Немецкие знаменитые композиторы: Знаменитые немецкие композиторы | Интересные факты о классической музыке

Знаменитые немецкие композиторы | Интересные факты о классической музыке

От B (Bach и Beethoven) до S (Schumann). Германия – родина многих музыкальных гениев. Эти композиторы оказали глубокое влияние на развитие западной музыки, а их сочинения исполняются во всем мире.

Иоганн Себастьян Бах (1685–1750): гений не приходит один

Иоганн Себастьян Бах сочинял в эпоху барокко. Его творчество включает 1126 кантат, прелюдий, месс и хоралов. Он известен своими Бранденбургскими концертами, хорошо темперированным клавиром, мессой си минор и многими другими инструментальными шедеврами.

Вы знали, что Бах был членом музыкальной династии? Его прадед был волынщиком, дед – придворным музыкантом. Его отец был скрипачом, органистом, придворным трубачом и литавристом. Как минимум двое его дядей сочиняли музыку. Три брата, которых также звали Иоганн, стали музыкантами. Иоганн Себастьян (его прозвище) Бах имел 20 детей. Из тех, кто пережил детство, как минимум пятеро стали композиторами.

Людвиг ван Бетховен (1770–1827): глухой композитор

Он был гуманистом, радикальным новатором в музыке, провидцем – и до сих пор остается одним из самых популярных композиторов в мире. Все это Людвиг ван Бетховен. Потеря слуха, начавшаяся в его конце двадцатых годов, не помешала Бетховену сочинять. Когда в 1824 году состоялась премьера его знаменитой Девятой симфонии, Бетховен уже десять лет был глухим. Тема последней части симфонии позже стала гимном Европы (в инструментальной аранжировке).

Здесь вы узнаете интересные факты о немецких композиторах.

Роберт Шуман (1810–1856): весенние чувства

18-летний Роберт Шуман приехал в Лейпциг изучать право. Через год он переключился на музыку. Он переехал в квартиру своего учителя фортепиано Фридриха Вика и получил образование пианиста. Там он впервые познакомился с Кларой Вик, девятилетним вундеркиндом, играющим на фортепиано. Его вдохновляла любовь: в 1840 году он женился на Кларе и сделал год свадьбы настоящим «годом песни». Он написал около 150 фортепианных пьес, в том числе известный цикл «Весна любви».

Начните здесь свой виртуальный тур по дому Шумана в Лейпциге.

Клара Шуман (1819–1896): Между славой и забвением

Супруги Роберт и Клара Шуман считаются самой известной творческой парой в эпоху романтизма. Но Клара Шуман была чем-то намного большим, чем просто женой композитора. Она была выдающейся пианисткой и крупным композитором. При жизни Клара была известна даже лучше, чем ее муж. Многие музыкальные критики считают «Фортепианное трио op.17» 1846 года кульминацией ее творчества.

Знаете ли вы, что Клара Шуман была лицом на банкноте 100 немецких марок с 1989 по 2002 год?

© www.deutschland.de

You would like to receive regular information about Germany? Subscribe here:

легендарные люди, которые остаются за кадром / Игры

Музыка — это самый сильный вид магии.

Мэрилин Мэнсон

 

Оценить по достоинству внутриигровую музыку — это зачастую прерогатива игрока опытного. Юноша со взором горящим из шестого класса средней школы обязательно оценит в первую очередь «крутой графон» и возможность задавить старушку угнанным мусоровозом. Игроки, увлечённые давно и всерьёз, знают, что без правильной музыки хиты хитами могли бы и не стать.

Всё, о чем мы будем говорить ниже, лучше один раз послушать, чем сто раз об этом прочитать. Так что вот вам плейлист с замечательной игровой музыкой на «Яндекс.Музыке», а также наше новое видео с подборкой из 14 композиций.

Ну а лучшие образцы музыкального сопровождения можно — и нужно! — слушать в отрыве от игр, просто для получения эстетического удовольствия. Перечисленные ниже господа пишут именно такую музыку. Их имена необходимо знать, если вы считаете себя ценителем и знатоком хороших видеоигр. И не забудьте прослушать композиции из этого материала — вы не пожалеете, даже если не играли в те проекты, для которых музыка писалась.

28 января выйдет амбициозный хоррор The Medium. Игра примечательна не только консольной эксклюзивностью семейства Xbox — над музыкальным сопровождением потрудился великий и ужасный Акира Ямаока. С него и начнём.

Станет ли The Medium новой Silent Hill? Скоро узнаем

Акира Ямаока

Японец, 1968 года рождения.

Через творчество Ямаоки красной нитью проходит мистика и любовь к жанру хоррор. Минорная направленность в его творчестве чётко обозначена, и даже если им написана спокойная баллада, в ней обязательно будет сквозить печаль и чуть ли не болезненная тоска. Красивые, мигом запоминающиеся мелодии Ямаоки в большинстве своём звучат в видеоиграх о потусторонних мирах, демонах, зомби и городках, накрытых туманом.

Ямаока долгое время работал с компанией Konami и написал музыку ко многим играм культовой серии Silent Hill. В одном из интервью он сказал: «В Silent Hill я сразу узнал проект своей мечты». Именно на примере франшизы Silent Hill отчётливо видно, как много значит работа композитора для успеха игры.

Акира Ямаока живо заинтересовался разработкой Silent Hills и, судя по всему, написал бы саундтрек для этого многообещающего проекта. Но суровая реальность не дала сбыться планам, Silent Hills была отменена. 

Проверено опытным путём: такие вещи, как Theme of Laura из Silent Hill 2, моментально «цепляют» даже людей, максимально далёких от видеоигр. Из характерных композиций также стоит обозначить Another Warm Body (Silent Hill: Shattered Memories), где очень органично соединяются красивые инструментальные партии и чуть ли не осязаемая тревога. А о разных сторонах таланта композитора можно узнать из таких вещей, как Love For My Insane Lover — озорной панк-рок был написан для Lollipop Chainsaw, где юная чирлидерша кромсает бензопилой стаю зомби. Стопроцентное попадание каждой ноты в стилистику игры.

Звука побольше! Порадуйте соседей! (Lollipop Chainsaw)

Акира Ямаока лёгок на подъём: он четырежды (!) приезжал с концертами в города России и побывал в Минске. Композитор отмечал, что русскоязычная публика максимально открыта для восприятия чужой культуры, для нового опыта.

Джереми Соул

Уроженец США, родился в 1975 году.

Джереми Соула отличает мастерское применение симфонического звучания в игровых саундтреках. Его треки величественны, а визитной карточкой композитора стали темы к эпическим ролевым играм или масштабным стратегиям. Соулу по силам написать и величавый гимн для фантастического приключения, и лирический мотив — эмоциональный отклик слушателя в любом случае обеспечен.

В историю геймдева Соул вошёл за музыкальное сопровождение к играм серии The Elder Scrolls. В своё время главным событием года (пятилетки? века?) на постсоветском пространстве стал релиз TES III: Morrowind — в неё играли или пробовали играть все без исключения, для неё выпускали моды, ей посвящали художественные рассказы и многостраничные руководства по оптимизации… Ветераны жанра запомнили Morrowind во многом благодаря музыке Соула. Невероятная заглавная тема или пронзительная скрипка, звучавшая в спокойствии вварденфельской ночи под звёздным небом, — во время игры музыка обеспечивала сильнейшее чувство погружения и сопричастности жизни по ту сторону экрана.

В ролевом жанре композитор удачно отметился и в таких известных проектах, как Star Wars: Knights of the Old Republic и Neverwinter Nights.

По поводу грядущей TES VI Джереми сказал: «в данный момент с разработкой я не связан». Нам кажется, что ключевые слова здесь — «в данный момент». 

Здорово у Соула получаются и воинственные мотивы — куда без них в мире фэнтези и фантастики. Dragonborn для TES V: Skyrim или Ork Theme для Warhammer 40,000: Dawn of War могут разогнать кровь в жилах любого флегматика.

Драконорождённому никак без музыки под стать

Джереми Соул неоднократно сотрудничал с русскоязычными разработчиками игр. Им были написаны треки для стратегии Order of War от белорусской команды Wargaming.net, для «Ил-2 Штурмовик: Крылатые хищники» и для многопользовательского титана War Thunder. Музыка не знает границ.

Мартин О’Доннелл

Американец, родился в 1955 году.

Мартин О’Доннелл получил мировое признание своими работами над играми компании Bungie.

О’Доннелл смог ухватить суть видеоигр, для которых писал музыку. Практически все проекты Bungie стали масштабными, глубокими и «долгоиграющими». Композитор смог прекрасно подчеркнуть эти особенности симфоническим саундтреком с умелым применением вокала, зачастую — хорового, что звучало особенно круто. 

Первой игрой, для которой Мартин О’Доннелл писал музыку, стала революционная Myth: The Fallen Lords, которая в далёком 1997 году показала, что стратегия может быть новаторской, жёсткой, сложной, с невиданно реалистичной физикой. Для истории о спасении целого мира от сил Зла нужна была соответствующая музыка, и Мартин потрудился на славу. Треков было много, они были разными по настроению, но вся музыка в игре звучала очень сильно и идеально подходила к процессу. Суровое тёмное фэнтези должно отдаваться в голове именно так.

И когда для серии Halo команда Bungie с нуля построила вселенную, Мартин О’Доннелл написал ряд композиций, которые языком нот громко заявляли — да, это дивный новый мир, добро пожаловать.

Суровый мир Halo зазвучал музыкой О’Доннела

И нет ничего удивительного, что для создания музыки к своей самой масштабной франшизе, Destiny, Bungie вновь привлекла именно О’Доннелла.

В настоящее время Bungie занята игрой в совершенно новой вселенной. Жаль, музыки Мартина мы там не услышим: в 2014 году между студией и композитором произошла крайне неприятная история и последовала долгая судебная тяжба — как обычно, из-за денег. И хотя окончательное решение было вынесено в пользу О’Доннелла, стороны крепко побили горшки и в дальнейшем вряд ли станут сотрудничать. 

Йеспер Кюд

Родился в Дании в 1972 году.

Датчанин Йеспер Кюд, с лёгкой руки отечественной прессы и пиратских переводчиков долгое время считавшийся Джеспером Кидом, отличается широким разнообразием творческих приёмов.

В зависимости от задачи Йеспер удивляет публику разными способами, но с неизменно убедительным результатом. Он может написать по-хорошему пафосную тему для самых волнующих эпизодов в приключениях Эцио Аудиторе, может выдать забористую электронщину для Unreal Tournament 3 или озвучить стартовый экран для очередной серии Hitman вокальной партией Ave Maria. 

