаком по произведениям великих композиторов-классиков два столетия спустя.
16 век стал свидетелем четырех основных музыкальных явлений: школа полифонии достигла своего апогея, была основана традиция инструментальной музыки, была поставлена первая опера и впервые началось издание музыки. Для большинства людей просто не было возможности смотреть и читать музыку; музыканты впервые могли стоять вокруг партитуры, напечатанной в книге, и петь или играть свою роль.Хотя это было ограниченно и дорого, музыка теперь была доступна. Неудивительно, что он так быстро процветал.
Трудно представить себе центральное значение христианской церкви в это время. Здания, возведенные людьми эпохи Возрождения с таким великолепием и уверенностью, символизировали эпоху «возрождения», и музыка того времени стала заполнять нефы великих соборов Европы. Палестрина в Италии, Лассус в Нидерландах и Берд в Англии продолжили то, с чего остановился Жоскин, создавая сложные и богато выразительные произведения, которые подняли искусство полифонического письма для голоса на новый уровень и продемонстрировали способность человека выражать свою веру с помощью слава и пыл, которых не было ни в одном предыдущем столетии.
Как была соткана эта богатая ткань из музыкального золота? Один выдающийся писатель Перси Скоулз провел яркую аналогию с музыкальной «тканью», обсуждая музыку Палестрины. Он считал, что «тканый» подходящее слово для такого рода композиции. «Музыка состоит из переплетения фиксированного количества нитей. И пока [композитор] ткет, он производит как «гав», так и «основу». С точки зрения основы композиция представляет собой горизонтальное сочетание мелодий; смотрел как гав это перпендикулярный набор аккордов.Композитор обязательно имеет в уме оба аспекта, когда пишет свою пьесу, но горизонтальный аспект (или «деформация»), вероятно, для него важнее всего. Такую музыку мы называем «контрапункт» или «контрапункт». Элемент «woof» (= перпендикулярный, т.е. «Harmonic») присутствует, но менее заметен, чем «warp» (= горизонтальный, то есть «Contrapuntal»). Момент размышлений покажет, что вся контрапунктная музыка также должна быть гармонической, а вторая секунда мысли, что не вся гармоническая музыка должна быть контрапунктом.’
Прошло 1000 лет с самой ранней Песни Равнины, прежде чем традиция превратилась в сложную, очень сложную форму искусства, которая произвела такие шедевры, как Stabat mater Палестрины, Ave verum Corpus Виктории и O Quam Gloriosum Берда.
Теперь композиторы бросили вызов новым занятиям. Благоговейные, пышные хоровые произведения Церкви, в основном из Северной Европы, были оплодотворены живыми солнечными танцами и песнями юга.Светские коллеги церковных музыкантов привели к мадригалу, контрапунктной постановке стихотворения, обычно длиной около 12 строк, и тема которой обычно была любовной или пасторальной. Акцент был сделан на качестве словосочетания, а форма оказалась чрезвычайно популярной, хотя и недолго — особенно в Англии (возможно, из-за нашего большого литературного наследия), где такие, как Гиббонс, Велкес и Морли, были лучшими представителями мадригала.
Мадригалы, как и литургические песнопения и сеттинг мессы, были предназначены для голосов без сопровождения аккомпанемента — именно так задумано подавляющее большинство произведенной до этого времени музыки.Лишь в конце XIV века инструментальная музыка стала самостоятельной формой искусства. Блокфлейта, лютня, виола и спинет сыграли свою роль в танцевальной музыке и в сопровождении голосов (иногда заменяя их), но теперь такие композиторы, как Берд, Гиббонс, Фарнаби и Фрескобальди, начали писать музыку для определенных инструментов, хотя следует сказать, что эта форма искусства по-настоящему процветала только в эпоху барокко. Музыканты объединялись, чтобы сыграть серию различных танцевальных мелодий, образуя свободно построенную сюиту; или музыкант может сымпровизировать свою собственную мелодию вокруг другой — «фантазии» или «фантазии»; или они могут сочинять вариации мелодии, исполняемой на одной и той же повторяющейся басовой партии — «вариации на основе земли», как это называется.Другими нововведениями были итальянцы Андреа Габриэли ( c 1510-86) — первые, кто объединил голоса с медными инструментами — и его племянник Джованни (1557-1612), чьи антифонные эффекты для хоров медных инструментов могли быть написаны для наших современных стереосистемы.
И именно из Италии был сделан следующий важный шаг в истории музыки. Действительно, Италия была страной — фактически совокупностью небольших независимых государств в то время, управляемой множеством богатых и культурных семей — которая будет доминировать в музыкальном мире в течение полутора веков с 1600 года.Сила итальянского влияния в то время была такой, что музыка приняла этот язык в качестве своего lingua franca. По сей день композиторы почти повсеместно пишут свои выступления на итальянском языке. Одно конкретное слово, опера, описывает новую форму искусства: сочетание драмы и музыки. До конца XVI века об этой концепции никто не догадывался.
В конце 16 века художники, писатели и архитекторы заинтересовались древними культурами Греции и Рима. Во Флоренции группа художественной интеллигенции заинтересовалась тем, как разыгрываются древнегреческие драмы.Экспериментируя с декламированием более поэтических отрывков и используя несколько аккордов инструментальной музыки для сопровождения других отрывков в естественном речевом ритме, родилась идея музыки, отражающей, поддерживающей и комментирующей драматическое действие: драммы на музыку (‘драма посредством музыка ‘), спектакль с музыкальным оформлением.
Затем на ринг вышел один из выдающихся музыкантов истории Клаудио Монтеверди. Он не написал первую оперу (эта честь принадлежит Якопо Пери и его Дафне , ныне утерянному, 1594 или 1597 годов), но в одной работе, Орфео (1607), он обрисовал будущие возможности медиума.Сольным певцам был придан драматический характер в изображении и витиеватые песни для пения, были припевы, танцы, оркестровые интермедии, декорации. Опера была развлечением, разительно отличавшимся от всего, что было раньше, но, что более важно, это был совершенно новый способ использования музыки.
Преемники
Монтеверди, такие как Пьер Кавалли и Марк’Антонио Чести, разработали тип плавной лирической песни, вдохновленной потоком разговорного итальянского языка — bel canto («красивое пение»), что, в свою очередь, способствовало известности певца.Драматическая правда вскоре исчезла в пользу тщательно продуманного вокального исполнения солистов оперы — композиторы были только рады предоставить то, чего хотела их новая публика, — и ни один класс певцов не был более популярным, чем кастраты. Где бы они ни появлялись, кастраты, которым в детстве удалили яички, чтобы сохранить высокий голос, были высокооплачиваемыми и чрезвычайно популярными, что не отличалось от сегодняшних «Трех теноров» (с двумя небольшими отличиями). Практика кастрации для создания артиста, чрезвычайно варварская концепция, была прекращена только в начале 19 века.Последний кастрат, Алессандро Морески, фактически дожил до 1922 года и сделал около дюжины рекордов в 1902 году.
Святой Павел написал, что женщины должны хранить молчание в церкви. Поэтому они были недоступны из-за обременительных высоких строк в церковной музыке. Если бы истоки кастратов могли быть твердо поставлены перед церковью, подобная догма также может считаться ответственной за медленный прогресс инструментальной композиции. С давних времен Церковь выражала свое неодобрение этой практике.Святой Иероним заявил, что ни одна христианская девушка не должна знать, как выглядят лира или флейта (не говоря уже о том, чтобы слышать, как они звучали). Ослабление авторитета церкви после Реформации подтолкнуло композиторов к написанию инструментальной музыки для групп, причем с учетом относительной силы и цвета различных инструментов, что является еще одной новой концепцией. Та же смена акцентов привела к потоку блестящих инструментальных солистов. Среди них был блестящий скрипач итальянского происхождения по имени Жан-Батист Люлли, который в 1646 году уехал во Францию.Здесь он работал на короля Людовика XIV, экстравагантного строителя Версаля, который нанял 120 музыкантов в различные группы. Оркестр «Двадцать четыре скрипки» исполнял музыку при французском дворе; с добавлением Лулли флейт, гобоев, фаготов, труб и литавр, современный оркестр начал появляться.
Еще одним важным побочным продуктом итальянской оперы было введение сонаты — этот термин изначально означал просто произведение, которое нужно озвучить (сыграть), в отличие от спетого (кантаты). Несмотря на то, что она быстро приняла множество форм, соната началась с того, что итальянские скрипачи имитировали вокальные элементы оперы — единую мелодию, сыгранную на гармоничном фоне или, если хотите, в сопровождении аккордов.Это было огромным отличием от хоровых произведений века назад, обусловленных их полифоническим переплетением. Теперь появилась музыка, которая, даже если не было фонового аккомпанемента, уши слушателя могли мысленно обеспечить гармонию — вы могли сказать, где будет звучать мелодия, вы могли легче почувствовать ее форму и предназначение. С музыкальным акцентом на гармонию — ключевой чертой грядущих полутора веков — ритм стал играть все более важную роль. Хордовые паттерны естественным образом складываются в последовательности, в обычные такты или такты.Послушайте чакону Перселла или Генделя, и вы поймете, что тема — это не мелодия, а последовательность аккордов. Измерение ударов в такте ( один -два или один — два-три или один -два-три-четыре — акцент всегда на первой доле) придает музыке ощущение формы и помогает ей двигаться вперед. прогресс. Фразы приводят ухо к следующей последовательности, такой как диалог между двумя людьми, обмен мыслями отдельными словами, короткими предложениями или длинными абзацами. Спойте простую гимновую мелодию, например, «». Все люди, живущие на земле, «», и вы знаете, что теперь приобрела музыка — сильный тональный центр.
Создатели музыкальных инструментов отреагировали на это адаптацией и улучшением инструментов: великие итальянские скрипичные мастера Страдивари, Амати и Гварнери, семья Ракерс из Антверпена с ее клавесинами и семья Харриса в Англии, занимающаяся сборкой органов.
