Советские композиторы 20 века: Великие композиторы России. Список

Великие композиторы России. Список

Мы ответили на самые популярные вопросы — проверьте, может быть, ответили и на ваш?

• Подписался на пуш-уведомления, но предложение появляется каждый день
• Хочу первым узнавать о новых материалах и проектах портала «Культура.РФ»
• Мы — учреждение культуры и хотим провести трансляцию на портале «Культура.РФ». Куда нам обратиться?
• Нашего музея (учреждения) нет на портале. Как его добавить?
• Как предложить событие в «Афишу» портала?
• Нашел ошибку в публикации на портале. Как рассказать редакции?

Подписался на пуш-уведомления, но предложение появляется каждый день

Мы используем на портале файлы cookie, чтобы помнить о ваших посещениях. Если файлы cookie удалены, предложение о подписке всплывает повторно. Откройте настройки браузера и убедитесь, что в пункте «Удаление файлов cookie» нет отметки «Удалять при каждом выходе из браузера».

Хочу первым узнавать о новых материалах и проектах портала «Культура. РФ»

Подпишитесь на нашу рассылку и каждую неделю получайте обзор самых интересных материалов, специальные проекты портала, культурную афишу на выходные, ответы на вопросы о культуре и искусстве и многое другое. Пуш-уведомления оперативно оповестят о новых публикациях на портале, чтобы вы могли прочитать их первыми.

Мы — учреждение культуры и хотим провести трансляцию на портале «Культура.РФ». Куда нам обратиться?

Если вы планируете провести прямую трансляцию экскурсии, лекции или мастер-класса, заполните заявку по нашим рекомендациям. Мы включим ваше мероприятие в афишу раздела «Культурный стриминг», оповестим подписчиков и аудиторию в социальных сетях. Для того чтобы организовать качественную трансляцию, ознакомьтесь с нашими методическими рекомендациями. Подробнее о проекте «Культурный стриминг» можно прочитать в специальном разделе.

Электронная почта проекта: [email protected]

Нашего музея (учреждения) нет на портале. Как его добавить?

Вы можете добавить учреждение на портал с помощью системы «Единое информационное пространство в сфере культуры»: all. culture.ru. Присоединяйтесь к ней и добавляйте ваши места и мероприятия в соответствии с рекомендациями по оформлению. После проверки модератором информация об учреждении появится на портале «Культура.РФ».

Как предложить событие в «Афишу» портала?

В разделе «Афиша» новые события автоматически выгружаются из системы «Единое информационное пространство в сфере культуры»: all.culture.ru. Присоединяйтесь к ней и добавляйте ваши мероприятия в соответствии с рекомендациями по оформлению. После подтверждения модераторами анонс события появится в разделе «Афиша» на портале «Культура.РФ».

Нашел ошибку в публикации на портале. Как рассказать редакции?

Если вы нашли ошибку в публикации, выделите ее и воспользуйтесь комбинацией клавиш Ctrl+Enter. Также сообщить о неточности можно с помощью формы обратной связи в нижней части каждой страницы. Мы разберемся в ситуации, все исправим и ответим вам письмом.

Если вопросы остались — напишите нам.

Детская музыка середины XIX — начала XX веков

До 20 сентября в концертном зале отдела нотных изданий и звукозаписей РГБ открыта для ознакомления экспозиция «Музыка в жизни ребёнка. Выставка нот и книг по музыке для детей». О том, почему была выбрана эта тема и почему она так важна, рассказывает заведующая отделом нотных изданий и звукозаписей Алла Алексеевна Семенюк.

 

Ученики музыкальной школы имени В. И. Сафонова на торжественном открытии выставки

 

Детская музыка — тема «вечная». К созданию произведений для детей обращаются практически все композиторы. И это неудивительно, потому что музыка органично входит в мир ребенка с самого раннего детства. Достаточно вспомнить колыбельные песенки и музыкальные считалочки, музыкальные игры и сказки, детские оперы. Главный аспект тематики связан с образовательной и воспитательной функцией. Напомним, что музыкальное образование в России, начиная с древних времен, отличалось самобытным характером, и к нему всегда был интерес. В число учебных предметов, обязательных для индивидуального и группового обучения, входила музыка (пение). Однако, имея глубокие корни, статус самостоятельного и многопланового направления в искусстве детская тема получила сравнительно недавно.

В XIX веке, особенно в его второй половине, закладываются традиции детской музыки, получившие развитие в ХХ и начале XXI века: формируются образы, тематика, жанры детской музыки, музыкальный язык и так далее. Тогда же вопросы детской музыки и проблемы детского музыкального образования активно обсуждались на страницах музыкальной и педагогической прессы — «Русской музыкальной газеты», журналов «Музыка и жизнь», «Хоровое и регентское дело», «Народное образование», «Педагогический сборник». Там печатались статьи и заметки о состоянии музыкально-образовательного дела в российской средней школе.

Многие композиторы второй половины XIX века обратились к сочинению пьесок и песенок для детей и составлению сборников для разных ступеней образования. Эти же композиторы и составители сборников писали руководства и методики в помощь обучения детей музыке. Среди них — Алексей Николаевич Карасёв, Александр Андреевич Архангельский, Василий Фёдорович Комаров и многие другие.

В дореволюционной России весьма популярным было первоначальное домашнее обучение музыке детей самого малого возраста, поэтому наиболее любопытны издания — Школы игры, Сборники детских пьес и другие, которые служили руководством в первую очередь для матерей. Например, «Элементарная школа для фортепиано», составленная Брассером и Иотти, представлена как «Сокровище для матерей семейств» и посвящена государыне императрице Марии Александровне, супруге Александра II. Нельзя недооценивать роль Марии Александровны в проведении реформы образования. При ней заработали два высших учебных заведения, около 40 гимназий, более 150 образовательных учреждений низшей ступени; она не раз подчеркивала необходимость учить детей искусствам — умению рисовать, музицировать, сочинять стихи. В предисловии к изданию 1871 года (Москва, П. Юргенсон) можно прочитать следующие слова: «При составлении настоящей элементарной школы музыки и фортепиано, мы поставили себе задачей найти такой метод первоначального преподавания, по которому каждая мать семейства, знающая сколько-нибудь игру на фортепиано, в состоянии была сама учить детей своих музыке и таким образом быть первой руководительницей их в этом искусстве».

Нередко составители сборников особо подчеркивали предназначение своего труда такими ремарками, например, как «сборник детских пьес для поощрения любви к музыке и развития вкуса», «собрание легких пьесок для детей, составленных из любимых мотивов с целью возбудить в малютках охоту к музыке» или «посвящается добрым матерям, которые намерены сами учить своих детей первым началам фортепианной игры».

Также интересны предисловия в нотах, где авторы-составители дают свои рекомендации и методические разработки. Красной нитью в этих рекомендациях становятся слова «Игра на фортепиано должна быть для ребенка забавою, а не схоластическим занятием».
Эти надписи говорят нам о духе и культуре того времени.

Цель выставки — показать музыкальное окружение ребёнка, разнообразное по жанрам и яркое по звучанию, представить по возможности полную картину развития детской тематики в русской музыке второй половины XIX — начала XXI веков. В исторической последовательности в экспозиции представлены сборники песен, пьесок, музыкальных азбук, разнообразные учебные хрестоматии и методические издания, детские оперы, балеты, мюзиклы, книги, грампластинки, CD.

Впервые в РГБ демонстрируется уникальный и ценный экземпляр — «Новейшая полная школа игры или Самоучитель для гуслей» Федора Кушенова-Дмитревского (вторая половина XVIII — начало XIX века) «с изображенiемъ гравированнаго вида гуслей и руки для обозначенiя названiя пальцовъ», изданная в Санкт-Петербурге при Императорской академии наук в 1808 году.

Гусли, которые нередко называют «лежачей арфой», — самый традиционный русский народный музыкальный инструмент. На Руси гусли звучали везде: на пирах, в крестьянских застольях, в повседневном быту, на торжественных церемониях и так далее. На гуслях играли русские богатыри Добрыня Никитич и Соловей Будимирович, знаменитый новгородский гость Садко. В музыкальной жизни XVIII века и первой половины XIX большую роль в быту играло любительское музицирование именно на гуслях. Поэтому ноты для гуслей — изданные в 1802 году «Самоучитель игры на гуслях» Максима Померанцева и в 1808 году «Школа» Фёдора Кушенова-Дмитревского — были популярными изданиями и быстро распродавались.

В экспозиции представлен редкий сборник «Дети за фортепиано: собрание 25 маленьких пьес в 4 руки», аранжированных М. Бернардом (Санкт-Петербург, 1866). Матвей Иванович Бернард (1794—1871), известный музыкальный издатель, был также композитором и педагогом. Его музыкальная деятельность началась в Москве, с 1822 года он переселился в Петербург, где считался лучшим преподавателем игры на фортепиано. Здесь Бернард создал много романсов, фортепианных пьес, а также практические руководства для детей из серии «L’enfant pianistе» и юношества.

Помимо игры на музыкальных инструментах, дети обучались пению. Многие современные музыкально-педагогические исследования приводят историческую картину развития педагогических методов и проводят идею того, что музыкальное образование опиралось на одноголосное или хоровое пение a cappella как на прочный и надёжный фундамент, объединяющий теорию и практику. Об этом еще говорил князь Владимир Фёдорович Одоевский (1804—1869), считавший хоровое пение «основой музыкального просвещения». Известно, что Одоевский вошел в детскую литературу как создатель «Сказок дедушки Иринея» (дедушка Ириней — «детский» псевдоним писателя). Произведения для детей, вошедшие в сборники «Детские сказки дедушки Иринея» (1840) и «Детские песни дедушки Иринея» (1847), высоко ценил Виссарион Григорьевич Белинский. На выставке впервые демонстрируется первое издание литографированного сборника «Детских песен дедушки Иринея» В.

Ф. Одоевского, вышедшего в Санкт-Петербурге в 1847 году в типографии Карла Крайя.

 

Экспонаты выставки «Музыка в жизни ребёнка. Выставка нот и книг по музыке для детей. XIX—XXI века»

 

Основное внимание среди демонстрируемых нот XIX века привлекают сочинения для детского музыкального театра, который был одним из интереснейших направлений в музыкально-образовательном развитии маленького музыканта того времени. Возникновение детской оперы в России произошло на рубеже XIX и XX веков. Создателем русской классической детской оперы считается Цезарь Антонович Кюи (1835—1918). Однако в становлении жанра значительная роль принадлежит и менее известным музыкантам, в основном педагогам, чьи произведения были первыми образцами нового жанра, во многом определившими дальнейшую судьбу детского музыкального театра. Среди первых детских опер — произведения Николая Брянского («Кот, козёл и баран», «Музыканты»), Франца Абта («Красная шапочка», «Золушка», «Снегурочка»), Александра Бюхнера («Король Еловая шишка», «Грибной переполох», «Царь Ледыш»), а также сочинения Василия Орлова, ученика Петра Ильича Чайковского.

Детские оперы Орлова связаны с сюжетами басен Ивана Андреевича Крылова и народных сказок — «Лисица и виноград», «Свинья под дубом», «Снегирь и ласточка», «Ворона вещунья» и другими. Создание всех этих опер относится к концу 80-х — 90-х годов XIX века. В операх в основном предполагалось детское исполнение, именно поэтому здесь наблюдается простой музыкальный язык и несложное изложение фортепианного сопровождения.

Либретто некоторых из опер связаны с именем Александра Александровича Федорова-Давыдова (1875—1936) — детского писателя, редактора, переводчика. Он был известным деятелем в области воспитания, издавал московские детские журналы «Светлячок» и «Дело и потеха». В приложении к «Светлячку» впервые увидели свет многие детские оперы. Из прессы того времени известно, что спектакли привлекали постоянное внимание учителей музыки в российских гимназиях.

В советское время в детскую музыку пришли замечательные композиторы — Сергей Сергеевич Прокофьев (1891—1953), Дмитрий Дмитриевич Шостакович (1906—1975), Исаак Осипович Дунаевский (1900—1955), Дмитрий Борисович Кабалевский (1904—1987) и многие другие. Музыкальному воспитанию подрастающего поколения советские композиторы уделяли большое внимание. Появляются новые жанры детской песни — шуточные, походные, лирические, детские балеты, мюзиклы, кантаты. Советскими композиторами написаны тысячи песен для детей. Жанр детской советской песни развивался стремительно. На выставке можно увидеть замечательные циклы песен, написанные на стихи любимых детских поэтов Агнии Барто, Самуила Маршака, Сергея Михалкова. Среди лучших песен военных лет о юных героях, о труде в тылу, о дружбе выделяется сборник «Боевые песни ребят» (Москва, 1942). В него вошли песни Михаила Иорданского, Иосифа Ковнера, Михаила Красева.

В ХХ веке продолжают издаваться всевозможные учебно-образовательные нотные пособия — азбуки, буквари, начальные упражнения и т. д. Наибольший интерес представляет «Нотная азбука» Натальи Петровны Кончаловской (1903—1988), где в стихотворной форме рассказывается о нотах и музыкальных знаках. В оформлении «Азбуки» (Москва, 1946) принимал участие известный художник Кеш (настоящее имя Иннокентий Павлович Шапошников, 1901—1960), автор военных плакатов, художник журнала «Мурзилка» и многих детских книг и настольных игр.

Развитие учебно-образовательных программ в ХХ веке продолжает Дмитрий Борисович Кабалевский, сформировавший определённую систему воспитания личности через музыку: это и музыкальные викторины, и импровизационные концерты, и музыкальные кроссворды, и музыкальный калейдоскоп и многое другое. На выставке можно увидеть одно из последних изданий книги «Д. Б. Кабалевский о музыке и музыкальном воспитании (Москва, 2004).

Интересен цикл фортепианных пьес «Рояль в детской» композитора-футуриста Артура Лурье (1892—1966), который он посвятил своей четырехлетней дочке Анночке. Художником издания был Петр Васильевич Митурич (1887—1956). К каждой пьесе Митурич подобрал забавный рисунок, проникнутый детской искренностью и непосредственностью, художник взглянул на мир глазами ребенка и увидел столько интересных деталей, которые взрослые порой просто не замечают. Это одна из лучших работ художника в книге.

Экспозиция демонстрирует и детский балет. Это особенный жанр, где классические «па» сочетаются с пластикой бытового танца, где много юмора, гротеска и лирики. Именно таким получился балет Карэна Суреновича Хачатуряна (1920—2011) «Чиполлино», написанный по сказке Джанни Родари. За создание этого балета его авторы были удостоены Государственной премии СССР, а сам балет был поставлен во многих театрах Советского Союза и собирал полные залы детей и их родителей.

Развитие оперного жанра в советской России по праву связывают с именем замечательного детского композитора Михаила Ивановича Красева (1897—1954). Им написано 10 детских опер. Среди них на выставке можно увидеть оперы-сказки: «Морозко», «Маша и медведь», «Теремок» и др. Большой популярностью пользуется и опера-игра «Часы» Любови Штрейхер. В ней все зрители принимают участие, что дает детям широкий простор для проявления творческой инициативы, для воспитания чувства коллективизма.

 

Заведующая отделом нотных изданий и звукозаписей РГБ Алла Алексеевна Семенюк рассказывает о выставке

 

На выставке представлены звукозаписи популярных детских коллективов. Это Детский хор института художественного воспитания детей, которым руководил профессор Московской консерватории Владислав Соколов и знаменитый ансамбль песни и танца имени В. Локтева.

Некоторые ноты, вошедшие в экспозицию, выглядят довольно скромно, а некоторые украшены рисунками, связанными с содержанием музыкальных произведений. Большинство рисунков выполняли те гравёры, которые работали над нотным текстом, но иногда привлекались известные художники, о которых уже говорилось выше. Издания, отличавшиеся удачными приёмами оформления и продуманной концепцией, благодаря чему и создавался гармоничный визуальный облик, конечно же, привлекали внимание родителей и ребёнка.

На выставке, кроме нот и книг по музыке для детей, представлены грампластинки и CD-диски с записями знаменитых песен из детских художественных фильмов и мультфильмов. Каждый экземпляр индивидуален и интересен по-своему.

Благодаря выставке преподавателям, исследователям и всем, кому важна тема музыки для детей, предоставляется возможность познакомиться с лучшими и интереснейшими изданиями из фондов Российской государственной библиотеки. 

Отечественные композиторы начала двадцатого века.

Конец XIX и начало XX века (до 1917 года) — период в истории музыки не менее богатый чем предыдущее, но гораздо более сложный. Он не отделён в истории каким-либо переломом : лучшие, вершинные сочинения Чайковского и Римского-Корсакова относятся именно к 90 -м годам XIX и к первому десятилетию XX века.