Кюд предпочитает писать, по его же словам, гибридную музыку, не уходя в чистый фэнтези-инструментал или другое направление.

Неудивительно, что датчанин Кюд часто работал с датской же командой IO Interactive. Хотя Йеспер покинул родину и проживает в Калифорнии, с земляками он не только сотрудничает, но и дружит. Композитор создал музыку для таких хитов IO, как серия Hitman, Kane & Lynch, Freedom Fighters. Его музыка украсила несколько игр франшиз Assassin’s Creed и Borderlands. Учитывая напористость и трудолюбие Кюда, стоит предположить, что его magnum opus ещё впереди.

Assassin’s Creed 2 многие поклонники серии называют лучшей. В этом есть немалая заслуга Кюда

Ну а в 2005 году Йеспер Кюд получил престижную британскую премию BAFTA за музыку к игре Hitman: Contracts. И этот приз, по словам скромняги Кюда, стал для него полной неожиданностью. 

Кирилл Покровский

Российский музыкант и композитор (25 марта 1962 — 1 июня 2015).

Покровский стал известен как музыкант таких рок-групп, как «Ария» и «Мастер». Перед развалом Советского Союза он переехал в Бельгию, где и началось его сотрудничество с командой мастеров компьютерных RPG Larian Studios.

C основателем студии Larian Свеном Винке Покровский познакомился, когда Винке был ещё студентом. Именно Свен убедил композитора, что видеоигры — очень перспективная сфера массовой культуры. В самой первой игре будущей ролевой франшизы Divinity уже звучали треки Покровского.

Для создания подходящего настроения и атмосферы Покровский использовал богатую звуковую палитру, порой с неожиданным выбором инструментов. Также в его игровых композициях нередко звучал умело подобранный вокал, как, например, в Scorching Wind для Divine Divinity.

Покровский быстро нашёл свой уникальный стиль в игровой музыке. Так, в заглавной теме для Divinity: Original Sin очень необычно и трогательно звучит скрипка. А в композиции Afterburner для Divinity: Dragon Commander ощущается напор и даже агрессия звука, ведь речь в игре идёт о масштабной войне.

Divinity: Dragon Commander стала неординарной смесью жанров, для которой потребовался неординарный саундтрек

Причина смерти композитора по сей день не озвучена. Покойся с миром, Кирилл, твоя музыка навсегда останется в наших сердцах.

Ханс Циммер

Немецкий композитор, год рождения — 1957-й.

У Ханса Циммера есть своя собственная звезда на «Аллее славы» в Голливуде. Особых успехов и признания он добился как автор музыки к кинофильмам. Ханс писал саундтреки к «Скале», «Гладиатору», «Тёмному рыцарю», а на его книжной полке красуется «Оскар», парочка «Золотых глобусов» и ещё масса наград.

 

Участие Циммера подтвердило состоятельность видеоигр как полноценного направления искусства. Написав саундтреки уже для игровых, а не голливудских блокбастеров Crysis 2 и Call of Duty: Modern Warfare 2, композитор обозначил своё отношение к геймдеву — это ничуть не менее серьёзно, чем большое кино.

В своей игровой ипостаси Циммер остался верен традициям кино. Его музыка для шутеров эпична и моментально задаёт тон предстоящему экшену. Ну а для Beyond: Two Souls Ханс написал несколько иную — но неизменно классную! — музыку. В соавторстве с Лорном Бэлфом он выдал композицию Jodie’s Suite с волшебным женским вокалом, а также ещё несколько очень достойных тем.

Для большой и дорогой игры музыка так же важна, как для большого и дорогого кино (Call of Duty: Modern Warfare 2)

В последнее время Ханс Циммер плотно занят кинопроектами. В течение 2020 года он писал музыку для новой «Дюны», «Топ Гана» с Томом Крузом и для новой серии похождений агента 007. В условиях пандемии композитор даже оборудовал на дому настоящую студию звукозаписи. Нам почему-то кажется, что мы ещё услышим творения Циммера в новых видеоиграх. 

Мик Гордон

Австралийский композитор, родился в 1985 году.

Самый молодой из перечисленных маэстро. Этим, возможно, и объясняется основной стиль творчества Мика Гордона. Он пишет адреналиновую, яростную музыку с осязаемой энергетикой для крутых экшен-игр. Работы Гордона транслируют угар, азарт и даже злобу — именно такие цели сам композитор и обозначает, здесь уж жанр обязывает.

Наиболее известные свои композиции Гордон написал для такой шутерной неоклассики, как последние части Doom и перезапущенные Wolfenstein. 

Мик Гордон смело экспериментирует со звуком: в его работах органично сочетаются тяжёлые запилы на электрогитарах (в том числе восьмиструнных) и звуковые эффекты совершенно неожиданного рода, как в композиции с говорящим названием Kill Everyone для Wolfenstein: The New Order. В качестве примера нестандартного подхода Гордона можно послушать тему The Phantoms для Prey (2017), это музыка совершенно инопланетная.

Музыку из Doom стоит поставить на будильник, если вы не можете встать утром

Гордон очень скрупулёзно подходит к своему труду. К примеру, для создания музыки к Doom он не поленился прилететь из Австралии в Штаты и уже там начал глубоко погружаться в тему. И для этого он сначала отыграл сотню сетевых боев с сотрудниками id Software!

Жаль, что и эта история не обошлась без разлада между замечательной студией-разработчиком и не менее замечательным композитором.

Инон Зур.

Страна — Израиль, год рождения — 1965-й.

Зур написал саундтреки для впечатляющего количества видеоигр. Но, пожалуй, лучшие его вещи звучат в RPG: в сериях Fallout, Dragon Age, Champions of Norrath, в Pathfinder: Kingmaker. Инону Зуру каким-то тайным волшебством удаётся привлечь в игровые миры искателей приключений, эскапистов, романтиков — поклонников RPG, если короче.

В этом плане примечательна одна из его работ для последней RPG эпохи двухмерного графического движка Infinity. Для Icewind Dale 2 Зур написал тему Town Targos Rhapsody, и тема эта примечательна не просто сопровождением приключений в кадре, а именно ожиданием, предвкушением тех самых приключений. Плавное и очень красивое звучание живых инструментов сопровождало ватагу авантюристов в спокойных экскурсиях по портовому городу Таргосу. А для более поздней Dragon Age: Origins Зуром была написана трогательная бардовская композиция Leliana’s Song, звучавшая в игре на ночёвке у костра. Впрочем, Инон может и встряхнуть игрока — достаточно послушать суровую тему Never Surrender для Fallout 3.

Что за эпическая игра без эпической музыки? (Dragon Age: Origins)

Инон Зур старается максимально вжиться в мир той видеоигры, для которой пишет музыку. Так, при работе над треками к Dragon Age 2 композитор участвовал в бета-тесте и отправил команде BioWare 360 сообщений об ошибках! 

Когда Инона спросили об источниках вдохновения, композитор ответил, что окружающий мир полон звуков, к которым просто нужно прислушаться. А в интервью IGN Зур простодушно завил, что если бы он жил в мире Dragon Age, то хотел бы быть орком и крушить все вокруг. Люди искусства — действительно многогранные личности. 

Оливье Деривьер

Французский композитор, родился в 1978 году.

Деривьер написал много отличной музыки для самых разных видеоигр. Но его лучшие, пожалуй, работы звучат в экшен-хоррорах, таких как Alone in the Dark (2008), и суровых ролевых играх вроде Vampyr. Хотя Деривьер без проблем перестраивается под Streets of Rage 4 или, скажем, франшизу об ассасинах.

В своих трудах Оливье обращается к эмоциям слушателя напрямую. Его музыка не может звучать как фон, она забирает внимание целиком и сразу.

Одна из лучших композиций Деривьера — Edward Carnby для перезапуска Alone in the Dark, где симфоническая оркестровка дополняется каким-то запредельным женским вокалом (голос — самый сильный музыкальный инструмент, по мнению маэстро). Вокальные партии исполнил женский хор радио и телевидения Болгарии. Видеоклип из игры, к слову, долго крутился на канале MTV в лучшее эфирное время. А в жутковатом приключении 2019 года A Plague Tale: Innocence Деривьер провёл просто фантастическую работу со струнными инструментами — такой скрипки и виолончели в играх ещё не было.

Своей музыкой Деривьер умело подчеркнул драматизм сюжета A Plague Tale: Innocence

В настоящее время композитор задействован в проекте-долгострое Dying Light 2 о мире зомби — тёмная сторона не отпускает его, а он и не против.

И музыку, и видеоигры Оливье полюбил с раннего детства. Музыкальной грамоте он начал обучаться с пяти лет, а в первые игры рубился ещё на Commodore 64. Уже состоявшимся музыкантом Оливье выбрал стезю игрового композитора, поскольку увидел на рубеже веков, как стремительно развивается мир интерактивных развлечений.

Когда Деривьера спрашивают, почему он не выбрал кино, композитор отвечает, что киномузыка достигла своего пика с Джоном Уильямсом (автор саундтреков для «Звёздных войн» и «Индианы Джонса»). А вот у музыки для игр всё ещё впереди.

***

Конечно, мы перечислили далеко не всех достойных композиторов из мира видеоигр. Высказывайтесь в комментариях — кто ещё достоин признания? Чьи треки полюбились, запомнились и лично для вас стали классикой? Возможно, мы подготовим продолжение материала.  

Если Вы заметили ошибку — выделите ее мышью и нажмите CTRL+ENTER.

Великие композиторы XIX века: И.Брамс. Ф.Лист. Э.Григ

Шедевры европейской музыки XIX века представит на сцене Большого зала консерватории 24 мая Московский государственный академический симфонический оркестр. Прозвучат два блестящих романтических концерта для фортепиано с оркестром — Концерт ля минор Э. Грига и Концерт №1 ми-бемоль мажор Ф. Листа (солист — лауреат международных конкурсов Никита Мндоянц), а также Симфония №3 фа мажор И. Брамса. За дирижерским пультом — один из самых востребованных дирижеров молодого поколения Филипп Чижевский.