Заключительный вклад в этот период внесла итальянская опера. Использование оркестра в опере естественным образом привело к выражению драматических музыкальных идей — одна из причин, почему итальянский оркестр развивался быстрее, чем где-либо еще. Примерно в начале 18-го века композиторы начали писать увертюры в трех частях (быстро-медленно-быстро), создавая модель для классической формы сонаты, используемой в инструментальных пьесах, концертах и симфониях в течение следующих 200 лет и более.
Таким образом, этот «омофонический» период, подчеркивающий музыку с единой мелодией и гармоническим аккомпанементом, плавно перетек в течение 17 века в эпоху барокко Вивальди, Баха и Генделя.
Рождение концерта
Концерт разработан на основе танцевальных сюит, популярных в Италии в начале 17 века, известных как соната da camera . Первоначально композиция, которая противопоставляла две группы инструменталистов друг другу, превратилась в Concerto Grosso («великий концерт»), первым ведущим представителем которого был Арканджело Корелли.Здесь группа солирующих струнных инструменталистов чередуется с основным корпусом струнных в произведении, обычно состоящем из трех или четырех частей. Близнецы, Альбинони, Торелли, Гендель и другие внесли свой вклад в эту форму. Сольный концерт был всего в нескольких шагах от того места, где солист противопоставляется (позже противопоставляется) оркестру. Ни один из концертов этого периода не достиг такой популярности, как Вивальди, 500 сочинений которого в этом жанре (в основном для струнных, но иногда и для духовых инструментов) являются продуктом одного из самых выдающихся музыкальных умов начала 18 века. Four Seasons , одно из самых известных и наиболее часто исполняемых произведений классической музыки, иллюстрирует новую концепцию.
Северная Европа стала плацдармом для быстрого развития клавишной музыки: северогерманская школа органной музыки, основанная Фрескобальди и Свелинком за столетие до этого, с ее интересом к контрапункту, проложила путь для таких, как Пахельбель и Букстехуде, чья линия достигла своего пика в великих произведениях Баха. Тем временем Рамо и Куперен во Франции создавали короткие описательные пьесы для клавесина (а также оперы) в стиле, который получил название «рококо» — от французского rocaille , термина, первоначально намекающего на причудливые ракушки и свитки в искусстве.Это было преимущественно развлечением, а не возвышением, и рококо полезно определяет характер более легкой музыки, написанной в период барокко, особенно в сравнении с произведениями двух музыкальных тяжеловесов того времени, Иоганна Себастьяна Баха и Джорджа Фридриха Генделя.
Бах в свое время считался старомодным провинциальным композитором из центральной Германии. Но его музыка содержит некоторые из самых благородных и возвышенных проявлений человеческого духа, и вместе с ним искусство контрапункта достигло своего апогея.48 прелюдий и фуг для Хорошо темперированный клавир исследуют все перестановки фугального письма во всех мажорных и минорных тональностях; его последняя работа, Искусство фуги (оставленная незавершенной после его смерти), представляет собой математическое удовольствие в переплетении контрапунктических вариаций на одну и ту же тему. Тем не менее технический блеск музыки Баха заключен в выразительной силе его композиций, в частности его органной музыки, церковных кантат и великих Страстей по Матфею и Мессы си минор.Его инструментальная музыка свидетельствует о том, что он ни в коем случае не всегда был суровым богобоязненным лютеранином — шесть буйных концертов Бранденбург показывают, что он был хорошо знаком с солнечным итальянским образом жизни и многими из его самых красивых и глубоких. мысли сосредоточены на концертах и оркестровых сюитах. Его влияние на композиторов и музыкантов на протяжении многих лет было неизмеримо. Для многих он остается краеугольным камнем их искусства.
Великий современник Баха, Гендель, также был выходцем из Германии, но, напротив, был много путешествующим, светским человеком, который поселился в Англии и стал проницательным предпринимателем и манипулятором в музыкальных делах.В инструментальных формах, таких как Concerto Grosso , Гендель одинаково хорошо писал в омофоническом или полифоническом стиле и ввел множество комбинаций духовых и струнных в свою красочную партитуру. Он разработал типичную танцевальную сюиту 17-го века в такие известные (и до сих пор чрезвычайно популярные) эпизодические произведения, как The Water Music и Royal Fireworks Music . Опера была областью, в которую Бах никогда не рисковал, но Гендель — в период с 1711 по 1729 год — поставил около 30 опер в итальянском стиле, пока публика не устала от них, когда, будучи прагматиком, он обратился к оратории.Оратория — это расширенный сеттинг (обычно) религиозного текста в драматической форме, который не требует декораций или сценического действия. Генделя обладают огромным драматическим и эмоциональным диапазоном и часто используют смелые гармонии, не говоря уже о бесконечном потоке великолепных мелодий и поднимающих настроение припевов
Бах был последним великим композитором, нанятым церковью, что вполне уместно, поскольку церковь была движущей силой развития полифонической музыки, а Бах — ne plus ultra стиля.С тех пор музыкальный патронат исходил от знати, а знать предпочитала музыку, которая была элегантной, развлекательной и определенно не имела привкуса чего-либо «церковного». Следуя примеру французского двора и итальянских княжеств XVII века, каждый достойный европейский герцог стремился к собственному оркестру и музыкальному руководителю. Одним из таких примеров был двор Мангейма, где оркестр под руководством Иоганна Стамица поднял оркестровую игру до уровня, о котором раньше не слышали. Наступила новая эра, оторвавшаяся от контрапунктного письма позднего барокко.
Термин «классическая музыка» имеет два значения: используется для описания любой музыки, которая предположительно является «тяжелой» (в отличие от поп-музыки или джаза, как в «Я терпеть не могу классическую музыку»), а также определенного периода в развитии музыка, классическая эпоха. Это можно кратко охарактеризовать как музыку, которая отличается мастерской экономией форм и ресурсов, а также отсутствием открытой эмоциональности. Если Бах и Гендель доминировали в первой половине 17 века, то Гайдн и Моцарт — их двойники во второй половине и представляют все достоинства классического стиля.
Это можно проследить до поколения или около того до рождения Гайдна, до стиля рококо Куперена и Рамо и, что еще более убедительно, в бодрящих клавишных произведениях Доменико Скарлатти, более 500 коротких сонат которого, написанных в его шестидесятые годы, демонстрируют блеск. на что равнялся только Бах. Однако Скарлатти, писавший в меньшем масштабе, имел особую цель восхищать и наставлять свою ученицу, королеву Испании. Его современник Георг Филипп Телеман принес в Германию стиль рококо.Более легкий и даже более плодовитый, чем Бах, Телеман при жизни пользовался гораздо большим уважением, чем Иоганн Себастьян. Несмотря на его заявленное кредо («Тот, кто пишет для многих, работает лучше, чем тот, кто пишет только для немногих… Я всегда стремился к возможности. Музыка не должна быть усилием, оккультной наукой»), двое очень восхищались друг другом. до такой степени, что Бах назвал своего сына Карла Филиппа Эмануэля в честь Телемана и выбрал его крестным отцом.
CPE Музыка Баха представляет собой перекресток между франко-итальянским рококо и зарождающимися классическими школами — действительно, в некоторых своих клавишных произведениях он, кажется, предвосхищает Бетховена.Его фортепианные сонаты, в которых используются выразительные возможности недавно изобретенного фортепиано, заставляют нас пересмотреть термин «соната», использовавшийся в предыдущем столетии. Теперь соната стала формализованной структурой со связанными тональностями и темами. Эти Бах развились в расширенные части, в отличие от коротких частей формы барокко. Слушая CPE, возможно, самого оригинального и смелого композитора середины 18 века, начинаешь осознавать серьезность и комичность, вдохновенность и рутину, лежащие бок о бок с захватывающей непредсказуемостью.
Параллельно с этим работал Иоганн Стамиц. Его музыку сегодня редко можно услышать, но он и его сын Карл (1746–1801) были пионерами в развитии симфонии. Эта форма выросла из коротких быстрых-медленных-быстрых одночастных увертюр или симфоний итальянской оперы. Стамиц, служивший при дворе Мангейма, руководил одним из самых выдающихся оркестров Европы. Написанные им симфонии должны были стать образцом для симфоний Гайдна и Моцарта — в них мы можем видеть, как и в сонатах К.П.Э. Баха, использование связанных клавиш, двух контрастирующих предметов (тем) первой части и изящную проработку и развитие материала. .Он был первым, кто ввел кларнет в оркестр (и, вероятно, первым написал концерт для этого инструмента), что также сделало медные и деревянные духовые инструменты более заметными. Говорят, что его оркестровые крещендо, новый эффект того времени, заставляли публику вставать со своих мест.
Италия доминировала в музыкальном мире 17 и начала 18 веков своими операми и великими скрипачами. С середины 18-го века центр музыкального превосходства переместился в Вену, положение, которое он сохранял до последнего императора Габсбургов в первые годы 20-го века.Габсбурги любили музыку и привлекали ко двору лучших иностранных музыкантов; Императорская часовня стала вторым центром музыкального мастерства. Не менее важным было расположение Вены в центре Европы. В центре внимания венского двора находились самые разные влияния из соседней Германии, Богемии и Италии.
Между смертью Генделя (1759) и первым исполнением Бетховена « Фиделио » (1809) прошло менее полувека. Бах и Гендель все еще сочиняли, когда Гайдн был подростком.Сравнивать индивидуальный «звуковой мир» любого из этих четырех композиторов — значит слышать удивительно быстрый прогресс музыкального мышления. Без сомнения, важнейшим элементом этого было развитие сонатных и симфонических форм. В течение этого периода типичный пример обычно следовал той же базовой схеме: четыре части — 1) самая длинная, иногда с медленным вступлением, 2) медленное движение, 3) менуэт, 4) быстрое, короткое и легкое по характеру. Работая в рамках этой формальной структуры, каждое движение, в свою очередь, имело свою внутреннюю структуру и порядок развития.Большинство сонат, симфоний и камерной музыки Гайдна и Моцарта написаны в соответствии с этим образцом, и три четверти всей музыки Бетховена так или иначе соответствуют «сонатной форме».