Уже ушли из жизни Мусоргский и Бородин, а в 1893 году и Чайковский. На смену им приходят ученики, наследники и продолжатели их традиций : С. Танеев, А. Глазунов, С. Рахманинов. Но как ни близки они своим учителям, в их творчестве ясно чувствуются новые вкусы. Опера, в течение более чем столетия занимавшая главное место в русской музыке, явно отходит на второй план. А роль балета, наоборот вырастает.

Широко развиваются симфонические, камерные жанры в творчестве Глазунова и Танеева. Огромной популярностью пользуется фортепьянное творчество Рахманинова, который и сам был великим пианистом. Фортепьянные концерты Рахманинова (как и концерты Чайковского, и скрипичный концерт Глазунова) относятся к вершинам мирового искусства. В последней четверти XIX столетия творчество русских композиторов было признано во всём цивилизованном мире.

Среди молодого поколения музыкантов, вступивших в творческую жизнь в конце прошлого- начале нынешнего века, были композиторы и иного типа. Уже первые их сочинения написаны очень по своему : остро, иногда даже дерзко. Таков Скрябин. Одних слушателей его музыка покоряла вдохновенной силой,    других    возмущала    необычностью.    Несколько    позднее    выступил Стравинский. Его балеты, Поставленные во время «Русских сезонов» в Париже, привлекли внимание всей Европы. И наконец, уже в годы первой мировой войны на русском пространстве восходит ещё одна звезда — Прокофьев.

Большую роль в музыкальной жизни России этого времени сыграл Беляевский кружок, названный так по имени его основателя Митрофана Петровича Беляева — известного лесопромышленника, владельца огромного состояния и страстного любителя музыки, особенно русской. Кружок, возникший в 80-хгодах, объединил почти всех лучших музыкантов того времени ; Н. А. Римский — Корсаков стал идейным центром этого музыкального содружества. Всеми доступными средствами Беляев стремился помочь тем, кто служил русской музыке.

Основанное Беляевым новое издательство за несколько десятилетий своего существования издало огромное количество произведений русских композиторов. Щедро оплачивая труд композиторов, Беляев организовал ещё и ежегодные конкурсы на лучшее камерное сочинение, а потом и конкурсы имени М. И. Глинки на лучшее произведение русской музыки любого жанра. Беляев способствовал воскрешению полузабытых партитур великого Глинки, чьи крупные сочинения тогда нигде не звучали — ни на одной оперной сцене, ни на симфонической эстраде.

Необходимо упомянуть и организованные Беляевым в течении многих сезонов «Русские симфонические концерты«, а также «Русские камерные вечера«.  Целью  их было  — знакомить русскую публику с произведениями национальной музыки. Руководили концертами и вечерами Н.А. Римский -Корсаков и его талантливые ученики А. К. Глазунов и А. К. Лядов. Они разрабатывали план каждого предстоящего сезона, составляли программы, приглашали исполнителей… Исполнялись исключительно произведения русской музыки : многие из них, забытые, отвергнутые ранее русским музыкальным обществом нашли здесь первых своих исполнителей. Например, симфоническая фантазия М.П. Мусоргского «Ночь на лысой горе» впервые прозвучала именно в «Русских симфонических концертах» почти через двадцать лет после создания, а затем была многократна повторена ( «по востребованию публики», как отмечалось в программах).

Трудно переоценить роль этих концертов. В годы, когда на такие гениальные оперы, как «Борис Годунов» и «Хованщина», было наложено вето царской цензуры, когда в самой влиятельной, почти единственной в России музыкально-концертной организации (РМО) было засилье западноевропейского репертуара, когда оперные театры, именуемые императорскими, по словам Стасова, «выжили со своих подмостков оперы Глинки, Мусоргского, Бородина, Римского-Корсакова», когда цензура запрещала песни Мусоргского, названные им «народными картинками», — в то время единственным местом в России, где звучала вся отвергнутая официальными кругами музыка русских композиторов, были «Русские симфонические концерты«.

Знаменательно, что через год после смерти А. П. Бородина был устроен концерт из его произведений, большинство из которых прозвучало тогда впервые.

Беляевский кружок в 80 — 90-е годы оказался единственным музыкальным центром, где объединялись наиболее активные музыканты, ищущие новые пути развития искусства.

Весьма примечательным явлением в русской музыкальной жизни конца XIX века была так называемая частная опера С. И. Мамонтова в Москве. Сам Савва Иванович Мамонтов будучи подобно Беляеву богатым предпринимателем, организовал в России оперную труппу. С ней он осуществил первые постановки русских опер — «Русалки» А. С. Даргомыжского и «Снегурочки» Н. А. Римского-Корсакова, — которые пользовались у московской публики значительным успехом. Так же он поставил оперу «Псковитянка» Н. А. Римского-Корсакова. С этой оперой, которая нигде не шла, театр выехал на гастроли в Петербург.

На рубеже XIX-XX века возрождается интерес к старинной музыке. Мало-помалу начинается строительство органов в России. В начале XX столетия их можно было буквально пересчитать по пальцам. Появляются исполнители, знакомящие слушателей с органной музыкой прежних эпох и столетий : А. К. Глазунов, Старокадомский.

Это время является важным этапом в истории скрипки. Появляется группа виртуозов — композиторов и исполнителей, которые раскрывают неведомые прежде возможности скрипки как сольного инструмента. Возникают новые замечательные произведения, среди которых видное место занимают сочинения советских композиторов. В настоящее время всему миру известны концерты, сонаты, пьесы Прокофьева, Хренникова. Их замечательное искусство помогает нам почувствовать, что за удивительный это инструмент — скрипка.

В конце XIX и в начале XX века, а особенно в предоктябрьском десятилетии, через всё русское искусство, и в частности музыку, проходит тема ожидания великих перемен, которые должны смести старое, несправедливое общественное устройство. Далеко не все композиторы осознавали неизбежность, необходимость революции и сочувствовали ей, но предгрозовую напряжённость ощущали все или почти все. Большинство музыкантов непосредственного участия в революционных событиях не принимали, и потому связи между ними были довольно слабыми.

Помимо этого еще одним немаловажным фактором, стало появление кинематографа. В связи с этим многие советские композиторы 20 века взялись за написание музыки к различным кинолентам и добились в данной области отличных результатов. Многие советские композиторы 20 века стали настоящими профессионалами в области написания музыки к кинофильмам. Правда, они еще не прошли в большинстве своем достаточного испытания временем, чтобы относиться к категории «классическая музыка». В это время творил советский композитор М. Таривердиев.

Композитор писал музыкальное сопровождение для таких кинолент, как, например, «Король-Олень», «Любить», «Ирония судьбы». Тогда же работал Дога. Е.Д. Дога — молдавский советский композитор, написавший музыку для многих известнейших кинолент. Среди которых: «Табор уходит в небо», «Бульварный роман» и др. Однако композиторы 20 века — это отнюдь не только композиторы, прославленные киномузыкой. Имена таких композиторов как Кальман, Хачатурян, Пуччини, Прокофьев, Дебюсси, Рахманинов, известны многим ценителям хорошей музыки.

Такой богатый репертуар есть только в театр Моссовета, хотя другие театры тоже ничего.

Среди поколения композиторов, появившегося в 1900-х гг., наиболее талантливыми художниками были СВ. Рахманинов (1873-1943) и А.Н. Скрябин (1871-1915). В их произведениях нашла выражение идейная атмосфера предреволюционной эпохи, в их музыке находили выражение романтический пафос, зовущий к борьбе, стремление подняться над «обыденностью жизни». Рахманинов — гениальный композитор, пианист и выдающийся дирижер, стал продолжателем традиций Чайковского

Дарование Рахманинова проявилось рано и ярко. Ко времени окончания консерватории он был уже автором нескольких сочинений, среди которых -знаменитая Прелюдия до-диез минор, Первый фортепианный концерт, опера «Алеко». Последовавшие за ними Пьесы-фантазии, Сюита для двух фортепиано, «Музыкальные моменты», романсы — подтвердили мнение о Рахманинове как о таланте сильном, глубоком, самобытном. Решительный и властный в исполнительстве и творчестве, Рахманинов по натуре был человеком ранимым, часто испытывал неуверенность в себе.

Сильное потрясение, вызванное провалом его Первой симфонии в 1897 году привело к творческому кризису. Несколько лет Рахманинов ничего не сочинял, зато активизировалась его исполнительская деятельность как пианиста, состоялся дирижёрский дебют. Только в начале 1900-х годов у Рахманинова произошло возвращение к творчеству. Новый век начался с блистательного Второго фортепианного концерта. Современники услышали в нём голос Времени с его напряженностью, взрывчатостью, ощущением грядущих перемен. В жизни Рахманинова наступает новый этап. Всеобщее признание в России и за рубежом получает пианистическая  и  дирижёрская деятельность Рахманинова,  в   1909  году он сочиняет свой гениальный Третий фортепианный концерт. В конце 1917 года Рахманинов с семьёй покинул Россию, как оказалось, навсегда. Более четверти века прожил он в США, и этот период был в основном насыщен изнурительной концертной деятельностью, подчинявшейся жестоким законам музыкального бизнеса. Первые годы пребывания за границей Рахманинова не покидали мысли об утрате творческого вдохновения: «Уехав из России, я потерял желание сочинять. Лишившись родины, я потерял самого себя». Только спустя 8 лет после отъезда за рубеж Рахманинов возвращается к творчеству, создает Четвертый фортепианный концерт, Третью симфонию, «Симфонические танцы». Эти произведения — последний, самый высокий рахманиновский взлёт. Скорбное чувство невосполнимой утраты, жгучая тоска по России рождает искусство огромной трагической силы, достигающей своего апогея в «Симфонических танцах». Так через все творчество Рахманинов проносит незыблемость своих этических принципов, высокую духовность, верность и неизбывную любовь к Родине, олицетворением которой стало его искусство.

Благодаря кипучей деятельности С.П. Дягилева русское искусство, в том числе и музыкальное, получает широкое международное признание. Организованные им «Русские сезоны» в Париже относятся к числу эпохальных событий в истории отечественной музыки, живописи, оперного и балетного искусства. В 1906 г. в Париже с огромным успехом выступал наш прославленный певец Ф. Шаляпин, исполнивший партию царя Бориса в опере Мусоргского «Борис Годунов». В 1907 году Париж смог познакомиться с русской музыкой от Глинки до Скрябина. Наконец, с 1909 г. в Париже начались «Русские сезоны» балета, продолжавшиеся в течение нескольких лет (до 1912 г.).

В течении 19века и первого десятилетия века 20, в представители русской музыкальной культуры создали огромное количество шедевров, занявших достойное место в мировой музыкальной культуре. Имена отечественных композиторов и исполнителей встали в один ряд с общепризнанными гениями музыкального искусства, такими как Гендель, Глюк, Бах, Моцарт, Бетховен и др. Отечественная композиторская школа в своем становлении опиралась не только на западноевропейские образцы музыкального творчества, но и использовала мощный потенциал русской национальной музыки. Новаторство и уникальность русских композиторов подняли планку музыкального творчества на невиданный до тех пор уровень. По сей день отечественные и зарубежные музыканты, черпают вдохновение в произведениях русских классиков, подражают им. До сих пор многие творения наших композиторов исполняются на сценах многих стран мира.

О союзе

Союз композиторов России – Всероссийская общественная организация, объединяющая профессиональных композиторов и музыковедов из 50 регионов Российской Федерации.

Приоритетными направлениями деятельности организации являются:

• развитие и укрепление композиторских организаций в регионах;
• стимулирование и создание широких возможностей для композиторского творчества;
• продвижение музыкальной культуры и сочинений российских композиторов в России и за рубежом;
• развитие и поддержка молодежного композиторского творчества;
• защита авторских прав композиторов;
• издание нот и запись дисков, а также распространение музыкальных произведений;
• создание положительного имиджа организации для расширения возможностей и укрепления авторитета на музыкальном пространстве Российской Федерации.

Членами Союза композиторов России являются более 1000 композиторов и музыковедов, многие из них удостоены государственных наград, премий и званий.

История Союза композиторов России

История творческих союзов в нашей стране начинается в 1932 году, когда было принято постановление ЦК ВКП (б) «О перестройке литературно-художественных организаций». Композиторов и музыковедов СССР объединял Союз советских композиторов (с 1957 г. – Союз композиторов СССР). Согласно постановлению ЦК ВКП (б) были распущены существовавшие тогда творческие объединения (в том числе АСМ – «Ассоциация Современной Музыки» и РАПМ – «Российская Ассоциация Пролетарских Музыкантов»). Началось объединение представителей всех творческих профессий «сверху», с активной идеологической составляющей. Первым был создан Московский союз композиторов, затем подобные организации возникли в Ленинграде, Екатеринбурге, Воронеже, Ростове-на-Дону, Карелии, Татарстане, в республиках СССР и культурных центрах страны.

К 1939 г. был сформирован Оргкомитет Союза советских композиторов во главе с Р.М. Глиэром и А.И. Хачатуряном – единый руководящий орган, объединяющий все местные композиторские организации Советского Союза. В правление Союза композиторов вошли известные деятели советской музыки – композиторы, исполнители, искусствоведы М.П. Аркадьев, А.Б. Гольденвейзер, В.М. Городинский, Я.И. Боярский, Н.Я. Мясковский, С.Н. Василенко, Ан.Н. Александров, А.А. Крейн, М.М. Ипполитов-Иванов, В.Я. Шебалин, Б.С. Шехтер, В.А. Белый, Б.С. Пшибышевский, Р.М. Глиэр, А.Ф. Гедике, К.Н. Игумнов.

В 1948 г. состоялся Первый съезд Союза советских композиторов, на котором был принят его устав и избраны руководящие органы. Первым председателем Союза (1948–50 гг.) был Б.В. Асафьев, высшую руководящую должность – генерального секретаря (с 1957 г. первого секретаря) – с 1948 по 1991 г. бессменно занимал Т.Н. Хренников. Последующие съезды Союза проводились каждые пять лет вплоть до распада СССР.

Союз композиторов СССР располагал собственным музыкальным издательством «Советский композитор», печатными органами «Советская музыка» (ныне – «Музыкальная академия») и «Музыкальная жизнь», за материальное благополучие и авторские права членов организации отвечал Музфонд СССР. Членство в Союзе композиторов открывало дорогу авторам к творческим заказам, к публикации и исполнению произведений, к организации авторских концертов, профессиональных и широких общественных дискуссий.

В конце 1950-х годов было принято решение о создании Союза композиторов РСФСР как самостоятельной организации, обладающей собственной структурой и местными организациями. На его Первом учредительном съезде, состоявшемся в 1960 г., председателем правления нового Союза был единогласно избран Д.Д. Шостакович.

С того времени Союз композиторов РСФСР возглавляли

• Дмитрий Шостакович (1960–1968)
• Георгий Свиридов (1968–1973)
• Родион Щедрин (1973–1990)
• Владислав Казенин (1990–2014)
• Рашид Калимуллин (2015–2017)
• Алексей Рыбников (с мая 2017 г.)

Возглавив российский Союз композиторов, Шостакович сосредоточил свое внимание на укреплении контактов с местными композиторскими организациями. Четко установил общий характер работы: дисциплина, профессионализм и отточенное мастерство. Благодаря усилиям Дмитрия Шостаковича роль нового союза возрастала с каждым днем, и очень скоро он стал организующим центром современного музыкального искусства. Он сформировал теплые человеческие отношения внутри «команды», и лишь ухудшающееся состояние здоровья заставило его на Втором съезде (1968 г.) оставить свой пост. В память о нем Союз композиторов России учредил в 1981 году премию имени Д.Д. Шостаковича.

На Втором съезде в 1968 году председателем правления был избран Г.В. Свиридов. Ответственным секретарем был назначен Станислав Стемпневский.

Третий съезд Союза композиторов России состоялся в 1973 году в Колонном зале Дома Союзов. На съезде было выбрано новое руководство Союза композиторов России. Председателем правления Союза композиторов стал Р.К. Щедрин, который руководил Союзом композиторов РСФСР в течение последующих 17 лет. Первым секретарем был избран А.Я. Эшпай. Ответственным секретарем, а затем заместителем председателя Союза композиторов стал Владислав Казенин, вторым заместителем председателя – Ян Френкель.