 

Имя Ференца Листа связано с величайшим расцветом фортепианной музыки эпохи романтизма. Исполнитель, покоривший своей фантастической техникой и артистизмом весь европейский континент, также является одним из ярчайших композиторов середины XIX века. Свой Первый фортепианный концерт он задумал еще в двадцатилетнем возрасте, но закончил лишь спустя четверть века (1846). Это масштабное четырехчастное сочинение, объединенное принципом монотематизма, содержит немало виртуозных и лирических страниц. Партии солиста нисколько не уступает партия оркестра, полная экспрессии и тонких тембровых красок.

 

Именно Лист оказал особое внимание и поддержку молодому норвежскому композитору Эдварду Григу, высоко оценив его Фортепианный концерт (1868). Ныне это одно из известнейших произведений классической музыки, в котором лирический характер музыки и изумительный мелодизм сочетаются с жанровым колоритом норвежской народной музыки.

 

Немецкий композитор Иоганнес Брамс находился в 1880-е годы на вершине своей славы. Дирижер и пианист Ганс фон Бюлов, которому посвящена Третья симфония Брамса (1883), считал его третим великим «Б» в истории немецкой музыки: Бах — Бетховен — Брамс. Симфонии Брамса продолжают традиции Бетховена, но сложившийся четырехчастный цикл обогащается изнутри новым романтическим содержанием, а центр драматического развития переносится из первой части в финал сочинения. Третья симфония начинается в жизнеутверждающем мажоре, ее вторая часть — камерное анданте с бесхитростной мелодией, а красивейшая тема третьей части, меланхоличного романса, стала одной из самых популярных не только в творчестве Брамса, но и во всей истории музыки. Наконец, минорный финал — самая протяженная часть симфонии, где, по словам музыковеда А. Кенигсберга, «раздражается давно готовившаяся буря». В коде буря утихает, и возвращаются во фрагментах ведущие темы симфонии.

 

Никита Мндоянц — пианист-вундеркинд, впервые выступивший с сольным концертом в возрасте девяти лет. Во время учебы в Московской консерватории он завоевал первую премию на конкурсе имени И. Падеревского в Польше (2007) и вошел в число финалистов конкурса В. Клайберна в США (2013). В 2016 году победил на престижном Международном конкурсе пианистов в Кливленде и спустя год выступил в сольным концертом в нью-йоркском Карнеги-холле, включив в программу редко исполняемые произведения Бетховена и Шумана, а также одно из собственных сочинений. Блистательный пианист с мировой известностью, великолепный интерпретатор классического репертуара, Никита Мндоянц также является композитором, автором многочисленных симфонических и камерных партитур.

 

Московский государственный академический симфонический оркестр (МГАСО) — один из старейших симфонических оркестров России, отмечающий в 2018 году свое 75-летие. со дня своего основания. Первым дирижером коллектива стал в 1943 году Народный артист СССР Лев Штейнберг. Позже оркестром руководили такие прославленные музыканты как Николай Аносов, Лео Гинзбург, Михаил Тэриан, Вероника Дударова. Под их руководством оркестр стал известен, в первую очередь, исполнениями русской и советской классики, в том числе премьерами сочинений С. Прокофьева, Н. Мясковского, Д. Шостаковича, Р. Глиэра. С 1989 года художественным руководителем и главным дирижером МГАСО является Народный артист России Павел Коган. Маэстро реформировал репертуар коллектива, обогатив его произведениями европейской и американской музыкальной литературы.

 

Филипп Чижевский — выпускник Московской консерватории, основатель и руководитель ансамбля Questa musica, С 2011 года — дирижер Государственной академической симфонической капеллы России, с 2014 — дирижер Большого театра. Дважды номинирован на премию «Золотая маска» за лучшую работу дирижера в музыкальном театре. Сотрудничает с ведущими российскими и зарубежными оркестрами, в числе которых ГАСО им. Е.Ф. Светланова, НФОР под руководством В. Спивакова, Musica Viva под управлением А. Рудина, Tokio New Sity Orchestra, Brandenburgische Staatsorchester, Литовский камерный оркестр и др. Осуществил ряд проектов в сфере старинной и современной музыки: музыкальный руководитель первого Барочного фестиваля в Большом театре, дирижер-постановщик шести опер современных композиторов в Электротеатре Станиславский. Впервые исполнил оперу М. Наймана «Пролог к Дидоне и Энею Перселла» с оркестром ГАСК России в Перми.

Известные композиторы

Понятие «композитор» впервые появилось еще в 16 веке в Италии, и с тех пор его используют для обозначения человека, занимающего сочинительством музыки.

Профессия композитора требует музыкального таланта и глубоких знаний музыкальной композиции. Можно смело утверждать, что композитор – важнейшая фигура в музыкальном мире. Поэтому каждый известный композитор в истории музыки оказывал весомое влияние на развитие музыки на каждом конкретном этапе.

Композиторы 18 века

Во второй половине 18 века жили и творили два великих композитора – Бах и Моцарт – повлиявшие на все последующее развитие музыкального искусства.

Иоганн Себастьян Бах

Иоганн Себастьян Бах (1685-1750) является ярчайшим представителем музыкальной традиции 17-18 веков, классифицируемой историками как эпоха барокко. Бах – один из самых значимых композиторов в истории музыки, написавший за свою 65-летнюю жизнь боле тысячи музыкальных произведений в разных жанрах. Иоганн Себастьян Бах является основателем одной из самых известных в мире музыки династий.

Вольфганг Амадей МоцартВольфганг Амадей Моцарт (1756-1791) – яркий представитель Венской школы, виртуозно владевший множеством инструментов: скрипка, клавесин, орган. Во всех этих жанрах он преуспел не только как исполнитель, а в первую очередь как сочинитель музыки. Моцарт стал знаменит благодаря удивительному музыкальному слуху и таланту импровизации.
Людвиг ван БетховенТретье важнейшее для истории музыки имя – Людвиг ван Бетховен. Он творил на рубеже 18 и 19 веков во всех существовавших тогда музыкальных жанрах. Его музыкальное наследие необычайно разнообразно: это сонаты и симфонии, увертюры и квартеты, концерты для двух его любимейших инструментов – скрипки и фортепиано. Бетховен считается первым представителем романтизма в классической музыке.

Композиторы 19 века

В 19 веке венскую музыкальную школу представлял такой выдающийся композитор как Франц Петер Шуберт. Он продолжил традиции романтизма и оказал влияние на целое поколение композиторов. Шуберт создал более 600 немецких романсов, возведя этот жанр на новый уровень.

Франц Петер Шуберт

Другой австриец, Иоганн Штраус, стал знаменит благодаря своим опереттам и легким музыкальным формам танцевального характера. Именно он сделал вальс самым популярным танцем в Вене, где до сих пор устраиваются балы. Кроме того, в его наследии – польки, кадрили, балеты и оперетты.

Иоганн Штраус

Ярким представителем модернизма в музыке конца 19 века был немец Рихард Вагнер. Его оперы не утратили актуальности и популярности по сей день.

Джузеппе Верди

Противопоставить Вагнеру можно величественную фигуру итальянского композитора Джузеппе Верди, который оставался верен оперным традициям и придал итальянской опере новое дыхание.

Петр Ильич Чайковский

Среди русских композиторов 19 века выделяется имя Петра Ильича Чайковского. Ему характерен уникальный стиль, сочетающий европейские симфонические традиции с русским наследием Глинки.

Композиторы 20 века

Сергей Васильевич Рахманинов

Одним из самых ярких композиторов конца 19-го – начала 20-го веков по праву считается Сергей Васильевич Рахманинов. Его музыкальный стиль основывался на традициях романтизма и существовал параллельно с авангардными течениями. Именно за индивидуальность и отсутствие аналогов его творчество было высоко оценено критиками во всем мире.

Игорь Федорович Стравинский

Второй известнейший композитор 20 века – Игорь Федорович Стравинский. Русский по происхождению, он эмигрировал во Францию, а потом США, где и проявил свой талант в полную силу. Стравинский – новатор, не боящийся экспериментировать с ритмами и стилями. В его творчестве прослеживается влияние русских традиций, элементы различных авангардных течений и неповторимый индивидуальный почерк, за что его называют «Пикассо в музыке».

Западные композиторы — Учащемуся — Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования «Детская школа искусств №7» города Магнитогорска

 

1. Иоганн Себастьян Бах
2. Йозеф Гайдн Франц
3. Вольфганг Амадей Моцарт
4. Франц Петр Шуберт
5. Фридерик Франсуа Шопен

 

ИОГАНН СЕБАСТЬЯН БАХ

Иоганн Себастьян Бах (1685-1750) – великий немецкий композитор, органист, музыкальный педагог, мастер полифонии. Творчество Баха включает в себя более 1000 произведений различных жанров.

Детские годы

Родился (21) 31 марта 1685 года в городе Эйзенах. В маленьком Бахе изначально была заложена страсть к музыке, ведь его предки были профессиональными музыкантами.

Обучение музыке

В десятилетнем возрасте после смерти родителей, Иоганн Бах был взят на воспитание своим братом Иоганном Кристофом. Он обучал будущего композитора игре на клавире, органе.

В 15 лет Бах поступил учиться в вокальную школу Имени Святого Михаила, в городе Люнебург. Там он знакомится с творчеством современных музыкантов, всесторонне развивается. Во время 1700-1703 начинается музыкальная биография Иоганна Себастьяна Баха. Им была написана первая органная музыка.

На службе

После окончания учёбы Иоганн Себастьян был направлен к герцогу Эрнсту на должность музыканта при дворе. Неудовлетворённость от зависимого положения заставляет его поменять работу. В 1704 году Бах получает должность органиста Новой церкви в Арндштадте. Краткое содержание статьи не даёт возможности подробно остановиться на творчестве великого композитора, но именно в это время им было создано много талантливых произведений. Сотрудничество с поэтом Кристианом Фридрихом Хенрици, придворным музыкантом Телемахом обогащало музыку новыми мотивами. В 1707 Бах переезжает в Мюльхузен, продолжает работать церковным музыкантом и заниматься творчеством. Власти довольны его работой, композитор получает вознаграждение.

В 1707 году Бах женился на своей кузине Марии Барбаре. Он снова решил сменить работу, став на этот раз придворным органистом в Веймаре. В этом городе в семье музыканта рождаются шестеро детей. Трое умерли в младенчестве, а трое в будущем становятся известными музыкантами.

В 1720 году умерла жена Баха, но уже через год композитор снова женился, теперь на известной певице Анне Магдалине Вильгельм. Счастливая семья имела 13 детей.

Продолжение творческого пути

В 1717 году Баха переходит на службу к герцогу Анхальт – Кётенскому, высоко ценившему его талант. За период с 1717 по 1723 появились великолепные сюиты Баха (для оркестра, виолончели, клавиры).