Вклад Гайдна в историю музыки огромен, его прозвали «отцом симфонии» (несмотря на предыдущие заявления Стамица) и он был родоначальником струнного квартета. Как и все его хорошо обученные современники, Гайдн досконально знал полифонию и контрапункт (и, действительно, не прочь использовать это), но его музыка преимущественно гомофонична.Его 104 симфонии охватывают широкий диапазон выразительности и гармонической изобретательности. То же самое и со струнными квартетами. Благодаря идеальному балансу струнного звука (две скрипки, альт и виолончель), неявной экономии в озвучивании, точности и элегантности в обращении со средой, струнный квартет является квинтэссенцией классического искусства.
Моцарт сочинил 41 симфонию, и в более поздних из них (попробуйте знаменитое открытие № 40 соль минор) входит в царство за пределами Гайдна — ищущий, трогательный и далеко не безличный.Это еще более верно в отношении великой серии фортепианных концертов, среди самых возвышенных музыкальных произведений, где сочинение глубоко вовлекается — медленная часть Большого концерта (K488) убивает горем, предвосхищая сочинение будущего поколения. Моцарт тоже поднял оперу на новую высоту. Глюк в одиночку оторвался от окостеневшей итальянской оперы, в которой доминируют певцы, и показал в таких произведениях, как Orfeo ed Euridice (1762), что музыка должна соответствовать настроению и стилю пьесы, цвету и дополнять сценическое действие; арии должны быть частью непрерывного действия, а не просто зацикливаться на вокальных способностях певца.Моцарт пошел дальше и в своих четырех шедеврах Женитьба Фигаро , Così fan tutte , Don Giovanni и Волшебная флейта раскрыл более реалистичные персонажи, более искренние эмоции (и, конечно же, несравненно большую музыку), чем что-либо еще. это было раньше. Здесь опера впервые отразила слабости и чаяния человечества, темы, на которых композиторы-романтики должны были подробно остановиться.
«Старый порядок Changeth»: в первой половине XIX века Европа, взявшая пример с Французской революции и Войны за независимость Америки, была проникнута духом всеобщих политических волнений, кульминацией которых стали восстания 1848 года.Национализм, борьба за личную свободу и самовыражение были отражены и действительно созданы всеми искусствами — одно подпитывало другое. Аккуратный, упорядоченный режим парика и менуэта уступил место безудержному, страстному миру взъерошенного революционера.
Людвиг ван Бетховен сочетал свой музыкальный талант с глубоко укоренившимися политическими убеждениями и почти религиозной уверенностью в своих целях. За исключением, пожалуй, Вагнера, ни один другой композитор в одиночку не изменил музыкальный курс так кардинально и продолжал развиваться и экспериментировать на протяжении всей своей карьеры.Его ранняя музыка, построенная на классических путях, пройденных Гайдном и Моцартом, демонстрирует его индивидуальность в использовании устоявшихся музыкальных структур и преобразовании их в своих целях. Исследуются необычные тональности и гармонические отношения, а уже в Третьей симфонии ( Eroica ) музыка намного изобретательнее и убедительнее, чем все, что Моцарт достиг даже в позднем шедевре, таком как Jupiter . Затем последовали еще шесть симфоний, все разные по характеру, все они пытались достичь новых целей человеческого самовыражения, кульминацией которых стала великая Хоровая симфония (№ 9) с ее экстатическим финальным хоровым движением, прославляющим существование человека.Неудивительно, что так много композиторов испугались попытки симфонической формы после Бетховена, и что немногие когда-либо пытались сделать больше, чем волшебное бетховенское число девять.
Его камерная музыка рассказывает похожую историю, опираясь на классическую форму струнного квартета, постепенно превращая ее в свою (послушайте квартеты Среднего периода Разумовского ) до последней группы поздних квартетов, которые содержат музыку глубоко духовно и глубоко почувствовал личные заявления — световые годы от недавнего мира его прославленных предшественников.Цикл из 32 сонат для фортепиано отражает аналогичный портрет его жизненного пути; последние три из его пяти фортепианных концертов и величественный скрипичный концерт находятся на одном уровне с симфониями и квартетами. Его единственная опера Fidelio , хотя и не имела успеха в качестве театрального произведения, кажется, выражает все темы, которые Бетховен особенно дорожил: его вера в братство людей, его отвращение к революционерам, превратившимся в диктаторов, искупительную силу человеческая любовь. Все это было достигнуто достаточно романтично, а сам он боролся с глубокой глухотой.Неугасимый дух Бетховена и его способность использовать музыку для самовыражения ставят его в авангарде творческих достижений человека. «Приходите, мужчина, наступайте момент» — продолжительность жизни Бетховена помогает очерчивать поздний классический период и ранние романтики. Его музыка — это титанический промежуток между ними двумя.
Те, кто последовали за ним, почитали его как бога. Шуберт, следующий великий венский мастер, на 27 лет моложе, но переживший его всего на 18 месяцев, трепетал перед Бетховеном.Он не совершенствовал ни симфонические, ни сонатные формы, в его гриме не было революционного рвения. Он подарил мелодию. Шуберт, возможно, является величайшим мастером мелодии, которого когда-либо знал мир, и в его более чем 600 песнях заложена немецкая песенная (или Lied) традиция. Начиная с его Erlkönig (1815) и далее, Шуберт безошибочно улавливал суть смысла стихотворения и отражал его в своей обстановке. Впервые фортепьяно приобрело равное значение с вокальной партией, рисуя тональный рисунок или улавливая настроение произведения в его аккомпанементе.
И именно новые пианино с железными струнами стали излюбленным инструментом первой половины эпохи романтизма. На рубеже веков родилось поразительное количество композиторов-пианистов, самыми известными из которых были Лист, Шопен, Шуман и Мендельсон. Из них Мендельсон опирался на элегантные, традиционные структуры классицизма, в которых заключался его изысканный поэтический и мелодический дар. Многие из его фортепианных произведений (например, Песни без слов ) и оркестровые пьесы ( Гебридские увертюры, Увертюра и Итальянская симфония , № 4) описывают природу, места, эмоции и так далее.Шуман тоже предпочитал такие короткие музыкальные эссе с названиями, как Traümerei и Des Abends , чтобы вызвать настроение или событие — «характерные пьесы», которые позже стали называть «программной музыкой». Бесспорным мастером романтического клавишного стиля был Фредерик Шопен. Почти все его творчество посвящено фортепиано в череде очень индивидуальных и выразительных произведений, написанных за короткий период в 20 лет. Спустя пятьдесят лет после его ранней смерти в 1849 году композиторы все еще писали произведения, на которые он оказал сильное влияние.Шопен редко использовал описательные названия для своих работ (помимо таких лейблов, как Nocturne, Berceuse или Barcarolle). Технические и лирические возможности инструмента были подняты на новую высоту в таких шедеврах, как Четыре баллады, последние две (из трех) фортепианных сонат и множество коротких танцевальных композиций. Большинство из них происходили из его родины, Польши, и, будучи добровольным изгнанником, живущим в Париже, Шопен, естественно, стремился выразить свою любовь к своей стране. Гораздо более пылкий национализм должен был стать ключевым фактором в музыке композиторов, писавших позже в романтической традиции (сам Шопен, кстати, не любил, чтобы его называли «романтиком»).
Но чтобы по-настоящему определить «эпоху романтизма» в музыке, мы должны взглянуть на трех композиторов, которые доминировали в музыкальном мире во второй и третьей четвертях XIX века и которые продвигали музыку вперед на заре следующего: Листа, Берлиоз и Вагнер.
Бунт и свобода самовыражения лежат в основе романтического движения в музыке, литературе, живописи и архитектуре, это сознательный разрыв связей и вера в права художника. Лист, байроник по внешнему виду и темпераменту, величайший пианист того времени, подарил нам сольный фортепианный концерт, «симфоническую поэму» — расширенный оркестровый эквивалент «характерных пьес» Шумана — и ошеломляющее разнообразие музыки во всех формах и формах. .Соната для фортепиано си минор, в которой все элементы традиционной сонатной формы объединены в единое целое, является одним из краеугольных камней репертуара; его последние фортепианные произведения предвосхищают гармонии Дебюсси, Бартока и других. Хотя вся его музыка отнюдь не глубока — в ней много лоска и блеска, — его авантюрные партитуры, его покровительство и поддержка со стороны любого молодого композитора, который приходил к нему, сделали его одним из самых влиятельных музыкальных гениев века.
Берлиоз не был пианистом. Возможно, именно поэтому он является самым важным композитором того времени с точки зрения оркестрового письма. Он основывал свою музыку на «прямой реакции чувств» и мог с необычайной яркостью вызывать сверхъестественное, скажем, сельскую местность или страстных влюбленных. Как и Лист, он никогда не писал формальной симфонии: «Симфония Фауста » Листа и «Фантастическая симфония » Берлиоза «программны» и строятся на основе их литературного вдохновения.Берлиоз писал в эпическом масштабе, используя огромные силы, чтобы передать свое видение: например, Grande Messe des Morts требует соло тенора, духовых оркестров и массивного хора, а также расширенного оркестра. Теофиль Готье, чьи Nuits d’été Берлиоз положил на музыку, резюмировал Берлиоза так: «[Он] олицетворяет романтическую музыкальную идею, ломку старых форм, замену неизменными квадратными ритмами новыми формами, сложный и компетентное богатство оркестровки, правдивость местного колорита, неожиданные звуковые эффекты, шумная и шекспировская глубина страсти, любовная или меланхолическая мечтательность, тоски и вопрошания души, бесконечные и таинственные чувства, которые нельзя передать словами, и это нечто большее, чем все, что ускользает от языка, но может быть угадано в музыке.’Технические усовершенствования в производстве оркестровых инструментов — особенно медных и деревянных духовых — помогли таким композиторам, как Берлиоз, достичь своих целей, поскольку современные инструменты обеспечивают более широкий диапазон и разнообразие звука. Этот дополнительный цвет в оркестровой палитре композитора побуждал к более обширным (иногда кажущимся бесформенным) произведениям. Опора симфонической структуры была нужна меньше, хотя, когда писали это в начале 21-го века, многим все еще нравилось сочинять музыку в такой форме.