В Секретариат вошли композиторы различных регионов страны: Ф. Васильев (Чувашская АССР), Р. Газизов (Башкирская АССР), В. Красноскулов (Ростов-на-Дону), В. Куприянов (Марийская АССР), А. Новиков (Новосибирск), А. Пузей (Свердловск), М. Симановский (Саратов), М. Таривердиев, В. Агафонников, музыковед Ю. Корев (Москва), Б. Тищенко, В. Успенский (Ленинград), М. Яруллин (Татарская АССР).

Родион Щедрин и секретариат Союза композиторов России вели огромную работу по сохранению организационно-творческих традиций Д.Д. Шостаковича, проявлявшихся в пропаганде творчества современных композиторов на музыкальных форумах России.

В то время было проведено большое количество крупнейших фестивалей в Омске, Тюменской области, Вильнюсе, Суздале, Владимире, Горьком, городах Северного Кавказа. Зародившиеся в тот период фестивали стали традиционными: «Панорама музыки Сибири» (Новосибирск), «Донская весна», «Фестиваль на Кубани», фестивали в Саратове, Уфе, Свердловске. Появились новые фестивали в Астрахани, Красноярске, «Европа – Азия» в Казани, «Тувинское музыкальное лето» в Кызыле и городах Тувы.

Свои традиции имеют фестивали двух последних десятилетий: «Панорама музыки России», «Композиторы России – детям» и «Музыка друзей» (на котором исполняются произведения зарубежных композиторов). «Панорама музыки России» является одним из крупнейших и авторитетнейших фестивалей современной музыки в нашей стране. Этот фестиваль зародился в 1973 году по инициативе Р. Щедрина и с 1995 года ежегодно проводится в различных регионах страны. Фестивальные программы представляют множество композиторских имен современной России, дают возможность составить полное представление о богатстве и национальном многообразии музыкального творчества современной России.

Форма и география фестивалей Союза композиторов необычайно широка. Так, в 2008 году детские фестивали состоялись в Смоленске, Твери, Кирове и Саратове, а фестиваль «Панорама музыки России» – в Челябинске, Уфе, Липецке и Воронеже. Тематика этих фестивалей и музыкальных встреч, а также проходящих в их рамках музыковедческих конференций была многообразной и значительной: «Композитор–исполнитель–слушатель», «Советские композиторы – труженикам села», «Роль фольклора в современном творчестве», «Образ современника в творчестве композиторов России» и многие другие.

С 1990 по 2014 годы пост председателя Союза композиторов России занимал В.И. Казенин. Почти четверть века возглавляя Союз композиторов в сложные годы распада СССР, В.И. Казенин сумел сохранить стабильность организации и обеспечить ее устойчивое развитие. Владислав Казенин – известный российский композитор, автор оперетт, мюзиклов, балетов, сочинений для хора, симфонического оркестра, фортепиано, инструментальных концертов, песен и романсов, музыки к кинофильмам, мультфильмам и театральным спектаклям.

Благодаря большой организационной работе секретариата Союза композиторов и личному авторитету Владимира Казенина были созданы новые творческие отделения, которые сразу становились музыкальными центрами в городах и республиках России. Сформировались крепкие связи с музыкальной общественностью, концертными организациями, учебными заведениями. Творческие коллективы композиторов появились в Республике Саха (Якутия), Республике Тыва, в Мордовии, Красноярске, Челябинске, Перми, Республике Адыгея, Смоленске, Калининграде, Кирове, Республике Коми, Костроме, Ярославле, Вологде, Брянске, Пензе, Белгороде, Чите (Забайкальская организация), Калуге, Абакане (Республика Хакасия), Подмосковье. Начало деятельности всех новых композиторских организаций всегда сопровождалось проведением фестивалей, концертов и творческих встреч.

На Одиннадцатом съезде в декабре 2015 года председателем Союза композиторов России был избран Р.Ф. Калимуллин. Рашид Калимуллин – один из ведущих российских композиторов, крупный музыкально-общественный деятель, талантливый управленец и организатор. С 1989 года возглавлял Союз композиторов Республики Татарстан, с 1995 по 2010 годы – секретарь и с 2010 г. – заместитель председателя Союза композиторов России. Рашид Калимуллин – автор и руководитель многих крупных международных и российских проектов, в их числе международного фестиваля «Дни японской и татарской музыки», международного фестиваля новой музыки «Европа–Азия», международного проекта симфонических концертов «Жемчужины русской и татарской музыки», Всероссийского музыкального фестиваля «Имена России». Р. Калимуллин является учредителем и создателем Центра современной музыки Софии Губайдулиной. Автор большого количества сочинений в разных жанрах.

В 2015 году был возрожден Международный фестиваль-конкурс патриотический песни «Красная гвоздика», ведущий свое начало с 1967 года.

11 мая 2017 года в Москве состоялся внеочередной съезд Союза композиторов России. В работе Съезда приняли участие известные композиторы и деятели искусств, такие как Рашид Калимуллин, Анатолий Кролл, Владимир Матецкий, Александр Клевицкий, Всеволод Задерацкий, Алексей Рыбников, Александр Чайковский, Юрий Потеенко, Александр Соколов и многие другие.

Одной из ключевых тем повестки заседания внеочередного Съезда стало избрание нового состава органов управления и, в том числе, членов Совета Союза композиторов. Председателем Совета организации был избран композитор, народный артист РФ Алексей Рыбников, почетным председателем Совета стал композитор, народный артист РФ Александр Чайковский. Участники Съезда также избрали Правление Союза композиторов, председателем которого стал народный артист РФ и Республики Татарстан Рашид Калимуллин.

Генеральным директором Союза была назначена заместитель генерального директора АО «Фирма Мелодия» Карина Абрамян. В завершение заседания собравшиеся уделили внимание вопросам дальнейшего развития Союза композиторов России и перспективам партнерства с Российским музыкальным союзом.

Фестивали Союза композиторов проводятся в целях пропаганды произведений профессиональных современных композиторов России, способствуя развитию творческого сотрудничества и приобщения к композиторскому творчеству талантливой молодежи. Одной из главных целей мероприятий Союза композиторов России является широкая экспозиция лучших произведений музыкального искусства и презентация жанрового многообразия музыки.

Планомерная работа проводится в области организации композиторских конкурсов: Международный конкурс по композиции имени С. Прокофьева в Санкт-Петербурге, председателем которого является Родион Щедрин, конкурс имени А. Петрова «Хрустальный камертон», председатель А. Петров, затем – В. Казенин, «Международный конкурс молодых композиторов имени П.И. Юргенсона», председатель В. Тарнопольский, Губернаторский международный юношеский конкурс имени В. Гаврилина в Вологде, детский конкурс по композиции в Нижнем Новгороде и многие другие.

Огромное внимание Союз композиторов России уделяет воспитанию творческой молодежи. С 2009 года при организации существует Молодежное отделение композиторов (МолОт), которое возглавляет Я.С. Судзиловский. МолОт регулярно проводит концерты молодых композиторов, прослушивание новых сочинений, дискуссии о проблемах композиторского творчества. В настоящее время в различных регионах нашей страны функционируют 40 представительств МолОта: в Москве, Петербурге, Казани, Уфе, Петрозаводске, Калининграде, Саратове, Якутии, Екатеринбурге, Новосибирске, Белоруссии, Франции, Армении и в других городах и странах. Ежегодно, начиная с 2012 года, проводится международный фестиваль «МолОт-Трансфест» – масштабный марафон современной музыки, где представлена музыка молодых авторов из разных республик бывшего СССР.

Союз композиторов России — это творческое объединение композиторов и музыковедов разных поколений. Объединение, которое, несмотря на изменившиеся контуры и принципы организации российской музыкальной жизни, занимается важнейшей миссией – нравственно-этическим воспитанием современного человека.

Виртуальный обзор журналов по музыке

Библиотека предлагает вам познакомиться с наиболее интересными статьями из последних номеров профессиональных журналов по музыке. Журналы имеются в читальном зале 1 корпуса.

                        Плетнёв, М. В. Для меня каждый концерт — важный [Текст] : [интервью с художественным руководителем и главным дирижером оркестра М. В.    Плетнёвым] / беседу вела И. Шымчак // Музыкальная жизнь. — 2020. — № 9. — С. 8-11.

В этом сезоне отмечает 30-летие Российский национальный оркестр: несмотря на жесткую корректировку антивирусными ограничениями, 7 сентября в Москве успешно стартовал уже ставший традиционным и ожидаемым Большой фестиваль РНО – в этом году двенадцатый! Взять интервью у художественного руководителя и главного дирижера оркестра Михаила Плетнёва непросто – артист избегает публичности, однако согласился поговорить с Ириной Шымчак об оркестре – своем любимом детище, а также о Рахманинове, к творчеству и личности которого испытывает особенные чувства.

Ключевые слова: ИСКУССТВО РОССИИ 21 ВЕКА — МУЗЫКАЛЬНОЕ ИСКУССТВО РОССИИ — МУЗЫКАЛЬНОЕ ИСПОЛНИТЕЛЬСТВО — ДИРИЖЕРЫ ОРКЕСТРОВ РУССКИЕ — ХУДОЖЕСТВЕННЫЙ РУКОВОДИТЕЛЬ — ИНТЕРВЬЮ — ГАСТРОЛИ — МУЗЫКАНТЫ РОССИИ — РОССИЙСКИЙ НАЦИОНАЛЬНЫЙ ОРКЕСТР

                       Черемных, Е. В поисках вечного света [Текст] : [о концертной деятельности Курентзиса Т.] / Е. Черемных // Музыкальная жизнь. — 2020. — № 9. — С.  74-75.

В завершение «Российской креативной недели» приехавший из Петербурга коллектив Теодора Курентзиса – musicAeterna дал в «Зарядье» первый  большой светский концерт с грандиозной и, кажется, все же адресованной каждому лично программой из старинной и современной музыки. В рамках посвященного технологиям форума греческий маэстро, есть чувство, решил отстоять древнюю максиму своего соотечественника, философа Протагора – о том, что не технологии, а человек – мерило всему.

Кл.слова : ДИРИЖЕРЫ ОРКЕСТРОВ РУССКИЕ — МУЗЫКАЛЬНОЕ ИСПОЛНИТЕЛЬСТВО — КОНЦЕРТЫ — АРАНЖИРОВКА МУЗЫКИ — СОВРЕМЕННАЯ МУЗЫКА — СТАРИННАЯ МУЗЫКА — КАМЕРНАЯ МУЗЫКА — ХОРИСТЫ — ОРКЕСТР MUSIC AETERNA — ОНЛАЙН-ТРАНСЛЯЦИЯ

 

Ромашова, Е. Музыка будет вечной [Текст] : как индустрия массовых мероприятий справляется с последствиями пандемии / Е. Ромашова // Музыкальная жизнь. — 2020. — № 9. — С. 78-80.
Несмотря на первые послабления на проведение культурных массовых мероприятий, отдельные отрасли индустрии до сих пор стоят на паузе. Что ждет большие музыкальные фестивали, как себя чувствуют клубы после полугодового простоя и на что могут рассчитывать организаторы мероприятий, разбиралась «Музыкальная жизнь».

Кл.слова : МУЗЫКА 21 ВЕКА — ПАНДЕМИЯ — ПОСЛЕДСТВИЯ — МАССОВЫЕ МЕРОПРИЯТИЯ — КОНЦЕРТЫ — МУЗЫКАЛЬНЫЕ ФЕСТИВАЛИ — УЧРЕЖДЕНИЯ КУЛЬТУРЫ — КЛУБЫ — ОРГАНИЗАТОРЫ ДОСУГА — ПРОДЮСЕРЫ — МЕНЕДЖМЕНТ ИСКУССТВА — РАЗВИТИЕ КУЛЬТУРЫ В УСЛОВИЯХ САМОИЗОЛЯЦИИ — МУЗЫКАЛЬНАЯ КУЛЬТУРА 21 В.

 

Сафронов, А. Симфонии фа минор [Текст] / А. Сафронов // Музыкальная жизнь. — 2020. — № 9. — С. 110-113.
Фа минор – тональность с четырьмя бемолями при ключе. Симфоний в ней написано не так уж много. Выдающиеся среди них можно по пальцам перечесть.
Кл.слова : СИМФОНИЧЕСКАЯ МУЗЫКА — ТОНАЛЬНОСТЬ МУЗЫКИ — ОРКЕСТРОВАЯ МУЗЫКА — ИСТОРИЯ МУЗЫКИ 19 В. — ИСТОРИЯ МУЗЫКИ 20 В. — МУЗЫКАЛЬНОЕ ИСПОЛНИТЕЛЬСТВО — ДРАМАТИЗМ — КОМПОЗИТОРСКИЕ ШКОЛЫ — РУССКИЕ КОМПОЗИТОРЫ — ЗАРУБЕЖНЫЕ КОМПОЗИТОРЫ

 

2020 № 9

 

Ермакова, С. С. Образные сферы в фортепианных концертах С. В. Рахманинова [Текст] / С. С. Ермакова // Музыковедение. — 2020. — № 9. — С. 3-6.

Кл.слова : ФОРТЕПИАННЫЕ КОНЦЕРТЫ РАХМАНИНОВА — ФОРТЕПИАННАЯ МУЗЫКА 20 В. — РАХМАНИНОВ — МУЗЫКАЛЬНАЯ ФОРМА — РУССКИЕ КОМПОЗИТОРЫ 19-20 В. — КОЛОКОЛЬНЫЙ ЗВОН — ХОРАЛ — ЦЕРКОВНАЯ МУЗЫКА — РУССКАЯ МУЗЫКА 19-20 ВЕКОВ

 

Кислова, О. Н. Песни в сказках. К вопросу о взаимодействии словесных и музыкальных жанров [Текст] / О. Н. Кислова // Музыковедение. — 2020. — № 9. — С. 7-19.
Кл.слова: ВОЛШЕБНЫЕ СКАЗКИ — РУССКИЙ МУЗЫКАЛЬНЫЙ ФОЛЬКЛОР — ЭТНОПЕДАГОГИКА — РУССКИЕ НАРОДНЫЕ СКАЗКИ — ДЕТСКИЕ СКАЗКИ — МУЗЫКАЛЬНЫЕ ЖАНРЫ — ПЕСНИ — СКАЗКА В МУЗЫКЕ — ЖАНРЫ МУЗЫКАЛЬНЫЕ — ПЕСЕННЫЙ ФОЛЬКЛОР

 

Булатова, А. Л. «Музыка искренняя и своеобразная…» (к юбилею Скрипичного концерта А. Хачатуряна) [Текст] / А. Л. Булатова // Музыковедение. — 2020. — № 9. — С. 27-31.
Кл.слова: ХАЧАТУРЯН — СКРИПИЧНЫЙ КОНЦЕРТ — СКРИПИЧНАЯ МУЗЫКА — ЮБИЛЕИ МУЗЫКАЛЬНЫЕ — СОВЕТСКИЕ КОМПОЗИТОРЫ — КОМПОЗИТОРЫ 20 ВЕКА — ТВОРЧЕСКИЕ СОЮЗЫ — МУЗЫКАЛЬНОЕ ИСПОЛНИТЕЛЬСТВО

 

Научный вестник Московской консерватории 2020 № 2

 

Карасева, М. В. Музыкант-педагог онлайн: проблемы и решения [Текст] / М. В. Карасева // Научный вестник Московской консерватории. — 2020. — № 2. — С. 22-65.
В работе сделан социально-психологический анализ первого этапа перехода на онлайн-обучение в период пандемии COVID-19 весной 2020 года, дается оценка перспектив развития музыкально-го онлайн-образования с разных позиций. На основе изучения, отбора и апробации автором опти-мальных для проведения онлайн-занятий устройств записи и передачи звука и видео сделан обзор основного оборудования и приемов работы с ним как для педагога, так и для ученика — с позиции нужд музыкального обучения и в пределах бюджетного ценового сегмента. Даны практические ре-комендации, как организовать занятия в режиме онлайн по сольфеджио и другим предметам му-зыкально-теоретического цикла, а также некоторые общие советы относительно проведения заня-тий по музыкально-исполнительским дисциплинам.
Кл.слова : МУЗЫКАЛЬНОЕ ОБУЧЕНИЕ ОНЛАЙН — МУЗЫКАЛЬНОЕ ОБРАЗОВАНИЕ — ОНЛАЙН- ОБУЧЕНИЕ — ОНЛАЙН-ОБРАЗОВАНИЕ — СОЛЬФЕДЖИО — МУЗЫКАЛЬНОЕ ВОСПРИЯТИЕ — МУЗЫКАЛЬНЫЙ СЛУХ — ПСИХОЛОГИЯ МУЗЫКАЛЬНОГО ОБРАЗОВАНИЯ — МУЗЫКАЛЬНО-ИСПОЛНИТЕЛЬСКАЯ ДЕЯТЕЛЬНОСТЬ — ОБРАЗОВАНИЕ В УСЛОВИЯХ САМОИЗОЛЯЦИИ — ПАНДЕМИЯ — МУЗЫКАЛЬНАЯ ПЕДАГОГИКА — ДИСТАНЦИОННАЯ ФОРМА ОБУЧЕНИЯ