В Кётене были написаны Бранденбургские концерты Баха, английская и французская сюиты.

В 1723 году музыкант получает место кантора и учителя музыки и латыни в церкви святого Фомы, затем становится музыкальным директором в Лейпциге. Широкий репертуар Иоганна Себастьяна Баха включал в себя как светскую, так и духовую музыку. За свою жизнь Иоганн Себастьян Бах успел побывать руководителем музыкальной коллегии. Несколько циклов композитора Баха использовали всевозможные инструменты («Музыкальное приношение», «Искусство фуги»)

Последние годы жизни

В последние годы жизни Бах быстро терял зрение. Музыку его тогда считали немодной, устаревшей. Несмотря на это, композитор продолжал работать. В 1747 году он создаёт цикл пьес под названием «Музыка приношения», посвящённый прусскому королю Фридриху Второму. Последней работой стал сборник произведений «Искусство фуги», включивший в себя 14 фуг и 4 канона.

Список основных произведений Баха

А. Вокальные произведения (в сопровождении оркестра):

I. 198 церковных кантат

II. 12 светских кантат

III. 6 мотетов

IV. Рождественская и пасхальная оратории

V. Большая месса h-moll

VI. 4 малые мессы и 5 санктусов VII. Магнификат D-dur

VIII. Страсти по Матфею и Иоанну

IX. Траурная ода

X. Церковные арии и песни

Б. Произведения для оркестра и камерная музыка:

I. 4 увертюры (сюиты) и 6 Бранденбургских концертов

II. 7 концертов для клавира с оркестром

3 концерта для двух клавиров с оркестром

2 концерта для трех клавиров с оркестром

1 концерт для четырех клавиров с оркестром

III. 3 концерта для скрипки с ор кестром

IV. 6 сольных сонат для скрипки

8 сонат для скрипки с клавиром

6 сонат для флейты с клавиром

6 сольных сонат (сюит) для виолончели

3 сонаты для виолы да гамба и клавира

3 сонаты для трио

V. Музыкальная жертва

В. Произведения для клавира:

I. Партиты, французские и английские сюиты, инвенции для двух и трех голосов, симфонии, прелюдии, фуги, фантазии, увертюры, токкаты, каприччио, сонаты, дуэты, Итальянский концерт, Хроматическая фантазия и фуга

II. Хорошо темперированный клавир

III. Гольдберговы вариации

IV. Искусство фуги

Г. Произведения для органа:

I. Прелюдии, фантазии, токкаты, фуги, канцоны, сонаты, пассакалия, концерты на темы Вивальди

II. Хоральные прелюдии

III. Хоральные вариации

ЙОЗЕФ ГАЙДН ФРАНЦ

Йозеф Гайдн (1732-1809) Австрийский композитор, представитель венской классической школы Йозеф Гайдн родился 31 марта 1732 г. в нижнеавстрийском селе Рорау, недалеко от границы с Венгрией. Качество, переданное будущему композитору от его предков – необыкновенное трудолюбие. Так, отец Гайдна, Матиас, был лучшим в округе каретником, а также занимался фермерством и виноделием. Но, несмотря «на труды праведные», семья была бедна, но пользовалась большим уважением в деревне, отец Гайднf возглавлял деревенскую администрацию. А вечерами в доме звучала музыка, родители Йозефа серьѐзно увлеклись пением и игрой на народных инструментах. Неудивительно, что в такой домашней атмосфере вырастали дети с прекрасными музыкальными способностями, трое сыновей стали музыкантами. Старший, Йозеф, обладал прекрасным голосом и мечтал научиться играть на скрипке. И когда приехавший в гости родственник предложил взять пятилетнего Йозефа с собой в город Хайнбург, где мальчик сможет получить намного лучшее музыкальное образование, родители отпустили сына. Последующие 12 лет жизни будущего великого композитора вместили много событий. За два года жизни у родственника, работавшего учителем и регентом (руководителем) церковного хора, Гайдн научился играть на скрипке и клавире, постоянно участвовал в церковных службах. Но в восемь лет в жизни мальчика произошло значительное событие: его заметил Карл Ройттер, директор капеллы венского собора св. Стефана. Ройттер и взял талантливого мальчика в капеллу. Переехать в столицу и петь в знаменитом соборе – об этом ли мечталось? Но девять последующих лет – это нелегкий труд мальчика- хориста. На содержание певчих выделялось мало денег, порой они жили впроголодь и не упускали возможности подзаработать на свадьбах, похоронах и вечеринках. Церковная служба занимала основную часть времени, Ройтера интересовала лишь одна сторона музыкального образования своих воспитанников – умение петь. 

Но любознательный и трудолюбивый Йозеф многому научился сам. Впоследствии Гайдн написал: «У меня никогда не было настоящего учителя. Я начал обучение с практической стороны – сначала пение, затем игра на музыкальных инструментах, и лишь потом – композиция. Я больше слушал, чем изучал. Я слушал внимательно и старался использовать то, что произвело на меня наибольшее впечатление. Вот так я приобретал знания и умения. Для меня звучала во всем своем разнообразии самая прекрасная музыка, которую только можно было услышать в мое время – а ее в Вене было много». Но судьба готовила юному Гайдну новое испытание: у него стал ломаться голос. К тому же Йозеф слыл сорванцом: то забрался на строительные леса, то отрезал косичку у парика своего товарища. Ройтер пригрозил наказанием, Йозеф сказал, что «лучше уйдет из хора, чем согласится быть наказанным». Ройтер выпорол юношу и выгнал со службы. 1749 — 1761 «Тем, кем я стал, сделала меня самая ужасная нужда» Фортуна отвернулась от молодого музыканта. В семнадцать лет на улице, без средств существования! Но надо выжить и добиться своей мечты! Помог приятель, дал приют бездомному юноше в каморке на чердаке. Но юноша не гнушался никакой работы: играл на улице, писал и перекладывал музыку для различных инструментов, пел в церкви. И жизнь постепенно стала налаживаться, он уже мог снять себе скромное жилье. А ночью изучал учебники по композиции, играл произведения знаменитых композиторов. Вот как сам Гайдн вспоминает об этих годах: «У меня пропал голос, и мне пришлось целых восемь лет влачить жалкое существование. Я сочинял преимущественно по ночам, не зная, имею ли я какой-либо дар к композиции или нет, и записывал свою музыку усердно, но не совсем правильно. Так продолжалось до тех пор, пока мне не выпало счастье изучать подлинные основы искусства у господина Порпоры». При шестидесятипятилетнем известным оперным композиторе Николо Порпора Гайдн служил «музыкантом-лакеем». Он выполнял в том числе и обязанности слуги, при этом Порпора мог обозвать своего молодого ученика «ослом, олухом, плутом» и «тыкнуть в бок». Но как пишет сам Гайдн, «я все сносил терпеливо, ибо извлекал большую выгоду из указаний Николы Порпоры в области пения, композиции и итальянского языка». Несколько месяцев не прошли даром, Гайдн продолжал улучшать свое композиторское мастерство. Уже имеет успех опера «Хромой бес», из- под пера вышли квартеты, пьесы, дивертисменты. И наградой за многолетнее трудолюбие стало признание: двадцатишестилетнего Гайдна пригласили в качестве музыкального директора и композитора к графу Морцину. В его распоряжении оркестр, для которого он и написал свои первые симфонии.

Но через три года произошло поистине судьбоносное событие в жизни Гайдна. 1761-1790 Маэстро На пороге тридцатилетия фортуна по-настоящему повернулась к Гайдну: его пригласил на службу богатый венгерский магнат князь Павел Антон Эстергази. Тридцать последующих лет жизни композитора пройдут на службе у трех князей Эстергази. Из молодого бедного музыканта он станет прославленным на всю Европу композитором. Гайдн переехал в Эйзенштадт, фамильный дворец Эстергази. Князь Павел, приглашая на роль капельмейстера (руководителя) княжеской капеллы, подписал с молодым композитором контракт. Современному человеку трудно понять его условия: сочинение любой музыки по желанию господина, все произведения запрещалось исполнять вне замка Эстергази, капельмейстер должен улаживать все дела между музыкантами и князем, следить за сохранность нот и инструментов. Один или даже два раза в день Гайдн должен предстать в ливрее перед князем и получить указания или заказ на музыку. Композитор при дворе аристократа XVIII века выполнял роль слуги, подчиненному строгим условностям. Это нисколько не тяготило молодого Гайдна, он привык извлекать только главное из своего положения: он мог сочинять музыку и она тут же будет исполнена!

В 1790 году умирает Николай Эстергази. Его сын, Антон, не унаследовал от отца любовь к музыке, он распустил оркестр и отпустил своего капельмейстера «на свободу». Но решил сохранить Гайдну «место работы» и долгие годы платил композитору жалование. Причина проста: Эстергази лестно было держать у себя на службе композитора с европейской славой. (1790-1809) Триумф и закат Гайдну под шестьдесят, он никогда не покидал Австрию. В один из дней в своей почте Гайдн нашел письмо из Англии с приглашением работы. Своих «звезд» в Англии не было, музыкальная культура страны подпитывалась «импортными» музыкантами, и британские коммерсанты от музыки искали по всей Европе «выгодных гастролеров». Тридцать лет творил в этой стране Гендель, англичане считали его своей национальной гордостью. В Англии хорошо платили музыкантам, и Гайдн получил заказ на оперу и шесть симфоний. Первое же исполнение его новой симфонии удостоилось таких газетных строк: «Неудивительно, что для тех, чьи сердца неравнодушны к музыке, Гайдн – объект почитания и даже кумир, ибо, подобно нашему Шекспиру, он может повелевать страстями». Это был триумф. Впервые восторги публики относились не его хозяину-князю, а ему, Гайдну! Все восемнадцать месяцев пребывания в Англии сопровождались овациями на концертах Гайдна, в Оксфорде композитора возвели в сан доктора музыки. Но дома ждали дела, и Гайдн возвращается в Вену. Но через два года Гайдн опять влечет в Англию, Вена для маститого композитора уже не заменила Лондон ни в финансовом, ни в творческом отношении.