Третий титан романтиков был самым известным и обсуждаемым композитором всех времен: Рихард Вагнер. Такой же умный и трудолюбивый, как он был безжалостным и эгоцентричным, великим достижением Вагнера стал цикл из четырех опер «Кольцо нибелунгов» , который перевел оперу из сферы развлечений в квазирелигиозный опыт. Под влиянием Бетховена, Моцарта (считающегося первым по-настоящему немецким оперным композитором) и Мейербера (чье чувство эпического театра, дизайна и оркестровки впечатлило его) видение Вагнера состояло в том, чтобы создать произведение, которое было бы сплавом всех искусств — литературы, живопись и музыка.Свое видение он назвал «музыкальной драмой».
Некоторые из его идей были предвосхищены 40 годами ранее Карлом Марией фон Вебером, одним из первых, кто настаивал на полном контроле над всеми аспектами производства своих работ и который еще в 1817 году писал о своем желании объединить все воедино. формы искусства в одну великую новую форму. Опера Вебера « Der Freischütz », первая немецкая романтическая опера, явилась важной вехой в развитии этих идей, основанных на немецкой мифологии.
Вагнер решил, что музыка должна вырасти из либретто (он поставил свое собственное), что не должно быть никаких демонстрационных арий ради самих себя, вставленных только для того, чтобы угодить публике; музыка, как и повествовательный поток в опере, никогда не должна прекращаться, поскольку музыка одинаково важна для повествования истории и комментариев к действию и персонажам; лейтмотивы, короткие музыкальные фразы, связанные с разными персонажами и настроениями, будут повторяться на протяжении всей партитуры, чтобы поддерживать и связывать всю работу.Оркестровый вклад был не менее важен, чем вокальный элемент. Но Вагнер был больше, чем просто оперный реформатор. Он открыл новый гармонический язык, особенно в использовании хроматизма (см. Стр. XXXI). Это не только оказало глубокое влияние на последующие поколения композиторов, но и логически привело к атональной музыке 20-го века.
Не все композиторы подпадали под чары Вагнера. Брамс был воплощением традиционной музыкальной мысли. Его четыре симфонии гораздо ближе к стилю Бетховена, чем симфонии Мендельсона или Шумана, и первая из них была написана только в 1875 году, когда Вагнер почти закончил The Ring .Действительно, Брамс — безусловно, самый классический из немецких романтиков. Писал программную музыку и никаких опер. Любопытное совпадение, что он проявил себя в тех самых музыкальных формах, которые Вагнер предпочитал игнорировать, — в области камерной музыки, концертов, вариационного письма и симфоний.
Лишь в преклонном возрасте Джузеппе Верди перенял некоторые музыкальные идеи Вагнера. Итальянец представляет собой кульминацию различных школ оперы. Оперы Вагнера — потомки Бетховена и Вебера; Верди развивался на основе комических шедевров Россини и романтических драм Беллини и Доницетти.В знаменитой трилогии Rigoletto (1851), Il trovatore (1853) и La traviata (1853) Верди соединил свое драматическое мастерство с потоком незабываемых лирических мелодий, создав шедевры жанра публика никогда не устает. Don Carlos (1867), Aida (1871), Otello (1887) и Falstaff (1893) демонстрируют развитие и неустанно ищущий ум, которые остаются среди великих чудес музыки.
Вагнера и Верди объединял неистовый патриотизм. При жизни Верди считался мощным символом независимости Италии, в то время как Вагнер придерживался сомнительных теорий, которые сделали его героем Третьего рейха. В течение столетия западная музыка, в которой теперь преобладали немецкие традиции и формы, все больше и больше находилась под влиянием подъема национализма. Композиторы хотели отразить характер и культурную самобытность своих родных земель, используя материал и формы, заимствованные из их собственной страны.Россия была в авангарде национализма, который теперь оплодотворял эпоху позднего романтизма. Глинка был первым крупным русским композитором, который использовал русские сюжеты и народные мелодии в своей опере «Жизнь за царя». Под влиянием итальянской традиции, он тем не менее сумел передать типично русскую песню и гармонию и оказал глубокое влияние на Бородина, Балакирева, Кюи, Мусоргского и Римского-Корсакова — так называемую «Могучую пятерку» (или «Могучую горстку» — хотя Цуй вряд ли можно назвать «могущественным» по сравнению с гением своих сверстников).
Чайковский, наиболее образованный из всех своих русских современников, на словах говорил националистам, сочиняя музыку в основном в немецких традициях. Повсюду в Европе возникли националистические музыкальные школы: в Чехии были Сметана, Дворжак и Яначек; в Скандинавии — Нильсен, Григ и Синдинг; в Финляндии — Сибелиус, семь симфоний которого раскрыли эту среду очень захватывающим и индивидуальным образом; в Испании — Альбенис, Гранадос и де Фалья. Британия и Соединенные Штаты медленно развивали националистическую школу: Парри и Элгар твердо писали в немецкой манере, и только после прибытия Воана Уильямса и Холста «британский» (или, во всяком случае, «английский») звучал. начали появляться.Америка была любопытным случаем. Его первый отечественный композитор любой ноты, Готтшалк, использовал местные ритмы для своих фортепианных произведений (в основном) еще в 1850-х годах — южноамериканские, новоорлеанские и кубинские элементы смело выходят на первый план. Прошло еще полвека, прежде чем любая музыка, непосредственно заимствованная из американского фолка, начала утверждаться в форме джаза.
К датам каждого музыкального периода нужно подходить гибко. Романтический период включает в себя широкое разнообразие личных стилей и представляет собой длительный и быстрый период в развитии западной музыки.Как и во всех сферах жизни, искусство развивалось все более быстрыми темпами. Параллельно с ростом национализма появилась итальянская школа оперы verismo , школа реализма или натурализма, воплощенная в работах Пуччини, Леонкавалло и Масканьи, сюжеты которых были взяты из современной жизни, представленной с повышенной жестокостью и эмоциями. В последние годы этого периода, возникшие под влиянием Вагнера, пришли неоромантики, чье использование массивных симфонических структур и сложной оркестровки слышно в музыке Брукнера, Малера, Скрябина и ранних произведениях Рихарда Штрауса.
Ближе к концу века возникла реакция на излишества романтиков — слишком очевидный подход «сердце на рукаве», чрезмерное эмоциональное баловство, внемузыкальные программы и философские взгляды начали приходить в восторг. Подобно тому, как период барокко растворился в классическом периоде, классика перешла в раннюю романтическую эпоху, поэтому в конце 19-го века появилась тенденция к смелым экспериментам с новыми стилями и техниками. На смену французскому импрессионистскому движению в живописи и поэзии пришла импрессионистская музыка, воплощенная в смелой (в то время) личной гармонической идиоме Клода Дебюсси.Здесь акцент был сделан не на предмете музыкального произведения, а на эмоции или ощущении, вызванном этим предметом. Его музыка так же тщательно организована, как и все остальное в классической немецкой манере, но, используя цельнотональную гамму и свежие гармонии, Дебюсси вызывает чувственное, атмосферное очарование в своей фортепианной музыке и оркестровых произведениях. Прихотливый Морис Равель пошел по его стопам, создав экзотические воспоминания о свете и цвете, позже окрашенные джазовыми отсылками.
На рубеже веков уже было невозможно определить доминирующее общее музыкальное направление.Под ее многочисленными фрагментированными разделами мы можем только назвать наследника классического и романтического периодов несколько неубедительным словом «современная музыка».
Игорь Стравинский учился у одного из величайших музыкальных оркестров Римского-Корсакова. Он оркестровал некоторые фортепианные сонаты Бетховена в качестве упражнения; он работал контрапунктом и узнал о классических формах — иными словами, о здравом, традиционном консерваторском обучении. Менее чем через десять лет мы обнаруживаем, что Стравинский пишет музыку, которая находится далеко от того, что было у его наставника. Жар-птица (1909), Петрушка (1911) и Весна священная (1913), три его балетных шедевра, становились все более авантюрными: в Петрушка мы находим битональные отрывки (то есть музыку, написанную в двух тонах). одновременно), диссонирующие аккорды, новая ритмическая свобода и перкуссионное оркестровое качество; в «Весне священной » «», партитуре, вызвавшей бунт на премьере, Стравинский сократил все элементы музыки, чтобы усилить ритм.Дебюсси и Шенберг в некоторых своих произведениях сводили музыку к вертикальному эффекту одновременно звучащих нот, поэтому Стравинский сводил мелодию и гармонию к ритму. Как выразились Алек Харман и Уилфред Меллерс в своей книге Man and His Music : «Гармония без мелодии и ритма, ритм без мелодии и гармонии статичны. И столпотворение Стравинского « Весна священная », и «Дебюсси» Voiles лишают музыку чувства движения от одной точки к другой.Хотя они начали с диаметрально противоположных точек зрения, оба композитора отмечают радикальный отход от традиций европейской музыки времен Возрождения ».
Стравинский на протяжении своей замечательной карьеры продолжал писать в других стилях, доминируя в музыкальном мире в течение 50 лет, так же, как его почти точный современник Пабло Пикассо доминировал в своей области. Можно утверждать, что ни один другой композитор в этом столетии не оказал большего влияния, чем Стравинский — Дебюсси и Равель были менее широкими, Сибелиус и Барток менее смелыми, Шенберг и Веберн менее доступными.
Арнольд Шенберг — единственный соперник Стравинского как музыкальный колосс эпохи. Некоторым он открыл дверь в совершенно новый мир музыкальной мысли, столь же захватывающий, сколь и сложный; для других он — жупел музыки, который послал ее по спирали вне досягаемости обычного обывателя, пока, почти сто лет спустя, она не обнаружила себя как тупик.