 

Власова, Н. О. «Наше главное совместное произведение»: из истории создания «Женщины без тени» Рихарда Штрауса — Гуго фон Гофмансталя [Текст] / Н. О. Власова // Научный вестник Московской консерватории. — 2020. — № 2. — С. 92-113.
В статье на основе переписки Рихарда Штрауса и Гуго фон Гофмансталя, а также других документальных ис-точников подробно освещается сложный и длительный процесс создания оперы «Женщина без тени», от пер-вых набросков либретто (1910) до премьеры в 1919 году. Эта опера, которой оба соавтора придавали огромное значение, может рассматриваться как их совместный opus magnum, которому присущи итоговые черты.Гофмансталь очень долго и тщательно работал над либретто, объединив в нем множество источников, сюжет-ных мотивов, цитат, отсылок к различным текстам европейской культуры. Созданная им волшебная сказка, изобилующая символами, аллегориями и театральными «чудесами» и вместе с тем заключающая в себе высо-кую этическую идею, наследует традициям барочного и классицистского театра.Сочиненной на этой основе опере Штрауса также свойствен обобщающий, суммирующий характер. По разно-образию и богатству выразительных средств эта масштабная партитура беспрецедентна для всего предшеству-ющего творчества композитора. Она объединяет в себе как композиционные новации его экспрессионистских опер («Саломея», «Электра»), так и детализированность, камерность письма и новую трактовку голоса, найден-ные в «Ариадне на Наксосе».Одновременно «Женщина без тени» подводит итог развитию оперного театра начиная с Вагнера. С одной сто-роны, воздействие Вагнера (и, конкретно, его последней музыкальной драмы «Парсифаль») в штраусовской пар-титуре несомненно. С другой — «Женщина без тени» венчает развитие жанра «сказочной оперы», который пе-реживал расцвет в немецкоязычных странах после Вагнера и считался плодотворной альтернативой оперной продукции многочисленных вагнеровских подражателей. Штраус и Гофмансталь поднимают «сказочную оперу», расцветшую на непритязательном фольклорном материале, до уровня высоких философско-этических обобще-ний и тем самым словно возвращают ее к метафизическим вагнеровским первоистокам. Таким образом «Жен-щина без тени», поставленная уже после Первой мировой войны, становится последней вершиной немецкой ро-мантической оперы, объединяющей ее разнонаправленные тенденции

Кл.слова : ГОФМАНСТАЛЬ — ШТРАУС — МУЗЫКАЛЬНАЯ ДРАМА — ИСТОРИЯ СОЗДАНИЯ — ИСТОРИЯ ОПЕРЫ — ОПЕРНЫЙ ТЕАТР ЗАРУБЕЖНЫЙ — ЗАРУБЕЖНАЯ ОПЕРА — НЕМЕЦКИЕ КОМПОЗИТОРЫ — ДРАМАТУРГИ АВСТРИИ — АВСТРИЙСКИЕ ПИСАТЕЛИ

 

Невидимова, М. А. Музыка Рихарда Вагнера в фильмах Вернера Херцога: к проблеме диалога с культурным наследием прошлого [Текст] / М. А. Невидимова // Научный вестник Московской консерватории. — 2020. — № 2. — С. 158-199.

Предметом рассмотрения в статье являются фильмы Вернера Херцога — философские картины, скры-тые за маской художественного или документального повествования. Важнейшей смыслообразующей частью кинематографической вселенной режиссера выступает классическая музыка, которую Хер-цог использует не просто как саундтрек, но как средство сообщения фильму метасмысла. Устойчи-вые соотношения определенных музыкальных сочинений и конкретных визуальных рядов на про-тяжении десятилетий мигрируют от ленты к ленте, функционируя в качестве аудио- и видеолексем, что позволяет говорить об особой семантической роли музыки в фильмах Херцога.Еще одной важной особенностью творческого метода режиссера становится диалог с немецким культур-ным наследием. Херцог воссоздает в своих фильмах жанровые модели эпохи «золотого века» немец-кого кинематографа. Вслед за этим он обращается к музыке Рихарда Вагнера как к суммирующему немецкую романтическую поэтику явлению, а к самому композитору — как к художнику, идеи которо-го непосредственно повлияли на состояние немецкой культуры первой половины ХХ века и на новое искусство кино. Многочисленные зарубежные исследования, посвященные Вернеру Херцогу, затраги-вают по большей части философскую концепцию его фильмов и в меньшей степени важную для нее музыкальную составляющую. В настоящей статье определяется функция музыки Вагнера в избранных автором фильмах Херцога для конкретизации их философского и собственно художественного смысла

Кл.слова : ХЕРЦОГ — ВАГНЕР — ХУДОЖЕСТВЕННЫЙ МИР — КУЛЬТУРНОЕ НАСЛЕДИЕ — МУЗЫКА В КИНО — НЕМЕЦКОЕ КИНО — РЕЖИССЕРЫ ЗАРУБЕЖНОГО КИНО — НЕМЕЦКИЕ КОМПОЗИТОРЫ 19 В. — НЕМЕЦКАЯ МУЗЫКА 19 В. — МУЗЫКА КИНО

 

2020 № 1

 

Апалько, К. Зарождение фортепианного камерно-инструментального ансамбля в России: исторические заметки [Текст] / К. Апалько // Фортепиано. — 2020. — № 1. — С. 20-25.

Кл.слова : КАМЕРНО-ИНСТРУМЕНТАЛЬНЫЙ АНСАМБЛЬ — ФОРТЕПИАННЫЙ АНСАМБЛЬ — ИСТОРИЯ ФОРТЕПИАННОГО ИСПОЛНИТЕЛЬСТВА — КАМЕРНАЯ МУЗЫКА ИНСТРУМЕНТАЛЬНАЯ — ЗАМЕТКИ — ИСПОЛНИТЕЛЬСКОЕ ИСКУССТВО — МУЗЫКАЛЬНОЕ ИСПОЛНИТЕЛЬСТВО — АНСАМБЛЕВАЯ МУЗЫКА

 

Андреева, Е. В. Некоторые двигательные аспекты работы над звукоизвлечением (из наблюдений педагога-пианиста) [Текст] / Е. В. Андреева // Фортепиано. — 2020. — № 1. — С. 26-30.

Кл.слова : ЗВУКОИЗВЛЕЧЕНИЕ — ДВИГАТЕЛЬНЫЕ НАВЫКИ — ДВИЖЕНИЯ РУК — МУЗЫКАЛЬНОЕ ИСПОЛНИТЕЛЬСТВО — ФОРТЕПИАННОЕ ИСПОЛНИТЕЛЬСТВО — ФОРТЕПИАННАЯ ТЕХНИКА — ФОРТЕПИАННАЯ ПЕДАГОГИКА — ОБУЧЕНИЕ ИГРЕ НА ФОРТЕПИАНО — МОТОРИКА ПИАНИСТА

 

Семенов, М. А. О воспитании взаимодействия слуха и моторики в классе фортепиано [Текст] / М. А. Семенов // Фортепиано. — 2020. — № 1. — С. 30-34.

Кл.слова : МОТОРИКА ПИАНИСТА — СЛУХ — КЛАСС ФОРТЕПИАНО — ДВИГАТЕЛЬНЫЕ НАВЫКИ — ФОРТЕПИАНО — ВОСПИТАНИЕ МУЗЫКАНТА — ФОРТЕПИАННОЕ ИСПОЛНИТЕЛЬСТВО — ФОРТЕПИАННОЕ ОБУЧЕНИЕ — ОБУЧЕНИЕ ИГРЕ НА ФОРТЕПИАНО — ИСПОЛНИТЕЛЬСКИЕ НАВЫКИ

 

 

«Какие самые известные композиторы XX века?» – Яндекс.

Кью

Арнольд Шёнберг

Композитор, которому удалось пойти против гармонии западной музыки и навсегда изменить звучание классической музыки. Сам музыкант часто сравнивал себя с первопроходцами Арктики – людьми, которые бесстрашно, а порой и безнадежно шли вперед, чтобы принести миру новые знания. Арнольд Шёнберг является основателем серийной техники музыкальной композиции и первым композитором-экспрессионистом. Автор двух камерных симфоний и оперы «Моисей и Аарон» стал в основе новой венской композиторской школы.

Игорь Стравинский

Влияние этого гениального композитора на современную музыку нельзя преувеличить. Его идеи, переосмысление тональностей и гармоний, свобода от правил и сочетание несочетаемого повлияли не только на классическую музыку, но и на джаз, рок, блюз и др. Кроме своих великолепных произведений, среди которых особое место занимают балеты «Жар-птица», «Весна священная» и «Петрушка», Стравинский знаменит своим неординарным подходом к переосмыслению собственной музыки, так же, как и музыки других композиторов, народных мотивов и церковных песен. Например, он переложил католические песнопения с их латинскими текстами на музыку соответствующих православных песен.

Джордж Гершвин

Композитор, которого на протяжении всей карьеры критики обвиняли в популизме, в «облегчении» классической музыки и слиянии ее с поп-культурой. В самом деле, музыка Гершвина оказала огромное влияние на джаз и была неимоверно популярна среди простого народа. Его рапсодия в стиле блюз перевернула восприятие классической музыкальной композиции и показала, на что способно фортепиано с оркестром. Несмотря на критику со стороны коллег, Гершвин продолжал нести свою противоречивую и прекрасную музыку в массы, которые оставались верны ему.

Дюк Эллингтон

Один из самых продуктивных композиторов XX века Эдвард «Дюк» Эллингтон не видел границ музыкальных жанров и творил невозможное. Фактически творчество Эллингтона — это своеобразная школа джаза, поскольку именно он стал писать музыку с учетом импровизационного потенциала музыкантов своего оркестра. Для этого человека не было чужой сцены, он чувствовал себя в своей тарелке как на театральных подмостках, так и в ночном клубе; как в кафедральном соборе, так и в кабаре его музыка была всегда к месту.

Дмитрий Шостакович

«Монументальный» композитор, Шостакович является автором множества симфоний и концертов, трех балетов и опер, камерных произведений, как для клавишных, так и для струнных инструментов, а также музыки к фильмам и пьесам. Карьера Шостаковича прошла взлеты и падения. Во время сталинских репрессий композитор был вынужден сдерживать драматизм и нонконформизм своих произведений, поскольку был объявлен профнепригодным и лишен работы. Все свои эмоции и переживания Шостакович изливал в камерной музыке. Его знаменитые струнные квартеты говорили на новом языке музыки и давали композитору ту свободу творчества, которую цензура отняла у более масштабных произведений.

Джон Кейдж

Будучи художником, философом и писателем, самый яркий композитор послевоенного авангарда стремился соединить музыку и другие формы творчества в единое понятие искусства. Он экспериментировал со всеми возможными инструментами, включая электронику и тишину. По его словам, тишины не существует, поскольку нас всегда окружают мириады разных звуков, которые мы чаще всего просто игнорируем.

Бенджамин Бриттен

Что касается композиции, творчество Бриттена было гораздо более консервативным, по сравнению с перечисленными композиторами, однако влияние, которое он оказал на развитие оперы не только как музыкального, но и как культурного феномена обеспечивает ему место в списках самых влиятельных композиторов столетия. Оперные партии, написанные Бриттеном, отличались простотой и эмоциональностью – сочетание, которое одинаково нравилось как публике, так и исполнителям.

Леонард Бернстайн

Бернстайн был популистом и стремился нести музыку в массы и сделать ее доступной как можно большему количеству людей по всему миру. С самого детства будущий композитор любил музыку, и для него не существовало различий между высшей и низшей формами искусства. Эта своеобразная «всеядность» и простота четко прослеживаются в его творчестве. Бернстайну удалось создать произведения, которые становятся частью жизни людей, услышавших их хоть однажды.

Пьер Булез

Многолетний бессменный лидер французского авангарда и живая легенда музыки даже в свои 90 лет сохраняет грацию и энергию, с которой вошел в музыкальный мир. Уже много лет он практически диктует направление классической музыки, непрестанно продолжая расширять ее границы.

Филип Гласс

Еще одна живая легенда музыки, он одинаково знаменит своим минимализмом и классицизмом. Автор 30 опер, 10 симфоний, множества концертов и камерных композиций является музыкальным хамелеоном и способен создавать как произведения с повторяющейся структурой, так и классические гармонии. Филип Гласс является самым имитируемым современным композитором в силу своей популярности.

Материалы для организации дистанционного обучения. Музыка (5–7 классы)