 И вот Гайдн опять творит в Англии. К первым шести симфониям, написанным в первую лондонскую поездку, прибавилось еще шесть, так был написан знаменитый цикл двенадцати (№ 93- 104) «Лондонских симфоний». Но любимым жанром английской публики оставалась оратория, да и сам Гайдн воскликнул после исполнения оратории Генделя в Лондоне: «Он господин над всеми нами и превосходит всех нас, как титан – карликов». Гайдн предпринял первую попытку писать ораторию. Но в 1794 году умирает Антон Эстерхази и его сын Николай II, в память деда задумал восстановить оркестр и хор, которые распустил отец. Гайдн возвращается в Эйзенштадт. Князь Николай II любил церковную музыку, произведения же Гайдна недооценивал, к тому же имел дурной характер. Из уважения к вкусам князя Гайдн создал шесть грандиозных месс. Но мысль создать ораторию не покидала композитора.

И в последние годы своей творческой деятельности Гайдн написал две оратории – «Сотворение мира» (в 1798) и «Времена года» (в 1801). Эти знаменитые произведения и стали вершиной творческого мастерства венского классика. В последние годы жизни Гайдн купил себе небольшой домик в Вене, где вел уединенный образ жизни. Но он не был забыт, со всей Европы приезжали посетители, ему присылали многочисленные награды. В последние дни жизни композитора Вену захватили французские войска под предводительством Наполеона. Французский император распорядился выставить часового, охраняющего покой умирающего Гайдна. Но стоя на пороге смерти, слабый, но вечно неунывающий композитор, как знак протеста, играл австрийский национальный гимн. Спустя несколько дней после похорон Гайдна устроили заупокойную мессу и исполнили «Реквием» Моцарта. Гайдна перезахоронили еще дважды: в 1820 году Николай II Эстергази перевез останки композитора в Эйзенштадт. Но при вскрытии могилы обнаружилось, что череп композитора отсутствует. Оказывается, два друга Гайдна подкупили могильщика на похоронах, чтобы взять голову композитора. Они признались позже «что их совесть не могла допустить, чтобы черепная коробка великого гения могла быть изъедена червями». И только в 1954 году, спустя 150 лет, великий композитор был достойно погребен. На его могиле начертаны слова: «Весь я не умру, но жить и вещать буду труды Господа».

Список основных произведений Гайдна

• Симфонии: всего 104 симфонии, в том числе «Прощальная симфония» (1772), 6 Парижских симфоний (1786),12 Лондонских симфоний (1791-1795)
• Концерты для различных инструментов: 20 концертов для фортепиано с оркестром, 9 концертов для скрипки с оркестром,6 концертов для виолончели с оркестром,16 концертов для других инструментов (в том числе для контрабаса, баритона, флейты, валторны)
• Камерные ансамбли: 77 струнных квартетов,35 трио для фортепиано, скрипки и виолончели, 30 трио для струнных инструментов,12 сонат для скрипки и фортепиано,6 дуэтов для скрипки и альта
• Фортепианные произведения: 33 сонаты для фортепиано, вариации, фантазии.
• Оратории «Сотворение мира» (1798), «Времена года» (1800),14 месс
• Оперы: всего 24 оперы, среди них «Асмодей, или новый хромой бес» (1751), «Аптекарь» (1768), «Неожиданная встреча» (1775), «Истинное постоянство» (1776), «Орфей и Эвридика» (1791) Песни для голоса и фортепиано.

ВОЛЬФГАНГ АМАДЕЙ МОЦАРТ

Вольфганг .Амадей. Моцарт родился 27 января 1756г в г. Зальцбург. Умер- 5 декабря 1791г (35 лет) в Вене. Австрийский композитор и музыкант-виртуоз. Один из самых популярных классических композиторов, Моцарт оказал большое влияние на мировую музыкальную культуру. По свидетельству современников, Моцарт обладал феноменальным музыкальным слухом, памятью и способностью к импровизации. Самый молодой член Болонской филармонической академии за всю её историю, а также самый молодой кавалер ордена Золотой шпоры. 

Моцарту удалось покорить все музыкальные высоты, которые были доступны в то время, но успеха ему это при жизни не принесло. К сожалению, всю глубину его таланта смогли оценить лишь единицы современников, а он достоин был наивысшей степени славы. Возможно, гению не повезло с эпохой, в которой он жил, но кто знает, наслаждались бы мы сейчас его произведениями, родись он в другое время или в другом месте.

Маленькое дарование

Будущий музыкальный вундеркинд родился в семье помощника капельмейстера Леопольда Моцарта и его жены Анны-Марии 27 января 1756 года в Зальцбурге. Мать долго не могла оправиться после родов, появление на свет сына едва не стоило ей жизни. На следующий день мальчика крестили и нарекли именем Иоганн Хризостом Вольфганг Теофил. У четы Моцартов было семеро детей, но пятеро умерли в раннем детстве, остались старшая сестра Мария-Анна и Вольфганг.Отец Моцарта был талантливым музыкантом и прекрасным педагогом, работы которого многие годы были учебными пособиями.

Незаурядные музыкальные способности стала проявлять и его дочь. Занятия отца с сестрой на клавире неимоверно интересовали трехлетнего Вольфганга – он мог часами сидеть и подбирать на инструменте терции, получая наслаждение от поиска верных созвучий. Еще через год Леопольд начал разучивать с сыном небольшие пьесы, а потом он и сам стал сочинять короткие мелодии, вот только записать свои старания в нотную тетрадь ребенок еще не мог.

Сначала Вольфганг просил отца записывать его творения, а однажды и сам попытался передать сочиненную музыку нотами, которые стояли вперемешку с кляксами. Эти пробы пера обнаружил отец и поинтересовался, что же ребенок изобразил. Мальчик уверенно заявил, что это концерт для клавира. Леопольд с удивлением обнаружил среди чернильных пятен ноты и пришел в восторг, когда понял, что сын грамотно и по всем правилам записал придуманную музыку. Отец похвалил свое чадо, но сказал, что такое трудное произведение исполнить практически невозможно. Мальчик возразил, отметив, что нужно хорошо упражняться, тогда все выйдет. Спустя какое-то время ему удалось сыграть этот концерт.

Первые гастроли Вольфганга Моцарта

Дети Моцарта-отца были необычайно талантливы, поэтому Леопольд старался продемонстрировать это миру.

 

Он организовал в начале 1762 года настоящее европейское турне, во время которого семейство побывало в столицах и крупнейших городах, где дети играли даже перед самой высокой публикой – императорами и герцогами. Маленький Вольфганг будто в сказке оказался – он бывал на приемах во дворцах и светских салонах, пообщался с выдающимися людьми своей эпохи, снискал похвалу и неизменно слышал в свой адрес бурю оваций. Но это требовало от ребенка ежедневного труда, такой насыщенный график мог выдержать не каждый взрослый.

Чудо-мальчик, по отзывам тех, перед кем он играл, безупречно исполнял сложнейшие пьесы и целыми часами импровизировал, соблюдая при этом строгие правила искусства. Его познания были выше, чем у многих опытных музыкантов.

Не смотря на вращение в кругах вельмож, Вольфганг Моцарт сохранил детскую непосредственность, открытость и легкость. Он не писал угрюмой музыки и не был замкнутым гением. С ним связанна масса забавных историй и курьезных случаев. 

В Лондоне Моцарты прожили больше года, где Вольфганг познакомился с сыном Баха – Иоганном Христианом, с которым он импровизировал и играл в четыре руки. Затем еще почти год семья провела в разных городах Голландии. За этот период музыкальная сокровищница Моцарта пополнилась симфонией, шестью сонатами и сборником каприччио.

Программа его выступлений всегда поражала слушателей сложностью и разнообразием. Его виртуозная игра на скрипке, клавесине и органе завораживала публику, которая прозвала мальчика «Чудом столетия». Тогда он по-настоящему покорил Европу. После долгого и изнурительного путешествия семья в 1766 году вернулась в родной Зальцбург.

Отец не дал Вольфгангу расслабляться и стал усиленно заниматься с ним композицией и репетициями концертных программ, чтобы новыми выступлениями закрепить успех.

Моцарт стал получать заказы на произведения. Для венского театра он написал «Мнимую простушку», успешно освоив новый сложный жанр. Но по каким-то причинам на сцене комическую оперу не поставили. Эту неудачу Вольфганг переживал очень тяжело.

Это были первые проявления недоброжелательности соперников к своему 12-летнему коллеге, ведь теперь он был не просто чудо-ребенком, а серьезным и знаменитым композитором. В лучах его славы было легко померкнуть.

Юный академик Вольфганг Моцарт

Тогда Леопольд решил отвезти сына на родину опер – в Италию. Три года юному Моцарту рукоплескали Милан, Флоренция, Рим, Венеция и Неаполь. Его выступления собирали огромные толпы поклонников, он играл на органе в соборах и церквях, был дирижером и певцом.

И вот долгожданный заказ от Миланского оперного театра. За полгода он написал оперу «Митридат, царь Понтийский», которая 26 раз подряд собирала аншлаги. Ему заказали еще несколько произведений, в том числе и оперу.

 

Гениальная память и фантастический слух Моцарта поражали искушенных знатоков музыки – итальянцев. Однажды он услышал в Сикстинской капелле многоголосое хоровое произведение, пришел домой и записал его полностью. Оказалось, что нотами владела только церковь, выносить или переписывать их было строго запрещено, а Моцарт сделал это просто по памяти.

Еще большее обсуждение вызвало у общественности избрание Вольфганга членом Болонской академии в столь юном возрасте. Это случилось впервые в истории именитого заведения.

Такие успехи Моцарта в Италии дали надежду на осуществлении мечты его отца. Он был уверен, что теперь сын не будет обычным провинциальным музыкантом, но найти работу в Италии молодому Моцарту не удалось. Важные персоны вовремя не распознали в нем гения, и он вернулся на родину.

В опале у графа

Зальцбург встретил знаменитое семейство совсем неприветливо. Новый граф назначил Вольфганга Моцарта дирижером своего придворного оркестра, требовал полного подчинения и всячески старался его унизить.

Положение слуги Моцарта не устраивало, он не хотел писать исключительно церковную музыку и короткие развлекательные произведения. Вольфганг мечтал о серьезной работе – сочинении опер.

Ему с большим трудом удалось получить отпуск, вместе с матерью Моцарт отправился в Париж, попытать счастья там, где им восхищались в детстве. Талантливому музыканту, у которого за плечами уже было почти триста разножанровых произведений, не нашлось места в столице Франции – ни заказов, ни концертов не последовало. Пришлось зарабатывать на жизнь уроками музыки, но этого едва хватало, чтобы оплатить скромный номер в гостинице. С матерью Вольфганга в Париже случился приступ, и она скончалась. Череда неудач и эта трагедия заставили его вернуться в Зальцбург.