Начиная с эпохи Возрождения, вся музыка имела тональный центр. Как бы далеко ни уходила музыка от тоника — основной тональности, слушатель всегда осознавал неизбежность окончательного возвращения к этому центру.К концу 19-го века музыка все чаще стала включать интервалы, выходящие за пределы преобладающей диатонической гаммы, в результате чего в произведении появлялось необычайное количество модуляции. Это называется хроматическим письмом, поскольку для гармонизации пьесы используются интервалы хроматической шкалы (а не диатонической шкалы). Послушайте, например, более поздние работы Вагнера и работы Малера и Рихарда Штрауса, которые следовали им по пятам. Слыша их, становится менее ясно, в какой тональности написана пьеса, ее тональный центр менее очевиден.То, что сделал Шенберг, было логическим следствием этого и спросил: «Если я могу ввести эти хроматические ноты в свою музыку, можно ли вообще сказать, что существует конкретная тональность? Почему любая нота должна быть чужой для любого данного ключа? Гармония — это просто звучание нот вместе, так почему же 12 полутонов хроматической гаммы не должны иметь одинаковое значение? »
Теории и музыка так называемой Второй венской школы, последовавшей за Первой венской школой Гайдна, Моцарта и др., Опровергают ожидания слушателя.Нет ни одной из знакомых нам особенностей аккордов, которые мы узнаем, мелодий, которые мы можем напевать, или ритмов, в которые мы можем стучать ногами. Остается только традиционный способ обозначения на партитуре отдельных нот, временных подписей и экспрессионных знаков. Поскольку подавляющее большинство музыки, которой мы слышим в детстве, является тональной, довольно легко усвоить симфонию Бетховена с первого прослушивания. Поскольку серийная музыка написана на совершенно иностранном языке, с которым у большинства из нас нет ориентиров, ее эффект подобен прослушиванию скандинавской эпической поэмы на японском языке.Меломан должен овладеть знанием языка — другими словами, музыкальной техникой, задействованной в композиции, — прежде чем ее можно будет оценить. Сравнительно мало у кого есть время, так сказать, изучать скандинавскую поэзию в японском переводе.
Не всех композиторов привлекла новая техника, но диссонанс, атональность и отказ от мелодии — сильные стороны творчества многих композиторов этого века. Очень мало серийной или атональной музыки утвердилось в регулярном концертном репертуаре; еще меньше нашло свое место в сердцах и привязанностях обычной любящей музыку публики.Если заглянуть в будущее, это особенно верно в отношении музыки, написанной со времен Второй мировой войны. Список произведений, написанных пером всемирно известных современных композиторов, вызовет у большинства людей тупой отклик. Сегодняшнему авангарду требуется гораздо больше времени, чтобы ассимилироваться, чем авангарду предыдущих веков. Мнения по поводу достоинств такого композитора, как, например, Чарльз Айвз, разошлись во мнениях, чьи полиритмические, политональные произведения слишком сложны, чтобы они когда-либо стали популярными; Штокхаузен, Биртвистл, Кейдж, Картер, Берио, Ноно (список бесконечен) останется закрытой книгой для большинства людей.Тем не менее, у каждого из этих композиторов есть множество фанатичных поклонников в определенных кругах. Мы надеемся, что в музыкальном развитии всегда будут смелые, фантастические новаторы, исследующие новые возможности, выражающие себя новыми и оригинальными способами. Найдут ли они когда-нибудь широкую, отзывчивую и благодарную аудиторию, покажет время. У большинства новых заказов есть премьера, трансляция (если им повезет), а затем они предаются забвению — на каком бы музыкальном языке они ни были написаны.
Другой путь, выбранный музыкой в этом столетии, — это путь, который сохраняет связь с тональностью и (в настоящее время все чаще) с мелодией.Несмотря на резкость и едкость музыки Прокофьева, его стиль является явным потомком романтиков. Шостакович, разделяющий любовь Прокофьева к острому, юмористическому и сатирическому, а также мрачному и интроспективному, следует из той же традиции. Рахманинов в еще большей степени писал в духе позднего романтизма, создав некоторые из самых популярных симфоний и концертов, написанных в этом столетии. Во Франции наиболее важными композиторами после Равеля и Дебюсси были Онеггер, Мийо и Пуленк, три разрозненных композитора, бесполезно сгруппированных в Les Six (остальные три внесли незначительный вклад), и все они находились под влиянием причудливого и эксцентричного Эрика Сати.Самым значительным французским композитором со времен импрессионистов является Оливер Мессиан, который ввел элементы индийской музыки и пение птиц в язык западной музыки. Пьер Булез, чьи сложные произведения часто основаны на математических соотношениях, и Карлхайнц Штокхаузен, чьи партитуры для его новаторской электронной музыки представлены в виде диаграмм и диаграмм, оба являются учениками Мессиана.
Больше нет ни одной музыкальной школы. Кажется, мало что связывает социально-политические оперы Курта Вейля и их хрупкие, навязчивые мелодии с его современником Полом Хиндемитом и его плотной контрапунктовой неоклассической идиомой.Гораздо меньше Аарон Копленд, родившийся всего пятью годами позже, в 1900 году, имеет какое-либо отношение ни к одному из них. Первый выдающийся композитор американского происхождения, Копленд использовал в своей музыке народный материал, шестую и седьмую блюзовые интервалы, отголоски ковбойских песен, джаз и память о еврейских синагогах. Его «Аппалачская весна » (1944 г.) один критик сравнил с «Пасторальной симфонией » Воана Уильямса «».
А что случилось с британской музыкой в этом веке? Столетие Перселла в 1895 году стимулировало интерес к великому наследию музыкального прошлого Англии; Общество английской народной песни было основано в 1898 году; Лондонские концерты «Променад» открылись в 1895 году, и внезапно «страна без музыки» оказалась в эпицентре музыкального возрождения.Никто не заслуживает большего признания в возрождении музыкальных успехов нации, чем Ральф Воан Уильямс и Густав Холст. Воан Уильямс своим кредо считал убеждение, что «Искусство музыки, прежде всего, является выражением души нации». Английская тюдоровская музыка, средневековые тональности и народная песня привлекали его, сочиняя музыку в том, что можно условно назвать романтическим неоклассическим стилем, с использованием контрапункта, классических форм (таких как симфония и фуга) и современной гармонии. Холст был вдохновлен аналогичным образом, но также черпал вдохновение с востока — его самая известная работа, Планеты , была основана на идеях халдейской астрологии.Из следующего поколения наиболее важными были Бенджамин Бриттен, Майкл Типпет и Уильям Уолтон. Бриттен, в частности, с его многочисленными сценическими работами, сделал английскую музыку на международной арене, написав для самых разных сред, включая оперу для телевидения ( Owen Wingrave ). Питер Граймс , Билли Бадд , Военный реквием , Серенада для тенора, валторны и струнных , Руководство для молодых людей по оркестру — список сочинений, сочиненных им после Второй мировой войны, теперь регулярно концертный репертуар замечательно велик.Выдающийся вклад Уолтона был сделан перед войной, выпустив Façade , Belshazzar’s Feast , Концерт для альта и Первую симфонию. Типпетт имел менее устойчивый успех по сравнению с двумя его современниками, но Дитя нашего времени (1941), Концерт для двухструнного оркестра (1939) и Fantasia Concertante на тему Корелли (1953), несомненно, останутся на первом месте. курс.
Из более поздних поколений британских композиторов еще слишком рано говорить с какой-либо уверенностью, кого и что будут помнить в великой схеме вещей через 50 лет.Элизабет Лютьенс, Хамфри Сирл и так называемая Манчестерская школа Питера Максвелла Дэвиса, Харрисона Биртвистла и Александра Гера имеют своих поборников и преданных поклонников; они не всегда комфортно сочетаются с такими, как Ричард Родни Беннетт, Малкольм Арнольд и Джордж Ллойд — чтобы назвать тех, кто родился до войны и у каждого из которых есть преданные последователи.
Музыка, написанная в наше время, пишет Джеймс Джолли , остается спорной формой искусства, где боевые порядки выстраиваются ее сторонниками.Вот несколько руководств по изучению новой музыки.
Одной из сильнейших «школ», привлекавшей людей «извне» классического мира, были так называемые минималисты. Стив Райх (1936 г.р.), Филип Гласс (1936 г.р.) и Джон Адамс (1947 г.р.) — три ведущих представителя, пишущих музыку, основанную на повторяющихся нотах или фразах и создающих волнообразные узоры при взаимодействии фраз. У всех троих появились музыкальные голоса, завоевавшие сердца публики. Филип Гласс легко перемещался между оперным театром, концертным залом и киностудией, хотя в последнее время вернулся к чисто абстрактной композиции.Джону Адамсу удалось добиться расположения как критиков, так и публики. Такие произведения, как его недавняя опера Doctor Atomic , занимают достойное место в репертуаре, а его оркестровые произведения исполняются регулярно. Одно из последних произведений Стива Райха, его Daniel Variations , произведение, которое послужило толчком к убийству исламскими экстремистами журналиста Дэниела Перла, является мощным и творческим ответом на современные события. Как пишет The New Yorker : «В самых последних произведениях Райх консолидировал изобретения четырех десятилетий.Фактуры с неоновым освещением уступили место плотным, сумрачным пейзажам с нежными лирическими пассажами в основе каждого произведения. Как будто Райх наконец позволил себе оглянуться назад во времени, возможно, даже потакая тайному романтическому побуждению ».
В настоящее время огромной популярностью по обе стороны Атлантики пользуется аргентинско-еврейский композитор Освальдо Голиев. Его музыка представляет собой «фьюжн» на очень высоком уровне сложности и легко пересекает границы. Его опера Lorca Ainadamar , записанная DG (и включенная в это руководство), представляет собой волшебное творение, прекрасно представленное.Его музыка, пересекающая границы, затронула современный аккорд, и его эхо заполнило концертные залы по всему миру.
Как и Голиджов, живущий в США, но с растущим числом поклонников в Великобритании, где была премьера его первой оперы « Два мальчика », — это Нико Мухли (1981 г.р.), композитор с огромным талантом. Его симпатия к англиканской хоровой традиции придает его музыке сильное чувство происхождения, но он является одним из самых разносторонних молодых музыкантов, меняющих разные жанры, одну минуту он работает с музыкантами в Английской национальной опере, а в следующую — с экспериментальными рок-музыкантами из Исландии. .Он музыкант, поклонники которого принадлежат к разным слоям музыкальной жизни.