Класс	Тема	Ссылка
5	Музыка как вид искусства	https://www. culture.ru/movies/114/rossiiskaya-nauka-o-muzyke
5	Жанровое разнообразие вокальной и инструментальной музыки	https://resh.edu.ru/subject/lesson/4181/start/226752/
5	Народное музыкальное творчество. Характерные черты русской народной музыки	https://resh.edu.ru/subject/lesson/4181/start/226752/
5	Жанровое и интонационное разнообразие музыкального фольклора народов России	https://resh.edu.ru/subject/lesson/5956/start/226670/ https://resh.edu.ru/subject/lesson/5953/start/226607/ https://tvkultura.ru/video/show/brand_id/43908/episode_id/2212219/
5	Основные жанры русской народной песни. Детский и материнский фольклор	https://resh.edu.ru/subject/lesson/4167/start/226732/ https://tvkultura.ru/anons/show/episode_id/1977993/brand_id/43908/
5	Основные жанры русской народной песни (трудовые, военные, исторические)	https://resh.edu.ru/subject/lesson/5226/start/226691/
5	Календарно-обрядовая песня: её разновидности и место в народном творчестве	https://resh.edu.ru/subject/lesson/3994/start/226649/
5	Разнообразие русских народных музыкальных инструментов (духовые, струнные, ударно-шумовые)	https://uchebnik. mos.ru/my_materials/material_view/atomic_objects/848286 https://www.youtube.com/watch?v=UNvawK1dzyQ https://www.youtube.com/watch?v=U5ubhLMsvU8 https://resh.edu.ru/subject/lesson/4159/start/226628/ https://tvkultura.ru/video/show/brand_id/43908/episode_id/2060355/ https://tvkultura.ru/video/show/brand_id/43908/episode_id/1731027/ https://tvkultura.ru/video/show/brand_id/43908/episode_id/1463813/
5	Отражение народных истоков в вокально-хоровой музыке русских композиторов. Имитация стиля	https://tvkultura.ru/video/show/brand_id/20892/episode_id/2098315/
5	Отражение народных истоков в инструментальной музыке русских композиторов	https://resh.edu.ru/subject/lesson/5262/start/270679/ https://resh. edu.ru/subject/lesson/471/
5	Жанры вокальной музыки	https://resh.edu.ru/subject/lesson/486/
5	Музыкальная сказка на театральной сцене. Опера	http://academy.mosmetod.ru/kollektsiya/zarozhdenie-opery https://resh.edu.ru/subject/lesson/4334/start/226908/
5	Музыкальная сказка на театральной сцене. Балет	https://www.youtube.com/watch?v=PDd4t2RtvvQ&feature=emb_logo https://resh.edu.ru/subject/lesson/4608/start/55200/
5	В музыкальном театре. Опера	https://www.culture.ru/movies/73/opera-dlya-nachinayushikh
5	Выдающиеся солисты прошлого и современности. Мировые театры оперы и балета	https://tvkultura.ru/anons/show/episode_id/1973151/brand_id/20892/ https://tvkultura.ru/video/show/brand_id/28348/episode_id/997209/video_id/1018035/ https://tvkultura.ru/video/show/brand_id/28348/episode_id/997232/video_id/1025024/ https://tvkultura.ru/video/show/brand_id/28348/episode_id/997208/video_id/1022847/ https://tvkultura.ru/anons/show/episode_id/997270/brand_id/28348/ https://tvkultura.ru/brand/show/brand_id/20840/
5	В музыкальном театре. Балет	https://resh. edu.ru/subject/lesson/4608/start/55200/
5	Яркие имена в истории балета. Мировые театры оперы и балета	https://uchebnik.mos.ru/catalogue/material_view/atomic_objects/2228428 http://academy.mosmetod.ru/kollektsiya/patriarkh-russkogo-baleta https://tvkultura.ru/brand/show/brand_id/20840/
5	Этот серьёзный «несерьёзный» жанр. Оперетта	https://uchebnik.mos.ru/my_materials/material_view/atomic_objects/4093539
5	Мюзикл – новый музыкально-сценический жанр ХХ века	https://resh.edu.ru/subject/lesson/3187/start/
5	В.  Гаврилин. Симфония-действо «Перезвоны»: живописность музыкального языка	https://resh.edu.ru/subject/lesson/5273/start/55043/
5	Колокольность в музыке и изобразительном искусстве	https://resh.edu.ru/subject/lesson/475/
5	Поэтика образов природы в музыке русских композиторов	https://resh.edu.ru/subject/lesson/4/ https://resh.edu.ru/subject/lesson/470/
5	Полифония в музыке и живописи. И. Бах, М. Чюрлёнис	https://youtu.be/FmPAIdsKAIQ?list=PLPLJUpFxaEzY1uGaclfAsfNmbqcuYnocT https://youtu. be/oS_fS3Vr7TE?list=PLPLJUpFxaEzY1uGaclfAsfNmbqcuYnocT https://resh.edu.ru/subject/lesson/914/ https://resh.edu.ru/subject/lesson/835/
5	Импрессионизм в музыке и живописи. К. Дебюсси	https://resh.edu.ru/subject/lesson/3181/start/
5	Образы, впечатления, сюжет… Н. Римский-Корсаков, К. Дебюсси, М. Чюрлёнис	https://resh.edu.ru/subject/lesson/3181/start/
6	Жанры русского песенного фольклора (эпические, лирические, частушки)	https://resh.edu.ru/subject/lesson/4150/start/226712/
6	Традиционные русские народные музыкальные инструменты	https://uchebnik. mos.ru/my_materials/material_view/atomic_objects/69317 https://www.youtube.com/watch?v=UNvawK1dzyQ https://resh.edu.ru/subject/lesson/4159/start/226628/ https://youtu.be/KWAmTyOwa1U?list=PLqFrqB-d1XEBa1h9ztb0GKP3hVIfkk5Qq
6	Жанры русской народной музыки в творчестве русских композиторов	https://resh.edu.ru/subject/lesson/472/
6	Жанровое и интонационное своеобразие музыкального фольклора славянских народов (вокально-хоровое, инструментальное, хореографическое искусство)	https://resh.edu.ru/subject/lesson/5227/start/226793/
6	Истоки церковного пения	https://www. youtube.com/watch?v=XMp_kndPgMg&list=PLqFrqB-d1XEBa1h9ztb0GKP3hVIfkk5Qq&index=69
6	Духовная музыки в творчестве русских композиторов. От Д. Бортнянского к Г. Свиридову	https://uchebnik.mos.ru/my_materials/material_view/atomic_objects/5623371 https://resh.edu.ru/subject/lesson/3252/start/
6	Европейские традиции духовных песнопений от средневековья до ХХ века	https://www.culture.ru/movies/109/muzykalnaya-medievistika
6	И. Бах и А. Вивальди: от церковных канонов к светским традициям	https://resh.edu.ru/subject/lesson/493/ https://resh. edu.ru/subject/lesson/4476/start/228196/
6	Искусство прекрасного пения. Жанры вокальной музыки	https://resh.edu.ru/subject/lesson/469/
6	«Старинной песни мир». Баллада Ф. Шуберта «Лесной царь»	https://uchebnik.mos.ru/catalogue/material_view/atomic_objects/3531496
6	Урок-исследование. Образы романсов и песен русских композиторов	https://resh.edu.ru/subject/lesson/5262/start/270679/ https://tvkultura.ru/anons/show/episode_id/1475753/brand_id/20892/
6	Инструментальная баллада, ноктюрн и другие камерные жанры	https://resh. edu.ru/subject/lesson/1127/ https://tvkultura.ru/video/show/brand_id/20892/episode_id/1490623/
6	Могучее царство Ф. Шопена	https://www.culture.ru/movies/72/muzykalnoe-zanyatie-posvyashennoe-frideriku-shopenu
6	Урок-проект. Г. Свиридов и А. Пушкин. Два шедевра на тему природы	https://resh.edu.ru/subject/lesson/474/
6	От вагантов к современным исполнителям	https://www.culture.ru/movies/109/muzykalnaya-medievistika
6	Бардовская песня 1960–1980-х гг.	https://uchebnik.mos.ru/catalogue/material_view/atomic_objects/4156646
6	Классика современности. Новые стили и направления. Джаз	https://uchebnik.mos.ru/catalogue/material_view/atomic_objects/3252657 https://uchebnik.mos.ru/catalogue/material_view/atomic_objects/572164 https://uchebnik.mos.ru/catalogue/material_view/atomic_objects/2622303 https://tvkultura.ru/video/show/brand_id/20892/episode_id/2138602/
6	Урок-проект «Темы любви в классическом и современном музыкальном искусстве» («Орфей и Эвридика»)	http://academy.mosmetod.ru/kollektsiya/obraz-orfeya-v-muzykalnykh-shedevrakh-cherez-prizmu-vremeni-i-zhanrov-xvii-vek-nachalo-xviii-veka http://academy. mosmetod.ru/kollektsiya/obraz-orfeya-v-muzykalnykh-shedevrakh-cherez-prizmu-vremeni-i-zhanrov-xviii-vek http://academy.mosmetod.ru/kollektsiya/obraz-orfeya-v-muzykalnykh-shedevrakh-cherez-prizmu-vremeni-i-zhanrov-50-e-gg-xix-v-50-e-gg-khkh-v http://academy.mosmetod.ru/kollektsiya/obraz-orfeya-v-muzykalnykh-shedevrakh-cherez-prizmu-vremeni-i-zhanrov-konets-xx-veka-khkhi-vek
6	Урок-проект «Темы любви в классическом и современном музыкальном искусстве» («Ромео и Джульетта»)	https://resh.edu.ru/subject/lesson/478/
7	Понятия «классика» и «современность» в музыкальном искусстве и в жизни	https://resh.edu.ru/subject/lesson/3354/start/ https://resh.edu.ru/subject/lesson/3251/start/ https://resh. edu.ru/subject/lesson/3115/start/ https://resh.edu.ru/subject/lesson/3411/start/ https://resh.edu.ru/subject/lesson/3176/start/
7	Какая музыка является народной	https://tvkultura.ru/video/show/brand_id/20892/episode_id/1939076/
7	По странам и континентам. Жанровое и интонационное своеобразие музыкального фольклора народов мира	https://resh.edu.ru/subject/lesson/3180/start/ https://resh.edu.ru/subject/lesson/4474/start/228140/ https://resh.edu.ru/subject/lesson/5267/start/53820/ https://resh.edu.ru/subject/lesson/5274/start/44981/ https://resh.edu.ru/subject/lesson/5275/start/86084/ https://resh.edu.ru/subject/lesson/5268/start/228171/ https://resh. edu.ru/subject/lesson/5276/start/63257/ https://resh.edu.ru/subject/lesson/4611/start/55449/ https://resh.edu.ru/subject/lesson/5277/start/86172/ https://resh.edu.ru/subject/lesson/5258/start/227723/ https://resh.edu.ru/subject/lesson/4337/start/227692/
7	По странам и континентам. Отражение жанрового и интонационного своеобразия музыкального фольклора народов мира в классическом и современном искусстве	https://resh.edu.ru/subject/lesson/471/
7	Народные мотивы в творчестве композиторов ХХ века	https://resh.edu.ru/subject/lesson/5229/start/226935/
7	Урок-проект. Народная эпическая тема в музыкально-драматических жанрах XIX-XX вв. (на примере оперы А. Бородина «Князь Игорь» и балета Б. Тищенко «Ярославна»)	https://znaika.ru/catalog/3-klass/musyka/Introduktsiya-opery-%C2%ABKnyaz-Igor%C2%BB-A.P.-Borodina.-Ekspozitsiya-obrazov-glavnykh-geroev..html
7	Урок-проект. Народная эпическая тема в музыкально-драматических жанрах XIX-XX вв. (на примере оперы А.Бородина «Князь Игорь» и балета Б.Тищенко «Ярославна»)	https://www.youtube.com/watch?v=-NMy_MDFW2o http://youtube.com/watch?v=JFwCiny5Qpw
7	Музыка в кино	http://academy.mosmetod.ru/kollektsiya/muzyka-v-filme-chast-1 http://academy. mosmetod.ru/kollektsiya/muzyka-v-filme-chast-2 https://resh.edu.ru/subject/lesson/3410/start/
	Урок-проект. Драматургия литературного произведения в музыкальном спектакле (опера Ж. Бизе «Кармен», балет Р. Щедрина «Кармен-сюита»)	https://resh.edu.ru/subject/lesson/3355/start/ https://resh.edu.ru/subject/lesson/1101/
7	Урок-проект. Драматургия литературного произведения в музыкальном спектакле (опера Ж. Бизе «Кармен», балет Р. Щедрина «Кармен-сюита»)	https://resh.edu.ru/subject/lesson/3188/start/
7	Драматургия русской и зарубежной камерной музыки	https://resh. edu.ru/subject/lesson/3353/start/
7	Драматургия симфонической музыки венских классиков	https://resh.edu.ru/subject/lesson/3172/start/ https://resh.edu.ru/subject/lesson/3189/start/
7	Драматургия симфонической музыки русских композиторов	https://resh.edu.ru/subject/lesson/3189/start/
7	Драматургия симфонической музыки современных композиторов	https://resh.edu.ru/subject/lesson/3183/start/
7	Сюжеты и образы духовной музыки	https://resh. edu.ru/subject/lesson/3170/start/
7	Урок-проект. Драматургия современного музыкального спектакля (рок-оперы «Иисус Христос – суперзвезда» и «Юнона» и «Авось»)	https://resh.edu.ru/subject/lesson/3184/start/
7	Урок-проект. Драматургия современного музыкального спектакля (рок-оперы «Иисус Христос – суперзвезда» и «Юнона» и «Авось»)	https://resh.edu.ru/subject/lesson/3178/start/
7	Классика современности. Зарубежные композиторы-классики ХХ столетия	https://www.culture.ru/movies/7/osnovy-muzykalnoi-kompozicii-xx-veka https://tvkultura. ru/video/show/brand_id/20892/episode_id/2091502/
7	Классика современности. Русские (советские) композиторы-классики ХХ столетия	https://www.culture.ru/movies/7/osnovy-muzykalnoi-kompozicii-xx-veka https://resh.edu.ru/subject/lesson/4608/start/55200/ https://tvkultura.ru/video/show/brand_id/20892/episode_id/1672271/
7	Классика современности. Отечественная и зарубежная эстрада XX–XXI вв.	https://resh.edu.ru/subject/lesson/3179/start/
7	Смешение жанров и стилей в современном музыкальном искусстве (симфоджаз, симфорок)	https://resh. edu.ru/subject/lesson/3183/start/
7	Современные музыкальные инструменты: от свирели к специальному (подготовленному) пианино и терменвоксу	https://uchebnik.mos.ru/catalogue/material_view/atomic_objects/1650557 https://www.culture.ru/movies/71/ispolnitelstvo-sovremennoi-akademicheskoi-muzyki
7	Обобщающий урок «Музыкальное искусство как воплощение жизненной красоты и жизненной правды»	https://www.culture.ru/movies/114/rossiiskaya-nauka-o-muzyke

Советских композиторов конца ХХ века

Знакомство с музыкой Георгия Свиридова, Родиона Щедрина, Галины Уствольской и Софьи Гудаидулиной

В спектре советских композиторов ХХ века всегда выявляются такие, как Стравинский, Шостакович , Рахманинов, Прокофьев и Шнитке. А как же невоспетые герои конца ХХ века: Свиридов, Щедрин, Уствольская и Губайдулина? Их музыка вместе с Шостаковичем и Шнитке пишет правдивую историю постсталинской России.В основном это были годы холодной войны, все еще время социалистического реализма, когда религиозные убеждения и радикальные эксперименты не поощрялись, а столкновения с советским истеблишментом были распространены до гласности и перестройки.

Родион Щедрин

https://bachtrack.com/files/67586-rodion-shchedrin.jpg500340

Георгий Свиридов (1915–1998)

Свиридов был оплотом русской музыки в советское время. Видя себя на линии Чайковского и Рахманинова, после начального периода экспериментов при Шостаковиче он принял неоромантический стиль, опираясь на богатые традиции русской культуры.С его сильным лирическим содержанием, кажущаяся простота музыки Свиридова — ее величайшая сила, за которой скрывается глубина эмоций. Судьба России и смерть поэта были главными темами его сочинений, а его вокальные и хоровые произведения пропитаны традициями православной церкви, которые сложнее реализовать в доперестроечной России, а также многочисленными поэтическими мотивами. Он много раз обращался к Пушкину на протяжении всей своей карьеры, например, в хоровом концерте «Гирлянда Пушкина» и «Метель» , с его красочными оркестровыми проблесками троек, маршей, свадеб, вальсов, звона колоколов, зимы и весны.Попробуйте эту тройку:

С другими предметами, такими как Маленький триптих и Время, вперед! , инструментальные произведения Свиридова демонстрируют его мастерство в оркестровой палитре, и даже его небольшой объем камерных произведений получил признание, например, его фортепианное трио, за которое он получил Ленинскую премию в 1946 году.

Но это его вокал и хоровые произведения, составляющие его величайшее музыкальное наследие. Его «Патетическая оратория » 1959 года, основанная на текстах Владимира Маяковского, представляет собой оттенок советского реализма, отражая тяжелое положение тех, кто борется с коммунистическим идеалом, с его вокальным стихотворением « Петербург », вызывающим воспоминания о символике поэзии Александра Блока и его стихотворении. заключительная работа, Гимны и молитвы для хора a cappella , демонстрирующая искусный синтез слова и музыки Свиридова в вопрошающих размышлениях о судьбе города и человечества.Услышьте силу и красоту этих двух клипов (и не пропустите великолепное русское хоровое звучание во втором клипе):

Родион Щедрин (род. 1932)

В отличие от Свиридова, Щедрин больше принадлежит к линии Прокофьева и Шостаковича. Известный широким спектром жанров и стилей, он демонстрирует великолепное оркестровое чутье и склонность адаптировать свой музыкальный язык к теме. Его ранние работы тональны и красочны, отражают богатые культурные традиции русской жизни, хотя позже он разработал более современный стиль.Самая известная его работа — одноактный балет « Кармен-сюита », написанный для его жены, балерины Майи Плисецкой, представляет собой почтительную и живую реорганизацию струнных и ударных инструментов из оперы Бизе. Напротив, его Симфония № 2 1964 года — гораздо более серьезное дело. Это значимое произведение советской русской музыки, в котором отчетливо слышны звуки мира и конфликта и используется более изощренный музыкальный язык, который не снискал расположения властей.

Его пять концертов для оркестра используют повседневные темы из русской культуры для демонстрации разнообразных стилей Щедрина, от темных искр сатирических народных рифм в популярном Naughty Limericks до загадочной звуковой сцены The Chimes по к изображению старинной русской провинциальной цирковой музыки, вызывающих воспоминания хороводов и народных песен.

Но Щедрин разбирался не только в инструментальной музыке. Две контрастные пьесы, основанные на рассказах Николая Лескова, включают русскую литургию 1988 года The Sealed Angel , трогательную и отражающую пьесу для хора a cappella и пастушьей дудки (обычно играемой на флейте или гобое) и его концерт-оперу 2002 года The «Очарованный странник» , в котором творческий и современный подход Щедрина воплощен в архетипических составляющих русской жизни.

А теперь к двум современникам Свиридова и Щедрина с совершенно разным взглядом на вещи. Держитесь за шляпы, ребята!

Галина Уствольская (1919-2006)

Бывшая ученица и близкая соратница Шостаковича, Уствольская включила элементы стиля своего учителя в более ранние пьесы, такие как Концерт для фортепиано, струнных и литавр, прежде чем развивать свое более своеобразное голос, который можно услышать в зародыше в более суровом звуковом мире таких произведений, как Octet (1950) и Symphony No.1.

Сильный, бескомпромиссный стиль музыки Уствольской характеризуется гнетущими звуковыми блоками, повторяющимися мотивами, крайностями динамики, группами тонов, постоянным использованием фортепиано и / или ударных и необычными комбинациями инструментов, которые открывают обширные пространства, например, Композиция No. 1 ( Dona nobis pacem ) для пикколо, тубы и фортепиано. Но это также глубоко выразительно, и его эффект интенсивен, волнует и пронизывает осколки черноты, наполненные напряжением.Ее узкий подход сравнивают с «концентрированным светом лазерного луча, способного пробить металл», из-за которого до распада Советского Союза было трудно услышать любую ее музыку, и ее последние две пьесы, Соната для фортепиано № 6 и Симфония № 5 («Аминь») совершенно по-разному показывают шокирующую, но волнующую кульминацию ее развитого стиля.