Там граф с новым задором приступил к унижениям Моцарта – не разрешал ему организовывать концерты, заставлял обедать вместе с прислугой в то время, когда его опера «Идоменей, царь Крита» с успехом шла на сцене Мюнхенского театра.

Избавление от рабства

Моцарт принял твердое решение покончить с такой службой и подал заявление об отставке. Ни первый, ни второй раз оно подписано не было, более того, на композитора полился поток оскорблений. Вольфганг от такой несправедливости чуть не лишился рассудка. Но он собрался с силами и навсегда покинул родной город, поселившись в Вене в 1781 году.

Реквием

В жизни композитора снова наступили нелегкие времена безденежья. Средства поступали только из Праги, где его «Свадьба Фигаро» была включена в репертуар театра. В этом городе любили и ценили творчество Моцарта, и он там с удовольствием работал над «Дон Жуаном», премьера которого состоялась осенью 1787 года.

Возвращение в Вену снова принесло разочарование и финансовую нужду, но там Вольфганг написал три последних симфонии – ми-бемоль мажор, соль минор и до мажор, которые считают величайшими. Кроме этого, незадолго до кончины Моцарта состоялась премьера его оперы «Волшебная флейта».

Параллельно с работой над этой оперой он торопился завершить заказ Реквиема. Незадолго до этого к нему пришел неизвестный человек в черном одеянии и заказал заупокойную мессу. Моцарт был подавлен и угнетен после этого визита. Возможно, его давно проявившееся плохое самочувствие просто совпало с этим событием, но сам Вольфганг воспринял Реквием как предречение собственной смерти. Закончить мессу Моцарт не успел (это позже сделал его ученик Франц Ксавер Зюсмайер), он умер в ночь на 5 декабря 1791 года. О причинах его преждевременного ухода из жизни до сих пор ходят слухи, как о любом знаменитом человеке. Самый известный миф говорит о том, что его отравил композитор Сальери. Этому никогда не было никаких подтверждений.

Поскольку денег у семьи Моцарта не было, его похоронили без всяких почестей, да еще и в общей могиле, поэтому точного места его погребения никто не знает.

Основные произведения

Оперы:
«Женитьба Фигаро» (Le nozze di Figaro), 1786 В жанре оперы-буфф.
«Дон Жуан» (Don Giovanni), 1787
«Так поступают все» (Così fan tutte), 1789
«Волшебная флейта» (Die Zauberflöte), 1791. Зингшпиль
и еще около 20.

17 месс, среди которых:
— «Коронационная» (1779)
— «Реквием» (1791)

49 симфоний, среди которых:
— «Парижская» (1778)
— № 36 «Хаффнер» (1782)
— № 37 «Линцская» (1783)
— № 38 «Пражская» (1786)
— № 39 (1788)
— № 40 (1788)
— № 41 «Юпитер» (1788)

Концерты для фортепиано с оркестром
6 концертов для скрипки с оркестром
Концерт для двух скрипок с оркестром (1774)
Концерт для скрипки и альта с оркестром (1779)
2 концерта для флейты с оркестром (1778) 

ФРАНЦ ПЕТР ШУБЕРТ

Франц Петер Шуберт (Franz Peter Schubert) был представителем течения музыкального романтизма в Австрии. В его произведениях звучала тоска по светлому идеалу, которого так не хватало в реальной жизни. Музыка Шуберта, сердечная и задушевная, многое взяла от традиционного народного искусства. Его произведения отличаются мелодичностью и гармонией, особым эмоциональным настроем.

Родился Шуберт 31.01.1797 г., в семье Франца Теодора Шуберта – школьного учителя и самодеятельного виолончелиста. Мальчик с раннего возраста полюбил музыку и легко овладевал музыкальными инструментами. Юный Шуберт прекрасно пел – у него в детстве был отличный голос – поэтому в 1808 году его приняли в Императорскую капеллу. Общее образование он получал в школе-пансионе Конвикт. В школьном оркестре Шуберт был второй скрипкой, а вот латынь и математика давались ему нелегко.

 

Из хоровой капеллы Шуберта отчислили в подростковом возрасте. В 1810 году Шуберт начал писать музыку. В течение 3-х лет он сочинил несколько пьес для фортепиано, симфонию и даже оперу. Юным дарованием заинтересовался сам знаменитый Сальери. (Он занимался с Шубертом композицией в период 1812-17 гг.)

С 1813 года Шуберт преподавал в школе. В том году он сочинил свой первый известный шедевр – песню Gretchen am Spinnrade («Гретхен за прялкой») на стихи Гёте.

Семья

В 1815–16 гг. Шуберт написал множество произведений: более полутора сотен песен, несколько инструментальных квартетов и симфоний, четыре оперетты, две мессы. В 1816 году была написана его знаменитая Пятая симфония «си бемоль мажор», песни «Лесной царь» и «Скиталец».

Композитору выпала удача познакомиться с именитым певцом-баритоном М. Фоглем. Фогль стал исполнять песни Шуберта, и они скоро завоевали популярность во всех венских салонах.

В салоне

Летом 1818 года Шуберт оставил службу в школе и уехал в резиденцию известного ценителя искусств, мецената – графа Иоганна Эстергази. Там он занимался преподаванием и продолжал писать музыку. В этот период была создана Шестая симфония. Вернувшись в Вену, композитор получил выгодный заказ на оперетту «Братья-близнецы». Премьера музыкального спектакля состоялась в 1820 году – она была успешной.

Следующие два года были трудными для композитора в финансовом плане. Добиваться благосклонности меценатов он не умел и не хотел. В 1822 году он закончил работу над оперой «Альфонсо и Эстрелла», но она так и не была поставлена.

 

В течение 1823 года композитора преследовали тяжёлые болезни. Невзирая на физическую слабость, он написал ещё две оперы. Эти произведения тоже не увидели сцены. Композитор не падал духом и продолжал творить. Музыка к пьесе Розамунда и песенный цикл под названием «Прекрасная мельничиха» были отлично приняты слушателями. Шуберт вновь уехал преподавать в семью Эстергази и там, в загородной княжеской резиденции, немного поправил своё здоровье.

 

Памятник Шуберту в Stadtpark, Вена

В 1825 году композитор много гастролировал вместе с Фоглем по Австрии. В это время был написан вокальный цикл на слова Скотта, в который вошла знаменитая ода «Ave Maria».

Песни и вокальные циклы Шуберта были известны и популярны в Австрии – как среди благородной публики, так и среди простого народа. Во многих частных домах тогда проводились вечера, посвящённые исключительно творениям композитора – «Шубертиады». В 1827 году композитором был создан знаменитый цикл «Зимний путь».

 

Могила Шуберта

Здоровье композитора, между тем, становилось всё хуже. В 1828 году он почувствовал признаки очередной тяжёлой болезни. Шуберт скончался 19.11.1828 года. Причиной смерти стал тиф – ослабленный тяжёлой работой организм композитора не смог справиться с болезнью. Похоронили его рядом с Бетховеном, но впоследствии прах был перенесён на центральное кладбище Вены. Композитору было  всего 31 год.

 

ОСНОВНЫЕ ПРОИЗВЕДЕНИЯ ШУБЕРТА

Для симфонического оркестра
Восемь симфоний, в том числе:
Симфония № 4, до минор (Трагическая), 1816 г.
Симфония № 5, си-бемоль мажор, 1816 г.
Симфония № 7, си минор (Неоконченная), 1822 г.
Симфония № 8, до мажор, 1828 г.
Семь увертюр.

Вокальные произведения
Более 600 песен, в том числе:
Цикл «Прекрасная мельничиха», 1823 г.
Цикл «Зимний путь», 1827 г.
Сборник «Лебединая песнь» (посмертный), 1828 г.
Более 70 песен на тексты Гете, среди них:
«Маргарита за прялкой», 1814 г.
«Лесной царь», 1815 г.
Более 30 духовных произведений, в том числе:
Месса ля-бемоль мажор, 1822 г.
Месса ми-бемоль мажор, 1828 г.
Более 70 светских произведений для хора и различных ансамблей.

Камерные ансамбли
Пятнадцать квартетов, в том числе:
Квартет ля минор, 1824 г.
Квартет ре минор, 1826 г.
Квинтет «Форель», 1819 г.
Струнный квинтет, 1828 г.

ФРИДЕРИК ФРАНСУА ШОПЕН

                Фредерик Франсуа Шопен (фр. Frédéric François Chopin; польск. Fryderyk Franciszek Chopin, Фредерик Францишек Шопен; родился:1 марта (по другим данным, 22 февраля) 1810г., деревня Желязова-Воля, близ Варшавы, умер — 17 октября 1849г, г.Париж.

Польский композитор и пианист-виртуоз, педагог. Автор многочисленных произведений для фортепиано. Крупнейший представитель польского музыкального искусства. По-новому истолковал многие жанры: возродил на романтической основе прелюдию, создал фортепианную балладу, поэтизировал и драматизировал танцы — мазурку, полонез, вальс; превратил скерцо в самостоятельное произведение. Обогатил гармонию и фортепианную фактуру; сочетал классичность формы с мелодическим богатством и фантазией. Среди сочинений Шопена 2 концерта (1829, 1830), 3 сонаты (1828-1844), фантазия (1842), 4 баллады (1835-1842), 4 скерцо (1832-1842), экспромты, ноктюрны, этюды, вальсы, мазурки, полонезы, прелюдии и другие произведения для фортепиано, песни.

Шопен, до отъезда на запад, жил на территории, являющейся частью Российской империи, в силу того, что Польша перестала существовать как государство еще в 1795 году, а Варшава, по итогам Наполеоновских войн, находилась на территории, отошедшей к Российской Империи. В 1830 году прибыла весть о вспыхнувшем восстании за независимость в Польше. Шопен мечтает вернуться на родину и принять участие в боях. Сборы закончены, но по дороге в Польшу его застала страшная весть: восстание подавлено, руководителя взяли в плен.

 

Шопен глубоко верил в то, что его музыка поможет родному народу добиться победы. «Будет Польша блестящая, могучая, независимая!», — так  он написал в своем дневнике. Последний концерт на публике Фредерика Шопена состоялся 16 ноября 1848 года в Лондоне. Композитор завещал, чтобы его сердце после смерти перевезли в Польшу. Отец композитора — Николя Шопен (1771-1844), из простой семьи, в юности переселился из Франции в Польшу.               