Генрик Горецки (1933 г.р.), Арво Пярт (1935 г.р.) и Джон Тавенер (1944 г.р.) приобрели огромную популярность в 1980-х годах благодаря своим индивидуальным и часто нежным голосам, усиленным сильной духовной составляющей. Третья симфония Гурецкого была одним из музыкальных феноменов того времени — произведением огромной популярности, ставшим практически культовым благодаря эфирной игре на Classic FM. Джон Тавенер черпает вдохновение в своих глубоко укоренившихся греческих православных убеждениях и создал множество захватывающих произведений.Его концерт для виолончели The Protecting Veil приобрел огромную популярность и очень быстро собрал на свой счет пять записей. Совсем недавно он написал произведение Concertante для скрипача Никола Бенедетти.
Оливер Кнуссен (р. 1952) вырос под влиянием Бенджамина Бриттена, который тогда был доминирующим голосом в британской музыке. Самыми известными его произведениями являются две одноактные оперы « Хигглети Пигглети»! и Где обитают дикие существа ; Его «Танцы Офелии» и Симфонии № 2 и 3 раскрывают работу мастера.Джордж Бенджамин (1960 г.р.), родившийся менее десяти лет спустя, подтвердил свою репутацию еще ребенком. Ученик Мессиана и Гёра и друг Булеза его первая значительная работа — , окруженная плоским горизонтом . Его тонкое ухо к цвету позволило создать несколько удивительно прозрачных партитур, и этот подход, несомненно, усилен его навыками дирижера.
Современник Бенджамина Марк-Энтони Тернэдж (род. 1960) пользуется популярностью и покровительством по обе стороны Атлантики — он является композитором Лондонского филармонического оркестра и Чикагского симфонического оркестра.Его более ранние высокооктановые произведения, такие как Greek, Blood on the Floor и Three Screaming Popes (после тревожного триптиха Фрэнсиса Бэкона), были заменены более лиричным музыкальным языком. Многие из его комиссий LPO были записаны и дают ценную информацию о развитии основного композиционного голоса.
Марк-Андре Дальваби (род. 1961) — французский композитор, к которому стоит прислушиваться — его занятия с Булезом и Мюрайем явно высвободили очарование фактурой и цветом, и иногда трудно совместить музыкальное образование Далбави с реальным звучанием его музыки.Он может быть невероятно пышным, но красиво оформлен.
Вернувшись в Великобританию, Джулиан Андерсон (1967 г.р.), хотя последние несколько лет преподавал в США, набирает верных последователей. Его увлекательность и любовь к народной музыке придают его произведениям измерение, которого часто не хватает в новой музыке, и он не боится мелодии: его музыка поразительно прекрасна. Его Book of Hours (2005) вплетает электронику в оркестровую палитру для получения положительного эффекта, а Eden , с 2005 года, исследует потенциал нетемперированной настройки.
Золотой мальчик музыки в англоязычном мире — невероятно одаренный Томас Адес (род. 1971), чье понимание таких разнообразных музыкальных форм, как опера и фортепианный квинтет, ошеломило его аудиторию. Его оркестровая Asyla (1999) была выбрана Саймоном Рэттлом для его первого концерта с Берлинской филармонией, и те же исполнители с тех пор дали премьеру Tevot (2007): работа получила высокую оценку критиков в Лондоне и Нью-Йорке. Его оперы Powder Her Face (1995) и The Tempest (2004) вошли в оперный репертуар.
Современная музыкальная сцена богата и ярка — нет недостатка в талантах и есть лояльная аудитория для новой музыки. И также приятно видеть, как так много известных музыкантов посвящают свою энергию исполнению новой музыки. Владимир Юровски регулярно дирижирует музыкой Тернэджа, Марин Олсоп поддерживает музыку Кристофера Роуза, Джона Корильяно и Дженнифер Хигдон, Саймон Рэттл следит за тем, чтобы новая музыка занимала видное место в Берлине. Такие дирижеры, как Дэвид Робертсон, Эса-Пекка Салонен, Даниэль Баренбойм, Майкл Тилсон Томас и Риккардо Шайи проявляют страсть к новому.А с такими инструменталистами, как Анн-Софи Муттер, Пьер-Лоран Эмар и Эмануэль Пахуд, заказывающие новые работы, профиль этого вида искусства остается заметным на очень высоком уровне. Отфильтруйте мир музыки, и уровень страсти и преданности делу еще больше возрастет… и публика приходит послушать.
Почему американская классическая музыка такая белая? : Обманчивая каденция: NPR
Антонин Дворжак предсказал, что американская классическая музыка будет опираться на афроамериканские традиции.В новой статье задается вопрос, почему американская классическая музыка остается такой белой. Карен Чан / Getty Images / EyeEm скрыть подпись
переключить подпись Карен Чан / Getty Images / EyeEmАнтонин Дворжак предсказал, что американская классическая музыка будет опираться на афроамериканские традиции.В новой статье задается вопрос, почему американская классическая музыка остается такой белой.
Карен Чан / Getty Images / EyeEmКогда первые порабощенные африканцы высадились на берегах Америки в 1619 году, их музыкальные традиции остались вместе с ними. Четыре века спустя первенство афроамериканской музыки бесспорно не только в этой стране, но и во многих странах мира. Как эта музыка развивалась, смешиваясь с другими традициями или давая им начало — от африканских песен и танцев до полевых криков и спиричуэлов, от рэгтайма и блюза до джаза, R&B и хип-хопа — это тема для бесконечных дискуссий.
Сложнее расшифровать связь афроамериканской музыки с американской классической музыкальной традицией. Сегодня Канье Уэст или Кендрик Ламар нередко выступают вместе с симфоническим оркестром, но афроамериканцы, как правило, сами не выступают в этих оркестрах. Согласно исследованию 2014 года, проведенному Лигой американских оркестров, менее 2% музыкантов американских оркестров — афроамериканцы. Только 4,3% проводников — черные, и композиторы также остаются преимущественно белыми.
Все эти соотношения, конечно, искажены десятилетиями институциональных расовых предубеждений. Тем не менее, справедливо задаться вопросом, почему звучат американской классической музыки, особенно в начале 20-го века, остались такими европейскими, в значительной степени опираясь на гармонический язык Иоганнеса Брамса и Рихарда Вагнера. Если бы в нашей классической музыке укоренились народные выражения рабских песен, спиричуэлс и джаз, у нас был бы другой ландшафт сегодня — и классический звук, который является уникально американским.
Джозеф Горовиц говорит, что это почти произошло. В своей статье «Пророчество нового мира», опубликованной на прошлой неделе в осеннем выпуске журнала The American Scholar , историк культуры утверждает, что семена истинно американского звука были посеяны, но никогда не поливались, как в основном американские композиторы конца 19 века. сопротивлялся влиянию афроамериканской музыки. Горовиц, написавший множество книг по истории музыки в Америке, уделяет особое внимание Джорджу Гершвину — одному белому композитору, который действительно любил черную музыку, — и горстке афроамериканских композиторов, которые добились подлинного успеха в 1930-х годах только для того, чтобы увидеть это. быстро исчезают.«Негритянская народная симфония » Уильяма Доусона «», премьера которой состоялась в Филадельфийском оркестре с суперзвездой дирижером Леопольдом Стокски, считается, в частности, забытым американским сокровищем.
Горовиц присоединился ко мне, чтобы поговорить о том, что он видит как длинную серию упущенных возможностей, от утверждения Антонина Дворжака в 1890-х годах, что «негритянские мелодии» были будущим американской музыки, до признанных, но недооцененных работ афроамериканских композиторов, таких как Флоренс Прайс и Уильям Грант Стилл.Этот кладезь мелодичной, экспрессивной черной музыки мог бы пустить корни в американской классической музыке, утверждает Горовиц, но этого не произошло, и в результате наша классическая музыка осталась в подавляющем большинстве случаев белой и все более маргинализованной.
Это интервью отредактировано для большей ясности.
Tom Huizenga: Над вашей статьей о траектории американской классической музыки нависает иностранец, чешский композитор Антонин Дворжак. История начинается в начале 1890-х годов, когда он был нанят богатым американским филантропом Жанетт Тербер руководить музыкальной школой в Нью-Йорке.Его цель заключалась в том, чтобы помочь американским композиторам избавиться от европейских влияний и открыть для себя истинно американский голос. Как Дворжак пытался это сделать?
Джозеф Горовиц: Он сделал для него самую очевидную и важную вещь — потому что он был культурным националистом — а именно спросил: «Где твоя народная музыка?» И это загадка для Америки, потому что мы плавильный котел. Но Дворжаку довелось услышать два вида музыки, которые его воодушевили. Вероятно, он впервые услышал то, что мы называем афроамериканскими спиричуэлами.Его помощник Гарри Берли был темнокожим и пел эти спиричуэлы. И он услышал то, что он называл «негритянскими мелодиями», в которые входили песни менестрелей из других источников. Он сразу же был более или менее удовлетворен тем, что нашел золото. В то же время, как и многие европейцы его поколения, он был очарован [американскими] индейцами, потому что в Богемии не было индейцев, поэтому он сделал своим делом изучение индийской музыки, особенно летом, проведенным в Айове. Он был поглощен этими новыми методологиями: использование индийской музыки, использование афроамериканской музыки, чтобы способствовать развитию американского стиля классической музыки.
Затем Дворжак сделал радикальный прогноз. В 1893 году он сказал The New York Herald : «Будущее этой страны должно быть основано на так называемых негритянских мелодиях. Это должно быть реальной основой любой серьезной и оригинальной школы композиции, которую необходимо развивать. В Соединенных Штатах.» Другими словами, он говорил белым композиторам, что их будущее связано с теми самыми людьми, которых они поработили и убили. Как было получено это предсказание?
Это мгновенно оказало влияние и сразу вызвало споры.И удивительно использовать это как зеркало американского опыта 1890-х годов, потому что в Бостоне Дворжак с научной точки зрения классифицируется как варвар — читайте обзоры. Он отражает расовое мышление в Бостоне, основанное на иерархии рас с англосаксами на вершине. Славяне, в том числе Дворжак, были на более низкой ступени; конечно, они были выше коренных американцев или афроамериканцев. [В то время как] Нью-Йорк считал Дворжака вдохновляющим пророком, потому что Нью-Йорк был городом иммигрантов.