Хотя религия пронизывает многие произведения Уствольской, ее подход к литургическим текстам и музыкальным материалам более духовный, чем религиозный.Ее Симфония № 3 ( Иисус Мессия, Спасите нас ) грубая, диссонирующая и жестокая, с текстом, передающим не столько чувство надежды и искупления, сколько борьбу и отчаяние. Эта форма музыкального самовыражения, возможно, была ее музыкальным наследием.

София Губайдулина (род. 1931)

Музыка Губайдулиной похожа на музыку Уствольской, но с заметно иной эстетикой. Ее предыстория отражает глубокие религиозные убеждения, поддержку со стороны Шостаковича, модернистские эксперименты и осуждение (занесенная в черный список как одна из «семерки Хренникова»).Она использует контрасты, чтобы проецировать напряжение между противостоящими силами: атональным и тональным, тишиной и звуком, земным и небесным. Например, ее второй скрипичный концерт In Tempus Praesens представляет собой увлекательную пьесу, посвященную «настоящему времени» и переходу от тьмы к свету, хотя именно ее первый скрипичный концерт Offertorium обеспечил ей прорыв. сочетание религиозных тем с элементами Баха (тема из Музыкальное предложение ) и Веберна ( Klangfarbenmelodie ), два ее великих источника вдохновения.

Стиль Губайдулиной включает в себя любопытное сочетание тональности, хроматизма и микротональности — послушайте это в действии в ролике ниже из The Canticle of the Sun — вместе с нумерологическими структурами, такими как последовательность Фибоначчи, и ее очарованием тембры ударных инструментов, а также русские и азиатские народные инструменты можно услышать в таких произведениях, как De profundis для баяна (разновидность баяна), In Erwartung для квартета ударных и саксофонов и Fachwerk , концерт для баяна. , перкуссия и струнные.

В Stimmen… Verstummen , с его новаторским использованием тишины, она использует не только последовательность Фибоначчи, но и каденцию для дирижера (Джон Кейдж гордился бы!), И она расширила физическое и акустическое дальше в ее струнных квартетах, где струнный квартет № 4 играет против записанных заранее пленок, одна со звуком пластикового мяча, прыгающего по струнам. Все это раскрывает пьянящую смесь музыки, которая волнует и сильно стимулирует, эклектичное сочетание переживаний, в конечном итоге нацеленных на реализацию композиторского идеала человеческого превосходства.

С такой вдохновляющей и провокационной музыкой, я думаю, что моей новой любимой идеей для концертной программы должен стать выбор этих четырех композиторов. Мы коснулись здесь только поверхности, но это только начало увлекательного путешествия к музыкальным открытиям, направленным на усиление эмоций и стимулирование чувств. Пристегните ремни безопасности!

Российских композиторов, которых вы должны знать

Оркестр в действии | © Pixabay | © YannaZazu / Pixabay

Музыка многих российских композиторов хорошо известна во всем мире, но лишь немногие из них получили заслуженное признание.Их карьерный путь был полон трудностей, и их работа часто принималась только через годы после их смерти. Вот список музыкальных новаторов, работа которых изменила историю музыки.

Глинка всю свою жизнь посвятил музыке. Он начал учиться в молодом возрасте и переехал в Санкт-Петербург, чтобы продолжить карьеру. Глинка был лично знаком с русскими писателями того времени, в том числе и с Пушкиным, сочинявшим музыку на слова их стихов. Его творчество явилось большим вкладом в русскую культуру.Он писал оперы на темы из русской литературы, такие как Иван Сусанин (1836) и Руслан и Людмила (1842). Из-за резкой критики в конце карьеры он был вынужден покинуть Россию и вернулся только через несколько лет.

Глинка, портрет И. Репина | © Wikimedia Commons

Чайковский остается ведущей фигурой в русской классической музыке спустя десятилетия после его смерти. На протяжении своей музыкальной карьеры он сочинил партитуры, в том числе для балета и оперы.Он особенно известен за его вклад в русский балет, поскольку он сочинил партитуры для Лебединое озеро (1876), Щелкунчик (1892) и Спящая красавица (1889). Несмотря на успешную карьеру, жизненный путь Чайковского был не таким стабильным. Ему часто не хватало денег, он не был счастлив в личной жизни, и обстоятельства его смерти остаются загадочными даже сегодня.

Портрет Чайковского работы Н. Кузнецова | © Wikimedia Commons

Римский-Корсаков был одним из ведущих участников «Пятерки», группы композиторов, которые работали над созданием националистической, исключительно русской музыки.Он черпал вдохновение из фольклора и русской литературы. Среди его знаменитых произведений — опера « Садко » (1896 г.), основанная на известном русском эпосе, и симфоническая сюита « Шехерезада » (1888 г.). Он был выдающимся педагогом Санкт-Петербургской консерватории, которая носит его имя. Он вел занятия, писал уникальные учебные материалы, а во время революции 1905 года поддерживал протестующих студентов. Под его руководством и руководством окончили более 200 музыкантов, в том числе композиторов, дирижеров и музыковедов.

Николай Римский-Корсаков в 1897 году | © Wikimedia Commons

Несмотря на то, что музыкальный талант Мусоргского был обнаружен в молодом возрасте, под давлением своей семьи он начал свою карьеру в качестве военного чиновника. Во время службы он познакомился с Александром Бородиным, также композитором и участником группы The Five. Мусоргский присоединился к их группе и посвятил свою карьеру музыке. Его творчество также было вдохновлено русским фольклором и историей. Например, опера « Борис Годунов » (1870) рассказывала о жизни одного из российских царей и была основана на пьесе Александра Пушкина.Другое его крупное произведение, Хованщина (1880), было завершено незадолго до смерти композитора. Затем Римский-Корсаков отредактировал и обработал пьесу с использованием нот композитора.

Мусоргский, портрет И. Репина | © Wikimedia Commons

Скрябин вырос в музыкальной семье и с юных лет играл на фортепиано. Он окончил Московскую консерваторию по классу фортепиано, где впоследствии работал профессором. В то же время он увлеченно сочинял музыку, заводил контакты в художественных кругах и в конце концов пришел к идее синтезировать музыку с другими жанрами искусства.Он также создал таблицу, в которой цвета связаны с тонами и гаммами. Среди его основных произведений — симфония « Прометей: Поэма огня » (1910), часть которой исполняется с использованием хромолы, цветного органа, изобретенного Скрябиным.

Скрябин в 1903 году | © Wikimedia Commons

Талант Рахманинова проявлялся с юных лет. Даже на ранних этапах своей карьеры он сочинил впечатляющие произведения, такие как его Первый фортепианный концерт (1891), законченный в студенческие годы. Он страдал от депрессии после того, как его Первая симфония (1896 г.) не была встречена критиками, и в его жизни наступил период, когда он вообще не сочинял.Второй фортепианный концерт (1901), однако, позволил Рахманинову вернуться к музыке. Он также работал дирижером в Большом театре, ему предлагали работу за границей. Вскоре после революции он покинул Россию и навсегда переехал в США. Рахманинов был человеком, от которого его собственная страна давно отреклась, но теперь ему восстановлена ​​репутация выдающегося композитора и музыканта.

Фотография Рахманинова | © Wikimedia Commons

Стравинский, воспитанный двумя родителями-музыкантами, был обречен на музыкальное будущее, но изначально решил не следовать своей судьбе. Вместо этого он поступил на юридические курсы; Однако в университете он сдружился с сыном Римского-Корсакова и со временем стал учеником знаменитого композитора. Его первые большие работы были созданы в сотрудничестве с меценатом русского балета Сергеем Дягилевым. Он написал музыку к балетам Жар-птица (1910) и Петрушка (1911), которые принесли ему признание в России и за рубежом. В конце концов он бежал из России в Европу, где его творчество постоянно вдохновлялось русским фольклором.Позже он переехал в США, где закончил большую оркестровую работу «Симфония до мажор» (1940).

Фотография Стравинского | © Wikimedia Commons

Прокофьев, один из крупнейших композиторов ХХ века, известен своими амбициозными новаторскими работами. Он работал в тесном сотрудничестве с Сергеем Дягилевым над сочинением музыки для балетов. После революции он был вынужден эмигрировать в США, продолжив свою карьеру, но во многом полагаясь на работу концертного пианиста. Наконец, ему была предоставлена ​​возможность вернуться в Советский Союз, и ему было поручено писать новую музыку. Среди произведений, написанных в это время, — балет «Ромео и Джульетта» (1935) и саундтрек к фильму Эйзенштейна 1938 года « Александр Невский ».

Сергей Прокофьев в 1918 году | © Wikimedia Commons

На ранних этапах своей карьеры Шостакович, несмотря на то что он был композитором, работал в основном как пианист. Его ранние работы не приносили ему большого успеха и не всегда приветствовались критиками. Настоящая известность пришла к Шостаковичу с его 7-й симфонией.Композитор оставался в Ленинграде в начале блокады. Это было также время, когда он начал сочинять свою знаменитую Ленинградскую симфонию (1942). Он завершил его после того, как его семья была эвакуирована из осажденного города. Он исполнялся Ленинградской филармонией и передавался по громкоговорителям во время оккупации города немецкими войсками. После войны вернулся к преподавательской деятельности, но уже в Москве, а также участвовал в написании саундтреков к ряду советских фильмов.

Фотография Шостаковича 1950 года | © Wikimedia Commons

Шесть лучших малоизвестных произведений советских композиторов

Сочиненная в 1943 году, Восьмая симфония Шостаковича была осуждена советскими властями как контрреволюционная и антисоветская. Шостакович описал эту симфонию как «поэму страдания» и публично назвал ее «попыткой отразить ужасную трагедию войны». Однако в частном порядке он признал, что произведение предназначалось для тех, кого «пытали, расстреливали и морили голодом» в Советском Союзе при сталинском режиме.

Прокофьев был одним из крупнейших композиторов 20 века и прославился своим балетом Ромео и Джульетта и сюитой из лейтенанта Кидже , которые оба добились большого успеха за пределами Советского Союза .Напротив, «Семон котко» была образцовой советской оперой с ее народными мелодиями. В его основе — роман писателя-националиста Катаева «Я, сын трудящихся». Из этой оперы Прокофьев создает сюиту, которая имела немного больший успех на международной арене.

Хачатурян — Ода памяти Ленина

Хачатурян всегда шел на тонкую грань между принятием и денонсацией в Советском Союзе. После смерти Ленина в 1924 году Хачатурян сочинил это оркестровое произведение как дань уважения умершему вождю.Вполне уместно, что эта запись принадлежит филармоническому оркестру Хачатуряна родной Армении.

Хренников — Адажио из «Гусарской баллады»

Помимо написания музыки, Хренников был известен своей политической деятельностью как один из лидеров Союза советских композиторов, который придавал композиторам в Советском Союзе предписанный коммунистический смысл. В 1961 году он написал музыку к печально известному российскому фильму « Гусарская баллада », который затем преобразовал в одноименный балет в 1978 году.

Свиридов — Сюита от Время, вперед!

Георгий Свиридов был русским композитором-неоромантом, более известным благодаря своей хоровой музыке, основанной на песнопениях Русской Православной Церкви. Время, вперед! «» — музыка к фильму, написанная Свиридовым в 1965 году. Оркестровая сюита была одним из самых узнаваемых произведений советской эпохи, но ее слава не транслировалась на весь мир.

Меликов — «Сказка»: Симфоническая поэма для оркестра

Хотя Меликов больше всего ассоциируется с его балетом « Легенда о любви », основанным на легенде о Фархаде и Ширин, он также написал серию симфонических стихотворений, в которую вошла эта пьеса «Сказка» . Музыка Меликова уникальна тем, что он смешал классические азербайджанские мотивы с современной советской музыкой.

Шостакович, Прокофьев, Стравинский… Русские композиторы перед Революцией

Некоторым пришлось столкнуться с изгнанием, другие бросили якорь, каждый пережил Революцию по-своему. France Musique предлагает вам небольшой обзор русской музыки времен советизма.

На ранних этапах русской революции 1917 года русские композиторы возлагают большие надежды на новый режим.Но 1930-е резко изменили их ожидания. Искусство полностью передано Сталину . С 23 апреля 1932 года диктатор навязывает эстетическую доктрину под названием социалистический реализм. Он стремится творить для народа и прославлять режим, сочетая « национальную форму» и «социалистическое содержание» .

Музыка должна быть ясной, тональной, мелодичной, она должна говорить с массами. Союз композиторов, орган, занимающийся контролем и оценкой новых произведений, видит свет.Любая форма музыки, которая считается «формалистической», то есть модернистской, герметичной и «зарезервированной» для западной элиты, отвергается.

Национализм усиливается после войны: в 1948 году правая рука Сталина, Андрей Жданов , предлагает манифест, результатом которого является новая, гораздо более жесткая идеология. Шостакович и Прокофьев , которые фактически являются официальными композиторами, стали первыми жертвами этого. По иронии судьбы, этот период ограничений сопровождается моментом созидания, в течение которого рождаются величайшие шедевры русского репертуара. Есть те, кто подчиняется, и те, кто грешит. А нарушители — это те, кто вошел в историю.

Только после смерти Сталина, пять лет спустя, композиторы обрели часть своей свободы.

Дмитрий Шостакович (1906-1975) и «ад двойственности»

Дмитрий Чостакович, верс 1954, © Getty

Конечно же, важнейший композитор советской власти. Марионетка Сталина, только частично … В 1917 году Шостаковичу всего одиннадцать. С таким же успехом можно сказать, что музыка — дитя революции.И, судя по всему, молодой композитор следует правилам. Если, с одной стороны, он пытается отклониться в 1934 году своей оперой « Lady Macbeth de Mtsensk », первоначально получившей признание, с другой стороны, его призывают к порядку из-за статьи в официальной газете советского режима « Правда ». вдохновленный Сталиным. Было много критики, и его название было «Хаос заменяет музыку» . Сюжет считается неприятным, музыка — сложной и совершенно ужасающей.

Следовательно, композитор, кажется, готов принять эстетические ограничения. В свою очередь, его творчество прославляет советский режим. Его симфония № 5 (1937) восстанавливает традиционную структуру и является одной из его самых популярных симфоний. Он участвовал в военных действиях со своей симфонией № 7 «Ленинград », созданной в 1942 году. Он заставляет свою музыку говорить противоположное тому, что она говорит.Взять, к примеру, его 5-ю симфонию. Финал звучит как апофеоз, но на самом деле это высмеивание официальной музыки. Его жестокость дает нам ощущение того, что мы слышим того, чей череп бьют и который должен кричать: да здравствует советский режим! » . Точно так же он обыгрывает эту двусмысленность в своей Симфонии № 10, , написанной после смерти Сталина в 1953 году. «Скерцо — это портрет Сталина», — утверждает Андре Лишке . « Шостакович производит впечатление движущейся вперед силы, ужасной, могущественной и гротескной одновременно, которую невозможно остановить. И впервые композитор использует свою музыкальную подпись: тему DSCH (D, E-flat, C, B natural, в немецкой нотной записи). Как будто после смерти диктатора он наконец смог утвердиться…

Сергей Прокофьев (1891-1953): еще одна ключевая фигура

Serge Prokofiev en compagnie du cinéaste Serge Eisenstein, 1943, © Getty

«Композитором нельзя работать. во время революции ». Ссылаясь в 1917 году, Прокофьев не пытался бежать, он просто хотел найти место для мирного сочинения.В частности, он едет в Японию, в Соединенные Штаты, где его опера « Любовь к трем апельсинам » (1921) привлекает внимание американцев, и во Францию.

Но вскоре конкуренция ставит его в тень. На Западе он застрял между космополитом и авангардом Стравинского и Рахманинова , который пользуется престижем как интерпретатор большого репертуара. Мы живем в 1930-х годах, и есть дыра, которую нужно заполнить в URSS. Прокофьев вернулся домой, движимый оппортунизмом или ностальгией? По-прежнему ведутся дебаты.В 1936 году он возвращается навсегда. «Прокофьев прибыл как боец, творческий и высокомерный», — объясняет Андре Лишке. « Тем временем Шостаковича бьют по костяшкам пальцев». Затем двум музыкантам предстоит разделить роль композитора номер один режима.