С 1802 года он жил в имении графа Скарбека Желязова-Воля, где работал воспитателем детей графа. В 1806 году Николя Шопен женился на дальней родственнице Скарбеков Текле Юстине Кшижановской (1782-1861). Род Кшижановских (Кржижановских) герба Свинка ведёт своё происхождение с XIV века и владел деревней Кшижаново около Косцяна. К роду Кшижановских принадлежал, в том числе, Владимир Кржижановски, племянник Юстины Кшижановской. По сохранившимся свидетельствам, мать композитора получила хорошее образование, владела французским языком, была чрезвычайно музыкальна, хорошо играла на фортепиано, обладала красивым голосом. Своей матери Фредерик обязан первыми музыкальными впечатлениями, привитой с младенческих лет любовью к народным мелодиям. Осенью 1810 года, спустя некоторое время после рождения сына, Николя Шопен переселился в Варшаву.

В Варшавском лицее он, благодаря протекции Скарбекова, получил место после смерти преподавателя пана Маэ. Шопен был учителем французского и немецкого языков и французской литературы, содержал пансион для воспитанников лицея. Интеллигентность и чуткость родителей спаяли всех членов семьи любовью и благотворно сказывались на развитии одаренных детей. Кроме Фредерика в семействе Шопенов было три сестры: старшая — Людвика, в замужестве Енджеевич, бывшая его особенно близким преданным другом, и младшие — Изабелла и Эмилия. Сёстры обладали разносторонними способностями, а рано умершая Эмилия — выдающимся литературным талантом. Уже в детские годы Шопен проявил необыкновенные музыкальные способности. Он был окружён особым вниманием и заботой.

Подобно Моцарту, он поражал окружающих музыкальной «одержимостью», неиссякаемой фантазией в импровизациях, прирождённым пианизмом. Его восприимчивость и музыкальная впечатлительность проявлялись бурно и необычно. Он мог плакать, слушая музыку, вскакивать ночью, чтобы подобрать на фортепиано запомнившуюся мелодию или аккорд. В своём январском номере за 1818 год одна из варшавских газет поместила несколько строк о первой музыкальной пьесе, сочинённой композитором, учащимся ещё в начальной школе. «Автор этого „Полонеза“ — написала газета, — ученик, которому ещё не исполнилось 8 лет. Это — настоящий гений музыки, с величайшей лёгкостью и исключительным вкусом. Исполняющий самые трудные фортепианные пьесы и сочиняющий танцы и вариации, которые вызывают восторг у знатоков и ценителей. Если бы этот вундеркинд родился во Франции или Германии, он привлёк бы к себе большее внимание». Молодого Шопена учили музыке, возлагая на него большие надежды. Пианист Войцех Живный (1756-1842), чех по происхождению, начал заниматься с 7-летним мальчиком. Занятия были серьёзные, несмотря на то, что Шопен, помимо того, учился в одном из варшавских училищ.

Исполнительский талант мальчика развивался настолько быстро, что к двенадцати годам Шопен не уступал лучшим польским пианистам. Живный отказался от занятий с юным виртуозом, заявив, что ничему больше не может научить его. Окончив училище и завершив продолжавшиеся семь лет занятия у Живного, Шопен начал свои теоретические занятия у композитора Йозефа Эльснера.

В общество Шопен вносил ту ровность расположения духа лиц, которых не беспокоят заботы, которые не знают слова «скука», не привязаны ни к каким интересам. Шопен был обыкновенно весел; его колкий ум быстро отыскивал смешное даже и в таких проявлениях, которые не всем бросаются в глаза». Поездки в Берлин, Дрезден, Прагу, где он побывал на концертах выдающихся музыкантов, способствовали его развитию. С 1829 г. начинается артистическая деятельность Шопена. Он выступает в Вене, Кракове, исполняя свои произведения. Возвратившись в Варшаву, он её покидает навсегда 5 ноября 1830 года. Эта разлука с родиной была причиной его постоянной скрытой скорби — тоски по родине. К этому прибавилась в конце тридцатых годов любовь к Жорж Санд, которая дала ему больше огорчения, чем счастья вдобавок к расставанию с невестой. Проехав Дрезден, Вену, Мюнхен, он в 1831 году приехал в Париж. В пути Шопен написал дневник (так называемый «Штутгартский дневник»), отражающий его душевное состояние во время пребывания в Штутгарте, где его охватывало отчаяние из-за краха Польского восстания. В этот период Шопен пишет свой знаменитый «Революционный этюд». Первый концерт Шопен дал в Париже в 22 года. Успех был полный. В концертах Шопен выступал редко, но в салонах польской колонии и французской аристократии слава Шопена росла чрезвычайно быстро. Были композиторы, которые не признавали его талант, например, Калькбреннер и Джон Филд, но это не мешало Шопену приобрести множество преданных поклонников, как в артистических кругах, так и в обществе.

 Любовь к преподаванию музыки и пианизма была отличительной чертой Шопена, одного из немногих великих артистов, которые посвятили этому много времени. В 1837 году Шопен почувствовал первый приступ болезни лёгких (с наибольшей вероятностью, это был туберкулез). С этим временем совпадает связь с Жорж Санд (Аврора Дюпен). Пребывание на Мальорке вместе с Жорж Санд негативно отразилось на здоровье Шопена, он страдал там от приступов болезни. Тем не менее, многие величайшие произведения, в том числе 24 прелюдии, созданы именно на этом испанском острове. Зато он много времени проводил в сельской местности во Франции, где у Жорж Санд было имение в Ноане. Десятилетнее сожительство с Жорж Санд, полное нравственных испытаний, сильно подточило здоровье Шопена, а разрыв с ней в 1847 г. помимо того, что вызвал у него значительный стресс, лишил его возможности отдыхать в Ноане. Желая покинуть Париж, чтобы сменить обстановку и расширить свой круг знакомств, Шопен в апреле 1848 г. отправился в Лондон — концертировать и преподавать. Это оказалось последним его путешествием. Успех, нервная, напряженная жизнь, сырой британский климат, а главное, периодически обострявшееся хроническое заболевание лёгких, — всё это окончательно подорвало его силы.

Вернувшись в Париж, Шопен умер 5 (17) октября 1849 года. О Шопене глубоко скорбел весь музыкальный мир. На его похороны собрались тысячи поклонников его творчества. Согласно желанию покойного, на его похоронах известнейшими артистами того времени был исполнен «Реквием» Моцарта — композитора, которого Шопен ставил выше всех других (а его «Реквием» и симфонию «Юпитер» называл своими любимыми произведениями), а также была исполнена его собственная прелюдия № 4 (ми-минор). На кладбище Пер-Лашез прах Шопена покоится между могилами Луиджи Керубини и Беллини. Сердце Шопена было, согласно его воле, отправлено в Варшаву, где оно замуровано в колонну церкви Святого Креста.

Основные сочинения Шопена:

Фортепианное творчество

2 концерта для фортепиано с оркестром № 1 e-moll Op. 11 и № 2 f-moll Op. 21

3 сонаты (№ 1 c-moll Op. 4, № 2 b-moll Op. 35, № 3 h-moll Op. 58)

4 баллады

4 экспромта

4 скерцо

3 рондо

18 вальсов

58 мазурок

21 ноктюрн

16 полонезов

24 прелюдии Op. 28 и прелюдия cis-moll Op. 45

24 этюда Op. 10 и Op. 25 и 3 посмертных этюда

Вариации (в том числе «Блестящие вариации» Op. 12)

Танцевальные пьесы: Контрданс Ges-dur, 3 экосеза Op. 72 № 3

Другие произведения — «Большая фантазия на польские темы» Op. 13, «Краковяк, большое концертное рондо» Op. 14, «Большой блестящий полонез» (либо, как его чаще называют, «Andante spianato и Большой блестящий полонез») Op. 22, Тарантелла Op. 43, Концертное аллегро Op. 46, Фантазия Op. 49, Колыбельная Op. 57, Баркарола Op. 60 и т. д.

10 известных немецких композиторов, вошедших в историю музыки — @GermanyinUSA

Вам нужна новая (или старая) музыка для прослушивания во время удаленной работы? Вам нужна расслабляющая классическая музыка для неспешной летней поездки на автомобиле? Мы вас прикрыли!

Многие величайшие музыкальные гении мира называли Германию своим домом. От Баха до Бетховена эти композиторы перевернули мир своими произведениями.

Иоганн Себастьян Бах (1685-1750)

Иоганн Себастьян Бах родился в Айзенахе и был немецким композитором и музыкантом эпохи барокко.Он известен своими Бранденбургскими концертами , Хорошо темперированным клавиром , Мессой си минор и рядом других инструментальных шедевров.

Людвиг ван Бетховен (1770 — 1827)

Людвиг ван Бетховен родился в Бонне и был немецким композитором и пианистом в период между классической и романтической эпохами. Детство он провел в Германии, где его обучал отец — Иоганн ван Бетховен, а затем композитор и дирижер Кристиан Готлоб Неефе.В возрасте 21 года он переехал в Вену, Австрия, где начал учиться у Йозефа Гайдна. Среди его наиболее влиятельных произведений — Симфония № 5 и 9 , Соната для фортепиано № 29 , Концерт для скрипки и Концерт для фортепиано № 4 .

Иоганнес Брамс (1833 — 1897)

Одним из ведущих музыкантов романтического периода является Иоганнес Брамс, пианист-виртуоз, который родился в Гамбурге, а затем провел свои взрослые годы в Вене, Австрия, где он сочинял музыку для симфонического оркестра, камерных ансамблей, фортепиано, органа, голоса и хора.Иногда его объединяют с Бахом и Бетховеном как одну из «трех би». Брамс наиболее известен своими четырьмя симфониями и Концертом для скрипки .

Феликс Мендельсон (1809 — 1847)

Якоб Людвиг Феликс Мендельсон Бартольди родился в Гамбурге, Германия. В период романтизма был немецким композитором, пианистом, органистом и дирижером. Среди его самых известных работ — увертюра и музыка для «Сон в летнюю ночь», Итальянской симфонии, Шотландской симфонии , оратории Элайджа , Гебридских островов , скрипичного концерта и его струнного октета .

Георг Фридрих Гендель (1685 — 1759)

Георг Фридрих Гендель родился в Галле в бывшем Бранденбурге-Пруссии. Он был композитором в стиле барокко, который провел свои первые годы в Германии, а последние годы — в Великобритании. Некоторые из его величайших композиций включают Messiah , W ater Music и Music for the Royal Fireworks .