Итак, вернемся к предсказанию Дворжака. В каком-то смысле он был прав, потому что американская музыка действительно оказалась черной, если проследить регтайм, спиричуэл, блюз и джаз вплоть до сегодняшнего хип-хопа. Но Дворжак говорил об американской классической музыке — симфониях, операх и т. Д. Кто-нибудь воспринял призыв Дворжака к действию?
Совершенно верно. Это похороненная история, которую мы только сейчас эксгумируем.И это шокирует осознавать, насколько правдоподобным было пророчество Дворжака: это могло случиться, но этого не произошло. Мы знаем, что это могло произойти, потому что у нас есть опера Гершвина «Порги и Бесс ». Я бы сказал, что Porgy and Bess, со всеми его проблемами — это высшее творческое достижение в американской классической музыке, и это именно та американская классическая музыка, которую предсказал Дворжак.
Погребенная история — это повествование, которое начинается с Сэмюэля Кольриджа-Тейлора, который в 1890-х годах был действительно знаменит.Он был чернокожим британским композитором, которому бросил вызов У. Дюбуа и Гарри Берли использовали афроамериканские корни. Но он родился в Лондоне, и в его непосредственном распоряжении не было никаких афроамериканских корней. Основными композиторами, составляющими эту похороненную историю, были Натаниэль Детт, Уильям Грант Стилл, Флоренс Прайс и Уильям Доусон.
Все это афроамериканские композиторы, написавшие высоко оцененные работы в 1930-х годах. Но вы говорите, что успех, достигнутый в этой работе, не привел к долгосрочному признанию.
Он ушел в подполье. Несмотря на то, что оратория Детта [ The Ordering of Moses ] транслировалась на национальном уровне, а «Негритянская народная симфония » Доусона «» [дирижер Леопольд Стокски] транслировалась на национальном уровне и имела огромное влияние в 1934 году, а Симфония Прайса ми минор была исполнена Фредериком Сток и Чикагский симфонический оркестр годом ранее, а также Афро-американский симфонический оркестр Стилла играли на видном месте в Рочестере Говардом Хэнсоном. Самое прискорбное из этих последствий состоит в том, что Доусон так и не написал ни одной симфонии.Потому что, на мой взгляд, сокровище здесь — Доусон.
YouTube
В самом деле, Доусон и его Negro Folk Symphony , по крайней мере в музыкальном плане, лежат в основе вашего эссе. Вы утверждаете, что симфонией не только пренебрегают, но и недооценивают.Что делает его таким замечательным?
Это потрясающая работа и сразу была признана таковой. Во-первых, это не конструкция для печенья. Несмотря на то, что это его первая симфония, она не кажется произведением начинающего симфониста. Конструктивно динамичный и оригинальный.
Более субъективно, я бы сказал, что это захватывает некую дикую энергию: эти удивительные синкопированные взрывы в первой части, особенно в исполнении Стокского, они просто зажигаются. Я думаю, что ему действительно удается выйти за рамки приличия концертного зала.Вы чувствуете, что находитесь в присутствии чего-то настолько жизненно важного, что концертный зал едва может вместить это. Пьес сопротивления в этой симфонии, которую все узнали с того момента, как она была впервые услышана, является кодой ко второй части. Это сейсмично. Есть три сейсмических потрясения, оценка которых уникальна. На самом деле это оригинальное вдохновение. Это происходит в 1934 году в Филадельфийской музыкальной академии и в Карнеги-холле, и публика разразилась аплодисментами посреди этой симфонии.В 1934 году для публики было непривычно прерывать симфонию аплодисментами. Этого не произошло, потому что композитор оказался черным. Это было сделано потому, что люди были ошеломлены мощью этой симфонии, которая затем исчезла.
Мне нравится эта цитата Доусона, которую вы включили в свое эссе. Когда он говорит о своей симфонии, еще до ее премьеры Стоковски, он говорит: «Я старался не подражать Бетховену или Брамсу, Франку или Равелю — но быть самим собой, негром.Для меня лучший комплимент, который можно было бы сделать моей симфонии перед ее премьерой, — это то, что она, несомненно, не произведение белого человека. Я хочу, чтобы аудитория сказала: «Это мог бы написать только негр». «Но, похоже, Дворжак предлагал белым композиторам писать симфонии, похожие на симфонии Доусона. Вы тоже за это спорите? Гершвин написал Порги и Бесс , , который содержит некоторые собственные спиричуэлы.В общем, у нас есть бесчисленные примеры белых композиторов, использующих афроамериканский диалект. Проблема заключалась в качестве этой работы и ее маргинальности.
Я скажу прямо, что не считаю, что нужно быть черным, чтобы написать великую симфонию или оперу, вдохновленную великой черной народной музыкой. Это мое личное мнение. Я считаю, что «« Порги »и« Бесс »- великая опера. Парень, который это написал, оказался белым.
И у вас есть цитата из Доусона, которая, казалось бы, говорит об обратном.И это убедительная цитата. Фактически было высказано предположение, что Negro Folk Symphony «черная» не только по своим источникам, но и по самому своему стилю, который вызывает импровизацию. Но это опасная тема для размышлений — что такое «по существу» черное или белое. Вы задали неудобный вопрос, верно? И я даю вам неудобный ответ.
Оратория Натаниэля Детта «Порядок Моисея » была впервые представлена Симфоническим оркестром Цинциннати в 1937 году по национальному радио.Но на полпути трансляцию остановили. Библиотека Конгресса скрыть подпись
переключить подпись Библиотека КонгрессаОратория Натаниэля Детта «Порядок Моисея » была впервые представлена Симфоническим оркестром Цинциннати в 1937 году по национальному радио.Но на полпути трансляцию остановили.
Библиотека КонгрессаИтак, у нас есть Уильям Доусон и несколько других афроамериканских композиторов, у которых был своего рода момент в 1930-х годах. Мне интересно, почему этот момент пролетел так быстро и почему с тех пор мы не слышали большую часть их музыки в исполнении наших самых известных институтов?
Ну вот и суть моей статьи. На то есть две причины, одна из которых очевидна, а другая — нет.Очевидная причина в том, что наши институты классической музыки были предвзято относились к расе. Мы знаем эту историю. Что нового в моей статье, так это еще одна причина, которая носит эстетический характер. И в некотором смысле это даже более интересно — эстетика модернизма, которая преобладала в эти десятилетия, была некомфортна для просторечия.
Я могу продемонстрировать это, просто цитируя слова композитора и критика Вирджила Томсона и Аарона Копленда о черной музыке. Томсон настаивал на том, что американская народная музыка в основном белая, включая черных спиричуэлов.Копленд довольно классно сказал, что композитор классической музыки быстро исчерпает полезность джаза. Его не особо интересовала музыка Гершвина, по крайней мере, на том этапе игры — в 1930-40-х годах. Он чувствовал, что это было недостаточно составлено, потому что оно было слишком близко к своим народным источникам.
Господствующей эстетикой тех десятилетий была эстетика, которая настаивала на некоторой композиционной изобретательности и сложности. Так что это было изначально неудобно с чистым просторечием, и это причина того, что Копленд, Томсон и все эти парни так сильно недооценивали Чарльза Айвза и Джорджа Гершвина.Они не думали, что они настоящие композиторы. Они считали себя одаренными дилетантами, потому что Гершвин и Айвз были влюблены в разговорный язык и не чувствовали необходимости приукрашивать его, улучшать или улучшать. Они брали народную мелодию и были полностью довольны ею, не ломая ее, не переворачивая вверх ногами или не пробегая назад.
Я хочу прояснить, что я не утверждаю, что Томсон или Копленд были расистами. Копленд был очень левым. Он был полностью привержен социальной справедливости.Он был другом афроамериканцев. В политическом отношении он был кем угодно, только не расистом. Но он также был модернистом, получившим образование во Франции. Факт остаётся фактом: грязь разговорного языка была средой, в которой ему действительно было не так комфортно, по сравнению с Гершвином или Айвсом.
Афро-американская симфония Уильяма Гранта Стилла «» была впервые представлена в 1931 году Рочестерским филармоническим оркестром. Библиотека Конгресса скрыть подпись
переключить подпись Библиотека КонгрессаАфро-американская симфония Уильяма Гранта Стилла была впервые представлена в 1931 году в Рочестерском филармоническом оркестре.
Библиотека КонгрессаМне было интересно, почему европейские композиторы, такие как Ravel , Milhaud и Stravinsky , похоже, признают черную музыку, особенно джаз, и включают ее в свою собственную музыку, в то время как Копленд, Томсон и многие другие американцы этого не сделали » т? И именно они были здесь, кто подвергся этому воздействию.
Итак, это установленное явление.В своей книге « Классическая музыка в Америке » я называю это «угрозой джаза» и «угрозой Гершвина». Чем больше я читал о приеме Гершвина, тем больше понимал, что люди, которые ценили его в Соединенных Штатах, были иностранцами. Это невероятно, когда начинаешь складывать имена: такие люди, как Яша Хейфец, Отто Клемперер, Фриц Райнер, Арнольд Шенберг, были в лагере Гершвина. Вы не сможете найти классических музыкантов такого уровня, родившихся в Америке, в то время, которые испытывали бы такой же энтузиазм по отношению к Гершвину.Я бы сказал, что это симптом провинциализма — американцы чувствовали, что им нужна родословная, и они чувствовали себя застенчивыми как приверженцы классической музыки. Европейцам не нужна была родословная. Родословная была автоматической; это уже было там. Я думаю, что отчасти это так просто.
И, возможно, отчасти это одна из тех вещей, где иногда требуется посторонний, чтобы указать на истинные и ценные характеристики культуры.
Европейцы попробовали. Они действительно приходили и читали лекции американцам: они говорили: «Вы не понимаете важности вашей собственной афроамериканской музыки.»Равель сказал это; Артур Онеггер сказал это. И американцы — особенно в случае Олина Даунса, главного музыкального критика The New York Times — сказали:» Заткнись, ты ошибаешься, не говори нам, что нам делать «. Да. Если вы прочтете некролог Олина Даунса New York Times для Джорджа Гершвина, ваша кожа будет ползать. В этом есть чувство презрения, что Гершвин был переоценен, а не реальным.