Ранние советские произведения Прокофьева оспариваются, как и его «Кантата к 20-летию Октябрьской революции» (1936). Однако его стиль соответствует тому, что говорят люди, обладающие властью.Его произведения гармоничны, ясны, патриотичны… «Он никогда полностью не уходил от популярной музыки, даже если он переработал ее по-своему». Об этом свидетельствует его пятая симфония (1945) или музыка к фильмам Александр Невский (1938) и Иван Грозный (1942-1946), над которыми он работает с кинорежиссером Сергеем Эйзенштейном . Если, с одной стороны, он станет популярным в СССР, давление режима, его проблемы со здоровьем и отсутствие денег сделают его последние годы очень тяжелыми. И по иронии судьбы Прокофьев скончался 5 марта 1953 года, за несколько часов до Сталина.

Игорь Стравинский (1882-1971): полный разрыв

Игорь Стравинский, 1948, © Getty

Стравинскому не нужно ждать падения царизма, чтобы покинуть родину. В 1917 году он находится во Франции, а в 1920-х годах он едет в Соединенные Штаты, двумя странами, гражданином которых он впоследствии стал. А в 1929 году, после смерти русского балета импресарио Сергей Дягилев , которому он обязан своей славой — их работы включали Петрушка (1911), Весна священная (1913), Жар-птица (1910). , Pulcinella (1919), Les Noces (1923) — Стравинский порывает с русской музыкой.« Его эмоциональная привязанность к России улетучилась с 1920-х годов», — отмечает Андре Лишке.

Композитор вдохновлен современной музыкой. Он пробует с джазом в Histoire du soldat (1918), он основывает свою работу на западном классицизме в своем Apollo (1928), он интересуется сериализмом, он движется к формализму . .. »Он всегда выбирает универсальное темы, объективные и не национальные », по Андре Лишке. Его сравнивают с Picasso в его способности адаптироваться к любому стилю.”

Для Стравинского обновление и традиции идут рука об руку. Вот почему он чувствует себя чужим среди русских XIX века, да и среди Советов тоже. «Россия видела только консерватизм без обновления или революцию без традиций» , — объясняет композитор в своей книге Поэтика музыки . И по его словам, артист должен оставаться вне политики.

Сергей Рахманинов (1873-1943) и боль изгнания

Серж Рахманинов, © Getty

«Когда он потерял свою страну, он потерял желание сочинять» , — утверждает Андре Лишке.В 1917 году в репертуаре Рахманинова около сорока произведений. Он только наполовину завершил свою карьеру, но после этого он не напишет больше шести, например «Рапсодию на тему Паганини» (1934) и симфонических танцев (1940).

23 декабря 1917 года навсегда покидает Россию. Год спустя он приезжает в Нью-Йорк, где за тур дает двадцать пять сольных концертов. Живя благодаря своей карьере пианиста, он отказывается от дирижирования и откладывает сочинение музыки. Десять лет спустя он вернулся, создав свой незаконченный концерт для фортепиано с оркестром № .4 . Но, несмотря на несколько редакций, произведение не понимают и не считают менее зрелищным, чем два предшествующих ему концерта.

Рахманинов ностальгирует и против современности, сторонится авангардных движений. Если, с одной стороны, такие композиторы, как Стравинский, дистанцируются от него, то с другой, однако, они завидуют его большей мелодической легкости.

Хренников, Кабалевский, Хачатурян: образцовые ученики советской власти

Тихон Хренников, © Getty

Музыка Тихона Хренникова (1913–2007) — это то, чего Сталин ждет от композитора.Его опера « В бурю » (1939) сочетает в себе маршевые ритмы, популярные хоры, революционные песни и моменты лирики. «У нас есть все, когда от нас ожидают», — заявляет Андре Лишке. Назначенный главой Союза композиторов в 1948 году, он становится своеобразным « Cerberus » и устанавливает « идеологический террор» . Его влияние таково, что его боятся даже Шостакович и Прокофьев!

Дмитрий Кабалевский, 1972, © Getty

предшествовал Хренникову на посту генерального секретаря Союза композиторов.Режиму нравится его мелодичная и академическая музыка. За 36 лет он получает 18 официальных цен. Благодаря своей педагогической ценности, его произведения помогают ему завоевать репутацию, особенно фортепианные произведения, такие как его первый концерт (1928) и две его сонатины (1930-1933).

Арам Хачатурян, верс 1955, © Getty

Арам Хачатурян (1903-1978) — армянин по происхождению, и он играет на местном колорите своей музыки, чтобы снискать расположение Советов. Он также вдохновлен популярными армянскими певцами ashougs .Его слава растет с его балетом Спартак (1954), обвиненным в советской идеологии по своей теме, восстанию рабов против Римской империи. Но мало-помалу он ставит под сомнение Союз композиторов и их способ ограничения свободы.

История русской музыки

Хронология русской классической музыки

• До 18 века русская музыка состояла в основном из церковной музыки, народных песен и музыки для танцев.Среди буржуазии особой популярностью пользовались итальянские, французские и немецкие оперы.
• Две противоположные группы композиторов были основаны в 19 веке : Русское Музыкальное Общество , прозападное объединение композиторов под руководством братьев Антона и Николая Рубинштейнов, и «Могучая горстка» , группа композиторов известен использованием в своих произведениях элементов русской народной и религиозной музыки и народных сюжетов. Среди самых известных участников «Могучей кучки» — Римский-Корсаков, Мусоргский и Балакирев.
• В начале ХХ века романсы, написанные и исполненные в русском, кавказском, цыганском и итальянском стилях, стали популярными в России. Самыми крупными и популярными исполнителями романтического движения были Федор Шаляпин, Александр Вертинский, Константин Сокольский и Петр Лещенко.
• В 20 веке давление советских властей вынудило многих художников покинуть Советский Союз. В этот же период сформировался музыкальный андерграунд из фольклорных и рок-групп.Магнитизидат записывал и распространял запрещенные фолк, рок и джаз произведения небольшими партиями.
• После падения коммунизма многие артисты в изгнании, включая Владимира Горовица и Мстислава Ростроповича, вернулись в Россию, чтобы продолжать создавать и исполнять свою музыку. В этот период большая часть русской рок-музыки утратила креативность своего андеграундного периода и стала стилем имитировать западные группы.

Когда люди решают посетить Россию, они переносят головные боли, связанные с получением визы и долгим и трудным перелетом.(Если вы не из Антиподов или поблизости, вы не имеете права жаловаться на рейс — ред.) Но всех этих туристов объединяет то, что они ценят искусство, архитектуру и историю России и хотят узнать больше об этом. Классическая музыка — одно из самых почитаемых искусств в России. Русская классическая музыка имеет особую историю, отличную от Западной Европы и в то же время находящуюся под сильным влиянием западных стран. Некоторые из самых всемирно известных композиторов приехали из Санкт-Петербурга.Петербурга и Москвы, а также из небольших городов. Композиторы балетной музыки, оперные композиторы и даже джазовые музыканты оставили свой след в истории России. Чайковский, Рахманинов и Шостакович — это лишь некоторые из громких имен, которые узнает каждый меломан, но есть еще много других, которые уходят корнями в Россию. Следующая статья кратко объясняет место классической музыки в истории России, ее эволюцию и нынешнее положение.

Восемнадцатый и девятнадцатый века

Россия состоит из десятков различных этнических групп, каждая из которых имеет свои собственные формы традиций и народной музыки.В советское время музыка подвергалась тщательной проверке и сохранялась в определенных границах содержания и новаторства. После распада СССР рок и поп-музыка в западном стиле стали самыми популярными формами в России, возможно потому, что они символизировали демократию, свободу и культурный разрыв с репрессивным коммунистическим режимом. Но до советской эпохи российские композиторы и музыканты были новаторскими и влиятельными.

До 18 века русская музыка состояла в основном из церковной музыки, народных песен и танцев.В 1700-х годах в России появились итальянские, французские и немецкие оперы, что сделало оперу популярным видом искусства среди буржуазии.

В XIX веке Россия начала вносить оригинальный вклад в мировую музыку, почти такой же значительный, как и в литературу. В первой половине века Михаил Глинка (1804-57) положил начало применению чисто русской народной и религиозной музыки к классическим произведениям. Его оперы «Руслан и Людмила» и «Жизнь за царя» считаются новаторскими в становлении русской национальной музыки, хотя в их основе лежит итальянская опера.

В 1859 году было основано Русское музыкальное общество с целью поощрения музыкальных исполнений и признания классической музыки из Западной Европы. Самыми влиятельными фигурами в обществе были композитор Антон Рубинштейн и его брат Николай, основавшие влиятельные консерватории в Москве и Санкт-Петербурге (Антон Рубинштейн также был одним из лучших пианистов XIX века).

Во второй половине XIX века группа композиторов, получивших известность как «Могучая кучка» или «Могучая кучка» — Милий Балакирев, Александр Бородин, Цезарь Куй, Модест Мусоргский и Николай Римский-Корсаков — продолжил движение Глинки от подражания европейской классической музыке, добавив элементы русской народной музыки и сказок.Хотя большинство из них писали музыку под влиянием Запада, эта группа бросила вызов консерватизму Русского музыкального общества, написав большой объем работ, тематически основанных на истории и легендах России, а музыкально основанных на народной и религиозной музыке; Неудивительно, что эти две группы были более или менее соперниками. Среди наиболее заметных произведений «Могучей кучки» — симфоническая сюита Римского-Корсакова «Шахерезада» и оперы «Снегурочка и Садко», оперы Мусоргского «Борис Годунов и Хованщина», а также опера Бородина «Князь Игорь».Балакирев, протеже Глинки, был основателем и руководителем этой группы.

Петр Ильич Чайковский стоял вне этой группы. Хотя он не принимал сторону в описанной выше идеологической битве (он был слишком занят сочинением музыки), его музыка в значительной степени напоминала музыку Западной Европы. Он создал ряд устойчивых симфоний, опер и балетов, и даже при жизни он считался одним из ведущих композиторов мира.

Поколение, которое последовало за «Могучей кучкой» и Чайковского в конце XIX века, включало в себя талантливых и новаторских деятелей, таких как Сергей Рахманинов, гениальный пианист и композитор, иммигрировавший в Германию в 1906 году, ученик Римского-Корсакова Александр Глазунов, эмигрировавший из России в 1928 и Александр Скрябин, который привнес элементы мистики и литературного символизма в свои фортепианные и оркестровые произведения. Выдающиеся русские (и, в силу времени, когда они сочиняли, советские) композиторы ХХ века — Стравинский, Прокофьев и Шостакович.

Традиционная музыка не умерла среди всего этого интернационализма. В конце девятнадцатого века граф Увавров возглавил кампанию националистического возрождения, которая породила первые профессиональные оркестры с традиционными инструментами, начиная с Василия Андреева, который использовал балалайку в оркестре в конце века. На заре ХХ века Митрофан Пятницкий основал Пятницкий хор сельских крестьянских певцов.

Советская эпоха

В 1910-е годы в России стали популярны романсы в экзотическом русском, кавказском, цыганском и итальянском стилях. Величайшие и самые популярные исполнители романсов — главный из них Федор Шаляпин — обычно пели в операх, в то же время, когда они занимались этим новым жанром популярной музыки. Певцы, например Александр Вертинский, Константин Сокольский и Петр Лещенко, обычно сами сочиняли музыку и писали тексты. Однако с наступлением советской власти и угнетения экспериментирование не принесло особого успеха.

В 20 веке Россия продолжала производить некоторых из выдающихся композиторов и музыкантов мира, несмотря на подавление советскими властями музыки и других художественных мыслей, идей и представлений. Ограничения на то, что музыканты играют и где они выступают, вынудили многих артистов покинуть Советский Союз либо добровольно, либо через принудительную ссылку, но произведения эмигрантов продолжали собирать широкую публику, когда бы они ни исполнялись. В 1960-е годы Вячеслав Щуров организовывал концерты народных певцов со всей России.Таким образом, Щуров привлек к себе волну этномузыковедов, записывающих сельских народных музыкантов. Возможно, самой важной группой, за которой последовал Щуров, был Ансамбль Дмитрия Покровского. Более того, тогда же возникла группа музыкантов, называемых бардами. В целом государство игнорировало их, но такие барды, как Владимир Высоцкий, помогли вернуть популярность к традиционной музыке.

В этот же период зародился русский рок, который начался с группы Pojuschie Gitary. Они создали стиль под названием VIA, а позже выпустили первую русскую рок-оперу «Орфей и Эвридика».Среди других рок-групп той эпохи — «Цветы», «Синяя птица» и «Голубые гитары».

К 1980-м годам появились популярные фольклорные группы. Самыми популярными стали казак Казачий Круг и Песен Земли. Возник и музыкальный андерграунд (магнитиздат), где поэтические и сатирические музыканты, такие как Булат Окуджава и Владимир Высоцкий, получили известность на черном рынке, играя джаз и рок музыку. Они также положили свои стихи на музыку и стали популярными артистами с сатирическим посланием. Магнитизидат также записывал и распространял запрещенные фолк, рок и джаз небольшие партии.

Джазовые выступления были разрешены всеми советскими режимами, и джаз стал одной из самых популярных музыкальных форм в России. В 80-е годы трио Ганелина было самым известным российским джазовым комбо, выступавшим в Европе и США. Джазовые музыканты с Запада начали регулярно играть в Советском Союзе в 1980-х годах.

Рок-музыка, с другой стороны, строго контролировалась советскими властями, а количество записей было строго ограничено. Тем не менее молодежь России была очарована рок-музыкой Запада.Позже, в 80-х годах, когда коммунистический режим начал ослабевать, в России была более либеральная атмосфера в отношении музыки. Возникло несколько известных советских рок-групп, которые считались новаторскими, и такие группы множились на протяжении 80-х годов. Ленинградский рок-клуб, один из национальных сетей исполнительских клубов в 1986 году, был важнейшим местом распространения санкционированной рок-музыки.

Постсоветская эпоха

После падения коммунизма и восстановления демократии в бывшем Советском Союзе эпоха Горбачева ослабила многие ограничения, наложенные на творческую мысль и искусство, и многие артисты вернулись на родину, чтобы продолжать создавать и исполнять свою музыку. Пианист Владимир Горовиц, покинувший Советский Союз в 1925 году, успешно выступил в Москве в 1986 году, а виолончелист Мстислав Ростропович вернулся в Россию в качестве дирижера с Национальным симфоническим оркестром Вашингтона, округ Колумбия. утратили новаторский, сатирический и уникальный край эпохи магнитиздата, и эксперты отметили тенденцию рок-групп просто имитировать западные группы в своем стиле.

Музыка и русская революция — Британская библиотека

Полин Фэйрклаф обсуждает влияние русской революции на жизнь и карьеру российских композиторов.

В год революции — Февральской и Октябрьской революций 1917 года — и последовавшей за этим ожесточенной Гражданской войны музыкальная жизнь России, казалось, полностью разваливается. В стране, где родилась Русская национальная школа, Чайковского, Рахманинова и Стравинского, произошло кровопролитие музыкальных талантов, которое грозило разорвать на части все, что было создано с момента основания консерваторий в Москве и Санкт-Петербурге в 1860-х годах. Тем не менее, относительно немногие композиторы ставили перед собой задачу отразить эту бурю и стресс в течение самого революционного года, хотя эти события сильно повлияли на их собственную жизнь.

Чтобы понять, почему так много музыки 1917 года кажется на удивление безмятежной, нам нужно рассматривать революцию как момент времени, который, по крайней мере сначала, не остановил старую музыкальную культуру. Безусловно, первый удар уже был нанесен с началом Первой мировой войны, которая помешала гастрольным артистам приехать, прекратила существование нескольких частных серий концертов и отправила ряд композиторов на фронт.Это также помешало Игорю Стравинскому продолжить свою практику маршрутных перевозок в Париж и Устилуг, поместье его семьи на Украине, и обратно.

Но именно большевистская революция в октябре 1917 года привела к изгнанию Сергея Рахманинова: он был первым крупным композитором, который покинул ленинскую Россию, собрал чемоданы и уехал с семьей в ноябре 1917 года. Последняя музыка, которую он сочинил на российской земле, была для фортепиано: неопубликованная прелюдия ре минор и миниатюра Fragments , написанная 14 и 15 ноября 1917 года, буквально за несколько дней до поездки через границу в Финляндию, чтобы никогда не вернуться.Короткая прелюдия очень хроматична, тревожна по настроению и в ней доминирует угрожающая колеблющаяся фигура. Fragments намного мягче, но демонстрирует ту же эмоциональную неуверенность, с задумчивой, ищущей темой, обрамляющей беспокойный центр; музыка парит на грани того, чтобы стать более сильной страстью, но отступает от нее, вместо этого возвращаясь к задумчивым размышлениям.

Сергей Рахманинов: Фрагменты (1917). Исполняет Идиль Бирет, фортепиано. NAXOS. Шифр полки: 1CD0192278.

Используется с любезного разрешения Naxos Classical.

Александр Глазунов — Прелюдии и фуги op. 101

И все же, хотя уход Рахманинова стал огромной символической потерей для русской музыки, и хотя он был далеко не единственным, кто решил уехать, из тех, кто остался хотя бы на время, Александр Глазунов был, пожалуй, самым важным из всех. Не потому, что он был особенно значительным композитором — хотя он был невероятно талантливым и плодовитым, — а потому, что он оставался у руля Петроградской консерватории, поддерживал ее стандарты и репутацию, несмотря на собственные значительные личные трудности во время гражданской войны, и руководил ею. очень молодой Дмитрий Шостакович во время учебы там.

В прелюдиях и фугах op. 101 (1918–1923) мы ясно видим, каким выдающимся мастером этой эпической барочной формы на самом деле был Глазунов. Первый из набора, нет. 1 открывается величественной прелюдией в стиле французской увертюры: Бах, переосмысленный в 20-м веке, его сдержанный, суровый язык был очень красноречивым более чем двести лет спустя. Массивная, виртуозная фуга длится более десяти минут — внушительная длина может сравниться только с горсткой клавишных фуг самого Баха. Это показывает истинную ценность Глазунова как композитора и напоминает нам, почему так много лет спустя Шостакович признал свой огромный долг перед старшим композитором за то, что он закончил учебу с бесподобным пониманием формы и контрапунктом, которые лежали в основе всей его зрелой музыки.

Другой пожилой фигурой, оставшейся на несколько лет после революции, был композитор церковной музыки Александр Гречанинов. Вторая Литургия Св. Иоанна Златоуста Гречанинова (сочиненная в 1917 году, также известная как Домашняя литургия) необычна тем, что она написана для хора, струнных и органа, а не только для хора, что означало, что это могло быть только концертное произведение, поскольку инструменты запрещены. Православный обряд. Эта сияющая и прекрасная музыка — глаз спокойствия посреди урагана революции: настолько далеко от хаоса и стресса тех лет, насколько можно представить.

Но и эта музыка рассказывает революционную историю: вскоре православная музыка была запрещена, многие церкви разрушены, а священники арестованы. Павел Чесноков, современник Гречанинова, церковный музыкант, был последним хормейстером московского Храма Христа Спасителя, снесенного по указанию Сталина в 1933 году, после чего Чесноков больше не писал музыку до своей смерти в 1944 году. Литургия святого Иоанна Златоуста была установлена многие русские композиторы, в том числе Чайковский, Римский, Корсаков, Гречанинов, Михаил Ипполитов-Иванов, Александр Кастальский, Рахманинов и Чесноков (его в 1914 году).Дом Гречанинова был последним местом в России до распада Советского Союза в 1991 году.

Игорь Стравинский —

Les Noces, Pulcinella

Гречанинов покинет Россию в 1925 году и сделает свой последний дом в Соединенных Штатах. Другим постоянным изгнанником был, конечно же, Стравинский, который оказался отрезанным войной до того, как большевистская революция закрыла границы России и сделала его изгнанником, а не просто русским композитором, работающим в настоящее время в Европе. «Свадьба » «» — последний из его балетов Сергея Дягилева в русской народной тематике, законченный в 1917 году, хотя премьера состоялась лишь несколько лет спустя.И это произведение, пусть и косвенно, повествует еще одну революционную историю.

«Свадьба» , как по музыке, так и по декорациям и сценарию — русская крестьянская свадьба — является продуктом уникального момента времени, а также, по сути, произведением миграции. Хотя его корни можно найти в русских народных источниках — русских этнографических книгах и сборниках песен, изданных в XIX веке, — модернистская обстановка обязана европейскому примитивистскому художественному движению, возможно, лучшим примером которого является Пабло Пикассо, с которым Стравинский вскоре начал сотрудничать. его балет Пульчинелла .

Тем не менее, стиль примитивизма Стравинского имел уникальный русский колорит, и это лучше всего иллюстрирует художник по костюмам для Les Noces , российская художница Наталья Гончарова. Хотя Гончарова также исследовала футуристические темы в своих картинах 1910-х годов, она была мастером стилизованного русского крестьянского искусства — такие картины, как Крестьянки собирают яблоки (1911), во многом визуально эквивалентны необычной музыке Les Noces .

Русский крестьянин, который подвергся этому радикальному лечению, был не столько символом ностальгии, сколько возрождением и возрождением народной самобытности, а способом найти «настоящее» в эпоху изумительной механизации и урбанизации. .Стравинский не испытывал ностальгии по народной России в тот момент, когда он решил сочинить Les Noces — произведение было задумано еще в 1913 году, — но на всю жизнь он сохранил глубокую привязанность к произведению, которое со временем действительно прониклось его собственным. чувство потери по России своего детства.

Игорь Стравинский, Les Noces , в исполнении Элисон Уэллс, Сопрано, Сьюзан Бикли, Меццо-сопрано, Мартина Хилла, Тенора, Алана Юинга, Basso-profundo, Simon Joly Chorale, International Piano Quartet, Percussion Ensemble Тристана Фрая, дирижировал Роберт Крафт (NAXOS).Сцена вторая — В доме жениха (отрывок). Шифр полки: 1CD0237781.

Используется с любезного разрешения Naxos Classical.

Блокнот Стравинского «Пульчинелла»

Записная книжка Стравинского к балету « Пульчинелла », как полагают, была подарена им Пикассо в июне 1920 года.

Просмотр изображений из этого элемента (17)

Условия использования Воспроизведено с любезного разрешения издателей: Boosey & Hawkes Music Publishers Ltd. Если иное не разрешено вашим национальным законом об авторском праве, этот материал не может быть скопирован или распространен в дальнейшем.
принадлежит © Boosey & Hawkes

Игорь Стравинский, Пульчинелла , Одноактный балет с песней для небольшого оркестра и тремя сольными голосами. Исполняет Лондонский симфонический оркестр под управлением Роберта Крафта (NAXOS). 2. Серената. Шифр полки: 1CD0257478.

Используется с любезного разрешения Naxos Classical.

Сергей Прокофьев — Симфония № 1 «Классический»

Ослепленный успехом Стравинского в Европе, Сергей Прокофьев пошел по его стопам в том же возрасте — 27 лет — и отправился искать счастья с Дягилевым и Ballets Russes в Париже. Он никогда не намеревался уезжать из России навсегда и, подобно блестящему фельетону и новеллисту Тэффи (сбежавшему в Европу летом 1918 года, всего через несколько месяцев после отъезда Прокофьева), думал, что скоро вернется. Но Прокофьев не осознавал, в какой степени его страна находилась в состоянии близкого к коллапсу: когда он безмятежно путешествовал по Транссибирской магистрали во Владивосток (а оттуда в Японию, Гонолулу и США), играя в шахматы и читая философию, Сама линия оказалась под угрозой из-за боевых действий. Поезд Прокофьева на какое-то время станет последним транссибирским.

Его музыка 1917 года преподносит нам еще один сюрприз: «Классическая» симфония была написана в течение месяцев борьбы, в результате которой Временное правительство было отстранено от власти и изгнано, а на его место была установлена ​​администрация Ленина.Он писал это в основном в своем загородном уединении Саблино, тихой гавани примерно в сорока километрах к югу от Петрограда, счастливо гуляя по полям и лесам и, как он записал в своем дневнике, «обнимая себя с восторгом», как он писал. финал. Попутно он подумал, не было ли веселое настроение его симфонии чем-то неприличным; и хотя мы обычно не помним о связи между этой работой и темной историей, стоящей за ней, именно это возвышающее качество вызывает еще одну из тех очевидных аномалий, когда мы смотрим на музыку, написанную в год самой революции.

Сергей Прокофьев: Симфония №1 ре мажор, «Классика», Op.25. Исполняет Симфонический оркестр Сан-Паулу под управлением Марина Олсопа. NAXOS. Гавотта — Non troppo allegro. Шифр полки: 1CD0343375.

Используется с любезного разрешения Naxos Classical.

Артур Лурье —

Фортепиано в детской

Намного менее известный, но влиятельный в новом большевистском режиме композитор Артур Лурье, близкий современник Прокофьева.Хотя изначально ему была предоставлена ​​большая власть, он быстро разочаровался и ушел (под предлогом быстрого возвращения) в 1922 году. Стремясь утвердиться в качестве нового захватывающего голоса современности, он публично присоединился к русскому футуристическому движению, хотя фактически, большая часть его музыки не могла быть услышана как звуковой эквивалент художественного движения, которое в 1912 году смело выступало за «выброс за борт» Пушкина и других русских классиков «с парохода современности».Фортепиано Лурье в детской комнате («Роял в детской») также относится к революционному 1917 году, но не демонстрирует ничего более авантюрного, чем мягкий пентатонизм («Фарфор пастораль»), а движение «Богги-мэн» даже перекликается с « Крупный рогатый скот »из Картинки с выставки .

Этот восхитительный набор миниатюр помещает Лурье в весьма своеобразную историческую нишу: он явно отсылает к Дебюсси и Мусоргскому, но сочетает их с легкими шоковыми эффектами пианизма начала 20-го века: скромным диссонансом, дерзкими группами тонов и случайными глиссанди.Его звуковой мир помещает его где-то между Детским уголком Дебюсси и его точным современником, Visions Fugitives Прокофьева, с которым он делится своей блестящей характеристикой и использованием крайностей фортепианного регистра.

Артур Лурье:

Фортепиано в детской

Книга Артура Лурье «» Фортепиано в детской ««, написанная в 1917 году, была издана в 1920 году музыкальным отделом Советского государственного издательства с иллюстрациями художника-графика и художника Петра Васильевича Митурича.

Просмотр изображений из этого элемента (4)

Условия использования Воспроизведено с любезного разрешения издателей: Boosey & Hawkes Music Publishers Ltd. Если иное не разрешено вашим национальным законом об авторском праве, этот материал не может быть скопирован или распространен в дальнейшем.

Собственник © Boosey & Hawkes

Артур Лурье, Рожаль в детской (Фортепиано в детской) в исполнении Морица Эрнста, фортепиано.NAXOS. 3. Па (Хорош как золото). Шифр полки: 1CD0360431.

Используется с любезного разрешения Naxos Classical.

Заключение

Парадокс «революционной» музыки в России состоит в том, что настоящая музыка революции, как мы могли бы ее сначала подумать, — музыка, которая поддерживала большевистский режим и явно обращалась к массовой пролетарской аудитории, — развивалась за многие годы. В конце концов, именно молодое поколение Шостаковича и его соратников-модернистов 1920-х годов, таких как Александр Мосолов, откликнулось на то, что означало «Октябрь» в музыке, с такими произведениями, как «Завод » Мосолова 1927 года. ), явно вдохновленные хором Pacific 231 1923 года Онеггера и Второй симфонией Шостаковича «К Октябрю», посвященной десятой годовщине революции и написанной революционными стихами, которые заканчивались словами — выкрикиваемыми хором — «Октябрь, Коммуна и Ленин! ‘

Александр Мосолов:

Завод

Завод ( The Iron Foundry ) изначально входил в балет Мосолова « Сталь » ( Сталь ) и стал его самым известным произведением.

Просмотр изображений из этого элемента (2)

Условия использования Воспроизведено с разрешения UNIVERSAL EDITION A.G., Wien. Если иное не разрешено вашим национальным законом об авторском праве, этот материал не может быть скопирован или распространен в дальнейшем.
Хранится © Universal Edition

• По сценарию Полин Фэйрклаф
• Полин Фэйрклаф пишет о советской музыке и культуре и является профессором музыки в Бристольском университете. В настоящее время она пишет биографию Шостаковича для Reaktion Press.

Влияние России на американскую музыку

Дискуссия «между культурами всегда способствует ослаблению стереотипов о« другой »культуре и помогает осмыслить ее историю как бы изнутри», — отметил Виктор Юзефович на семинаре Института Кеннана. состоялась 18 февраля 2003 г.Юзефович, к которому присоединились участники дискуссии Энн Шварц и Леонид Грабовский, обсудили, как музыка служит международным языком между культурами, особенно в случае России и Америки.

Юзефович, музыковед из Вашингтона, округ Колумбия, обрисовал несколько способов, которыми американская музыка находилась под влиянием других культур, подчеркнув, что «никакое влияние на американскую музыку не лишило ее поразительной самобытности». По словам Юзефовича, смешение различных музыкальных традиций «расширило диапазон звуков, которые американское ухо смогло оценить, сделав американскую музыку более эклектичной, чем европейские культуры, которые имели тенденцию быть« мононациональными ».«Это расширение позволило американским музыкантам и композиторам смешивать звуки и паттерны из разных музыкальных культур, в том числе из России. Юзефович отметил, что многонациональный характер музыкального фольклора в России и США сочетается с наличием большого количества русских музыкантов в Америке «способствовали тому, что американцы испытывали близость к русской культуре».

По словам Юзефовича, «русское нашествие» музыкантов началось во второй половине XIX века.Он объяснил, что выступления Антона Рубинштейна в 1872 году, бостонская премьера Первого фортепианного концерта Чайковского в 1875 году и последующие сольные концерты Чайковского в Нью-Йорке, Вашингтоне, Филадельфии и Балтиморе в 1891 году были одними из первых взаимодействий между американской и русской музыкальными культурами.

Юзефович отметил, что другие композиторы, такие как Рахманинов, Набоков и Шиллингер, сделали Америку своей «второй родиной», что способствовало влиянию России на американскую музыку.
Юзефович утверждал, что приезд Игоря Стравинского в Америку в 1939 году положил начало времени беспрецедентного влияния России на американскую музыку.Он объяснил успех Стравинского «предрасположенностью американской музыки к модернизму». Юзефович объяснил, что, поскольку американская музыка не прошла через различные культурные периоды европейского Возрождения, американские композиторы не были обременены «монополией классических жанров, которые были стандартом в Европе, и новаторы не были вынуждены разрушать многовековые традиции. »

Грабовский, композитор, ныне живущий в Нью-Йорке, рассказал о взаимоотношениях между русскими и американскими композиторами ХХ века.Он утверждал, что школа Ференца Листа в Веймаре, Германия, которая привлекала лучших молодых композиторов Европы, скорее всего, была тем местом, где американские композиторы впервые познакомились со своими русскими коллегами. По словам Грабовского, между этими молодыми композиторами возникло «взаимовлияние», в результате чего сложился стиль композиции, просуществовавший до начала 20 века.

Грабовский утверждал, что на рубеже веков немецкое господство в музыке стало ослабевать, и Париж стал «столицей мира искусства».Игорь Стравинский, живший в то время в Париже, оказал центральное влияние на американскую музыку и ее композиторов. По словам Грабовского, неоклассический стиль композиции Стравинского и его искусство оркестровки состояли из «безграничной свежести воображения, изобретения необычных инструментальных комбинаций и оркестровых наборов », оказал сильное влияние на поколения композиторов.

Шварц, профессор музыки, Барух-колледж Городского университета Нью-Йорка, предположил, что история фортепиано и стиль исполнения на фортепиано виртуоз — это общая традиция двух культур.Она утверждала, что прием русских композиторов и исполнителей в Соединенных Штатах иллюстрирует влияние России на американскую музыку. История русского виртуоза в Америке начинается с приезда Антона Рубинштейна в США в 1872 году. По словам Шварца, тур Рубинштейна, который состоял из 215 сольных концертов за 239 дней, был важен, потому что «он принес современный фортепианный репертуар в маленькие города. и регионы, где было бы мало возможностей для концертов классической музыки.Она утверждала, что Рубинштейн помог сформировать американские музыкальные вкусы в конце девятнадцатого века, потому что «в его игре было великолепие, чрезвычайно страстное, спонтанное качество, которое пленило американскую публику».

Вторя высказываниям Юзефовича и Грабовского, Шварц заявил, что Чайковский был были тепло приняты в Соединенных Штатах, и «помогли сформировать музыкальный вкус в Америке через пропаганду современного российского репертуара». Она утверждала, что Сергей Рахманинов, Игорь Стравинский и Йозеф Хофманн внесли значительный вклад в американскую музыкальную композицию и педагогику.

Шварц в заключение заявил, что дискуссии о влиянии культуры имеют большое значение, потому что «культурное общение пробуждает в слушателе осознание красоты музыки и способствует более глубокому пониманию музыкального искусства и общества, которое питает его».

No related posts.