Ранее вы сказали Порги и Бесс — высшее достижение в американской классической музыке.Почему вы так думаете?
Что ж, отчасти, это просто эмпирический анализ: посмотрите, насколько он популярен и уважается за рубежом. Шостакович считал «« Порги и Бесс » великой оперой. Это ошибочная опера, и все первые оперы ошибочны. Но в нем говорится о расе таким образом, чтобы в некотором смысле это смущало, а в других — освещало. Если вы присутствуете на отличном выступлении Porgy и Bess — или, по крайней мере, по моему опыту — это будет глубоко трогательно. Он делает все то, что должна делать великая опера: пробуждает сочувствие, возбуждает интерес и дает катарсис в оперном театре.
Интересно, почему он не дал потомства, так сказать?
Гершвин был гением — это, безусловно, самая очевидная причина. Это звучит очень неточно, но как творческая сила он превосходит своих коллег. Для меня самоочевидно, что он более великий композитор, чем Копленд. В моей статье есть заявление Дэвида Гокли, импресарио, чья Хьюстонская Гранд Опера сыграла ключевую роль в возрождении Порги и Бесс , который говорит, что если бы Гершвин не умер молодым, он бы изменил курс классической музыки. в Америке.
Я решил экстраполировать это на оркестр. Если бы Доусон имел право написать шесть симфоний, то действительно значимо, что пророчество Дворжака могло бы действительно сбыться. И если бы пророчество Дворжака сбылось — это почти произошло — все бы изменилось. Классическая музыка сегодня в Соединенных Штатах будет скорее местной, чем импортированной. Я полагаю, что тот факт, что этого не произошло, в конечном итоге частично является просто социологической реальностью о расовых отношениях, расе и культуре.Но если бы Гершвин дожил до 80 лет, эти социологические реалии, как они проявляются в музыке, могли бы действительно измениться.
Ближе к концу своего эссе вы пишете: «Может ли американская классическая музыка канонизировать, наряду с джазом,« американскую школу », отдавшую предпочтение черному языку?»
Я не хочу показаться грандиозным, но на самом деле это вопрос, который все мы должны задать сегодня — все мы, кому небезразлична судьба классической музыки в Америке.То, что мы сейчас наблюдаем, это крайняя маргинализация классической музыки, на самом деле цыплята, возвращающиеся домой на ночлег. Когда в 1987 году я написал Понимание Тосканини и сказал: «Это классическая музыкальная культура, построенная на песке, потому что это европейский песок», большинство людей били меня за это и думали, что я сошел с ума. Но я был прав. И теперь мы страдаем от этих последствий. Наша американская классическая музыкальная культура не имеет глубоких корней.
Джозеф Горовиц — автор 10 книг, в том числе Классическая музыка в Америке и Художники в изгнании .Он является исполнительным директором Пост-классического ансамбля, базирующегося в Вашингтоне, округ Колумбия,
.Артисты, делающие классическую музыку крутой, от Линдси Стирлинг до Masego
Лола Кирк любит классическую музыку
В сериале «Моцарт в джунглях», удостоенном Золотого глобуса Amazon, зрители погружаются в сцену классической музыки. Лола Кирке играет гобоиста, ставшего музыкальным дирижером. Она говорит, что до работы над сериалом она не была поклонницей классической музыки, но теперь она очень ценит этот жанр.(29 марта)
AP
Именно они хранят классику в духе.
Группа исполнителей моложе 40 лет делает все возможное, чтобы такие инструменты, как скрипка, фортепиано и виолончель, оставались в центре внимания меломанов. Такие артисты, как Линдси Стирлинг, Чарли Сим и Ланг Ланг за помощь в сохранении свежести и превращение классики в мейнстрим.
Лиз Касс, исполнительный директор некоммерческой музыкальной школы Armstrong Community Music School в Остине, штат Техас, говорит, что социальные сети имеют огромное значение, повышая авторитет артистов по мере того, как классическая музыка «растет и развивается.«И школы продолжают играть ключевую роль, — говорит она, хотя в последние годы многие отказались от музыкального и художественного образования.
» Для пожилых поклонников классической музыки и посетителей концертов замечательно видеть наследие любимой музыки. такие хорошие руки, и, конечно же, детям приятно видеть молодых музыкантов, в которых они могут себя идентифицировать », — сказала она USA TODAY.« Я помню, когда мне было 5 лет, и я посетила шоу талантов старшего брата и сестры, где они исполнили «Радугу». Связь.’ Мысль пришла ко мне сразу и ясно, я сразу понял, что я певец.Этот опыт находит отклик у нас, молодых людей. Они показывают нам, что возможно, и помогают пробудить потенциал внутри каждого из нас ».
Касс заметила всплеск интереса к тромбону, который, по ее мнению, получил« Trombone Shorty »,« необыкновенный и крутой молодой музыкант ».
» Я думаю, что он особенно влиятельная фигура в музыке, потому что он с легкостью играет во многих стилях, — сказала она. — Хотя он не классический музыкант, его главный инструмент также играет в классическом мире.«
Виолончель и флейта также набирают популярность». И все мы знаем, кто играет на флейте как богиня: Лиззо, конечно », — говорит она со смехом. теперь включают Эллен Рид, Женевьев Винсент, Бенджамин Бернхейм, Адриану Гонсалес и Марио Чанг.
Если вы хотите расширить свой кругозор или познакомить своих детей с классической музыкой, вот несколько действий, которые стоит изучить:
Линдси Стирлинг
Возраст: 34
Инструмент: Скрипка
Стирлинг создала свой канал на YouTube в 2007 году, предлагая не только классическую музыку, но и предложения из ряда других жанров, включая EDM.Наиболее известна своей хореографической игрой на скрипке, у нее за плечами пять студийных альбомов. Она появилась в «America’s Got Talent», работала с группой а капелла Pentatonix и недавно выступала с Дариусом Ракером в специальном выпуске «CMA Country Christmas».
Подписчики YouTube: 12,8 миллиона
Веб-сайт: lindseystirling.com
Чарли Сим
Возраст: 35
Сын норвежской скрипки 9000 млрд. происходит из семьи художников.Он начал учиться игре на скрипке, когда ему было 3 года. Его первый концерт был, когда ему было 15 лет. Среди исполнителей, к которым он присоединился на сцене, были Майли Сайрус, Брайан Адамс и The Who. В своем последнем альбоме «Между облаками» 2020 года он исполняет сборник песен таких мастеров жанра, как Крейслер, Сарасате и Паганини. Помимо своей музыкальной карьеры, Сием также является фотомоделью и появлялся в рекламе Dior, Armani, Hugo Boss и Dunhill.
Подписчики YouTube: 8,300
Веб-сайт: charliesiem.com
Lang Lang
Возраст: 38
Инструмент: Фортепиано
Иногда его называют «пианистом Дж. Ло» из-за его способности переключаться между классической и другой музыкой. Ланг Ланг выступал в течение десятилетий и был первым китайским пианистом, которого пригласили в Берлинский филармонический оркестр и Венский филармонический оркестр. Среди самых известных классических музыкантов своего поколения он также выступал на церемонии открытия Олимпийских игр 2008 года в Пекине.The Wall Street Journal сообщает, что Лэнг заинтересовался фортепиано после просмотра эпизода «Тома и Джерри», когда ему было 2.
Подписчики YouTube: 166000
Веб-сайт: langlangofficial.com
Тромбон Shorty
Возраст: 35
Инструмент: Trombone
Трой Эндрюс (более известный как Trombone Shorty) начал свою карьеру в своем родном городе, Новом Орлеане. Чтобы вы не думали, что тромбон — единственный инструмент, который освоил этот талантливый джентльмен, он также хорошо играет на барабанах, трубе, тубе и многом другом.Он происходит из музыкальной семьи и начал играть на тромбоне, когда ему было всего 4 года. Trombone Shorty на протяжении многих лет играл с некоторыми из самых известных музыкантов, включая Foo Fighters, Ленни Кравитца и U2.
Подписчики YouTube: 20,300
Веб-сайт: tromboneshorty.com
Masego
Возраст: 27
Инструмент:
Micahase, альбом 9000 Hisutophone «Леди Леди» в 2018 году.Но он занимался музыкой задолго до этого, в том числе выпустил пару EP. Однако саксофон не был его первым инструментом. Изначально он нацелился на барабан. Масего (церковное название, которое он принял в старшей школе) также играл на пианино. Родившийся на Ямайке, бросающий вызов жанрам артист называет Андре 3000 одним из тех, кто оказал на него влияние.Подписчики YouTube: 517000
Веб-сайт: masegomusic.com
Лаура ван дер Хейден
Возраст: 23
Инструмент был назван новым игроком группы в Великобритании. года по версии BBC Music Magazine Awards.Она начала заниматься музыкой, когда ей было 4 года, впервые взяв в руки диктофон. Виолончель стала ее любимым инструментом, когда ей было 6. Среди виолончелей, на которых она играет, — Галилео Арчелласки, созданный в 1935 году.
Подписчики YouTube: Менее 1000
Веб-сайт: lauravanderheijden.uk/en
Джесс Гиллам
Возраст: 22
Инструмент: Саксофон
Саксофонные навыки Гиллам помогли ей занять место ведущей своего собственного шоу «This Classical Life» на BBC Radio 3.Еще учась в средней школе, она начала брать уроки музыки на уровне колледжа. Гиллам выпустил пару альбомов: «RISE» (2019) и «TIME» (2020).
Подписчики YouTube: 5,500
Веб-сайт: jessgillamsax.co.uk
Дженнифер Пайк
Возраст: 31
Скрипка
, когда взяла в руки скрипку Было 5 лет, а в 8 она поступила в престижную музыкальную школу.К 10 годам она выступала за принца Уэльского. Пайк выиграла премию BBC Young Musician Award в 2002 году. Она играла по всему миру, в том числе с Лондонским филармоническим оркестром. Благодаря ее вкладу в классическую музыку она стала членом престижного Ордена Британской империи.Подписчики YouTube: Менее 1000
Веб-сайт: jenniferpike.com
Александра Уиттингем
Возраст: 19
Играет на классической гитаре
9000 Классическая гитара.