Рихард Георг Штраус (1864-1949)

Рихард Штраус родился в Мюнхене и вырос и стал талантливым немецким композитором-романтиком конца 19 — начала 20 веков.Большая часть его раннего успеха пришла из его тональных стихотворений. Одно из его знаменитых произведений, вдохновленное философом Фридрихом Ницше, называлось Так говорил Заратустра . Еще одним известным был Дон Жуан .

Рихард Вагнер (1813 — 1883)

Рихард Вагнер родился в Лейпциге, вырос и стал одним из самых известных композиторов Германии. Хотя у него было много талантов, он наиболее известен своими операми. Некоторые из его основных работ включают Летучий голландец, Тангейзер, Лохегрин, Тристан и Изольда, Парсифаль и Кольцо нибелунга .

Роберт Шуман (1810 — 1856)

Роберт Шуман родился в Цвикау и стал широко известным немецким композитором эпохи романтизма. Изначально он изучал право, но оставил эту область ради карьеры пианиста-виртуоза. Однако из-за травмы руки он не смог продолжить карьеру, и Шуман сосредоточился на сочинении музыки.

Георг Филипп Телеманн (1681 — 1767)

Георг Филипп Телеманн родился в Магдебурге и был немецким композитором эпохи позднего барокко.В юности он восстал против желания своей семьи, чтобы заниматься музыкой. Он почти полностью самоучка. Самыми известными его произведениями были церковные сочинения, от небольших кантат до более крупных произведений для солистов, хора и оркестра.

Ханс Циммер (1957 -)

Ганс Циммер — современный немецкий композитор. Циммер родился во Франкфурте и написал музыку к более чем 150 различным фильмам. Некоторые из его самых известных работ включают музыку к сериалам «Король Лев», «Пираты Карибского моря», Intersteller , Gladiator , Crimson Tide , Inception , Dunkirk и Dark Knight трилогии.Конечно, его работы сильно отличаются от работ Бетховена — но мы все равно их любим!

Конечно, мы могли бы добавить к этому списку еще много композиторов! Кого бы вы добавили? Дайте нам знать в комментариях ниже.

Николь Гласс, Посольство Германии

Нравится:

Нравится Загрузка …

Связанные

Как Германия стала Меккой классической музыки | Музыка | DW

Гете, Шиллер, Кант и Шопенгауэр внесли свой вклад в международную репутацию Германии как «страны поэтов и мыслителей».«Точно так же такие композиторы, как Бах, Гайдн, Бетховен и Брамс, дали своей родине репутацию музыкального гения.

Среди них Людвиг ван Бетховен, возможно, самый известный в мире композитор-классик. К своему 250-летнему юбилею в 2020 году оркестры около мир, и особенно в Германии, будет исполнять его произведения по всей стране — и особенно на его родине, Бонне.

Германия является Меккой классической музыки благодаря высокой плотности оркестров, театров и хоров, которые также хорошо поддерживаются со стороны государственного сектора.

«Чем дальше я от Германии, тем больше восхищаюсь этой страной», — говорит Кристиан Хеппнер, генеральный секретарь Немецкого музыкального совета. «В Бразилии, например, восприятие Германии как« страны музыки »намного сильнее, чем в соседних странах».

Немецкий музыкальный совет, головная организация музыкальной жизни Германии, представляет интересы около 14 миллионов музыкантов.

Кристиан Хеппнер из Немецкого музыкального совета

Уникальный оркестровый ландшафт

Согласно статистике Немецкой ассоциации оркестров, в 2018 году по всей стране насчитывалось 129 оркестров, финансируемых государством, с примерно 10 000 участников.Такие оркестры, как Берлинский филармонический оркестр, Sächsische Staatskapelle Dresden или Gewandhausorchester Leipzig, являются одними из лучших в мире.

Между тем, известные камерные оркестры и специальные ансамбли старой и новой музыки, такие как Каммерфилармония Бремена, Концерт Кельн или Ансамбль Модерн, а также молодежные ансамбли, такие как Федеральный молодежный оркестр (верхний рисунок), Государственный молодежный оркестр или Junge Deutsche Philharmonie — даже не включены в цифры.

Semperoper, оперный театр Sächsische Staatsoper Dresden

Рекордсмен по количеству оперных трупп

Германия также является мировым лидером в области музыкальных театров: в стране действует более 80 постоянных оперных трупп. , Почти столько же, сколько во всем остальном мире вместе взятых.

Большинство из примерно 560 оперных театров по всему миру работают по так называемой системе stagione, что означает, что они не имеют собственных постоянных ансамблей, а нанимают певцов или целые постановки на определенный период времени.

Критики часто спрашивают, нужно ли Германии столько субсидируемых оркестров и оперных театров. Но для Кристины Хеппнер «этого никогда не может быть достаточно». Глава Немецкого музыкального совета выступает за культурное разнообразие, в котором каждый оркестр и каждый театр уникальны.

Хотя Хеппнер согласен с тем, что посещаемость концертных залов должна быть прозрачной, он не верит в разработку программ, основанных исключительно на данных о продажах и общественном спросе.

«Мы хотим создать спрос и пробудить интерес публики к неизвестному, — сказал он, — что я также считаю важной задачей этих культурных учреждений.»

Сильная поддержка со стороны государства

Достижение этого культурного разнообразия требует финансовой поддержки. Государственный сектор Германии субсидирует культуру больше, чем какая-либо другая страна в мире. В 2019 году более 10 миллиардов евро (11 миллиардов долларов) было направлено на поддержку культурных учреждений , в том числе более 3 млрд евро только на музыку и музыкальный театр.

Бюджет федерального правительства на культуру в 2019 году составил 1,6 млрд евро, но это всего лишь около 15% от общего финансирования культуры, остальная часть поступает из муниципалитетов и федеральных земель Германии.Почти 50% государственных грантов выплачиваются органами местного самоуправления. Кроме того, есть деньги от ЕС и частного сектора, включая частных лиц и фонды.

В США сектор культуры почти полностью финансируется из частных источников. В Великобритании существует базовая государственная услуга, которая покрывает около 30-50% суммы, инвестированной в культуру.

«Для нас образование и культура являются общественными услугами и поэтому в значительной степени финансируются государством», — объясняет Хеппнер из немецкого фонда финансирования культуры.«Частные фонды всегда связаны с интересами», — добавляет он, указывая на то, что богатые доноры в США часто говорят в программах. В Германии парламенты контролируют финансирование, но не содержание.

Разнообразие музыкальных фестивалей

Еще одна особенность немецкой музыкальной сцены — это многочисленные фестивали. По данным Немецкого музыкального информационного центра (MIZ) в Бонне, всего за три десятилетия, с 1980 по 2010 год, количество музыкальных фестивалей увеличилось почти в четыре раза.В настоящее время в Германии более 500 фестивалей.

Почти треть всех фестивалей классической музыки посвящена так называемой серьезной музыке, начиная от фестивалей современной музыки, таких как фестиваль Донауэшинген, основанный в 1921 году, до знаменитого Рурского фестиваля пианистов или фестиваля камерной музыки Spannungen в Хаймбахе. в районе Эйфель.

Сорок мероприятий посвящены музыкальному театру по всей Германии — от масштабного Мюнхенского оперного фестиваля или Руртриеннале до экзотического фестиваля Россини, посвященного бельканто в Бад-Вильдбаде в Шварцвальде.

• Культурные достопримечательности на уникальных сценах Германии

  Schlossfestspiele Heidelberg

  Гейдельбергский замок — один из самых известных руин замков в Германии. Он был восстановлен лишь частично после того, как был разрушен более 200 лет назад. Сегодня это великолепный фон для Heidelberg Schlossfestspiele, фестиваля, который восходит к 1994 году. В программе этого года также есть «Kiss me, Kate» Коула Портера.

• Культурные достопримечательности на уникальных сценах Германии

  Музыкальный фестиваль в Шлезвиг-Гольштейне

  Музыкальный фестиваль в Шлезвиг-Гольштейне был основан в 1896 году и остается одним из крупнейших и наиболее известных мероприятий такого рода в Германии.Выступления проходят в церквях, замках, амбарах и загородных усадьбах — например, в поместье Эмкендорф недалеко от Киля, изображенном здесь.

• Культурные достопримечательности на уникальных сценах Германии

  Nibelungenfestspiele Worms

  Любовь и ненависть, гордость и предательство — вот из чего состоит миф о Нибелунгах. Сага, как говорят, произошла в средневековом Вормсе. А с 2002 года он также был в центре фестиваля нибелунг в этом же городе. Более 230 000 зрителей уже окунулись в сагу о Зигфриде и Кримхильде, и каждый год постановка перед Вормским собором преподносит новые сюрпризы.

• Культурные достопримечательности на уникальных сценах Германии

  Luisenburg-Festspiele Fichtelgebirge

  Скалистый пейзаж, полный красоты и таинственности, — это Luisenburg Festspiele, расположенный в горах Фихтель недалеко от Вунзиделя. Фестиваль стартовал в 1890 году, что сделало его старейшим мероприятием подобного рода в немецкоязычном регионе. Репертуар варьируется от популярного баварского и детского театра до классики, такой как «Волшебная флейта» Моцарта.

• Культурные достопримечательности на уникальных сценах Германии

  Domstufen Festspiele в Эрфурте

  Слева собор, справа церковь Св.Севери, а в центре лестница с 70 ступенями. Это впечатляющий фон, который каждое лето превращает достопримечательность Эрфурта в концертную площадку. В этом году прозвучит «Трубадур» Джузеппе Верди.

• Культурные достопримечательности на уникальных сценах Германии

  Карл Мэй Шпиле Бад-Зегеберг

  С 1952 года немецкий Дикий Запад процветает в городе Бад-Зегеберг, недалеко от Северного моря. Каждое лето одно из приключений Карла Мэя проводится на открытой арене стадиона Калькберг.В спектаклях с персонажами, знакомыми поколениям немецких школьников, есть множество боевиков и трюков, и они вызывают восторг для всей семьи.

• Культурные достопримечательности на уникальных сценах Германии

  Festspiele Bad Hersfeld

  Бад-Херсфельд давно известен как одна из лучших площадок для театров под открытым небом. Фестивалю на развалинах старой церкви исполняется 67 лет.

• Культурные достопримечательности на уникальных сценах Германии

  Störtebeker Festspiele Rügen

  О Клаусе Штёртебекере, пирате, который в XIV веке боролся за свободу и справедливость на Северном и Балтийском морях, ходят легенды.Его приключения — главная тема зрелищного фестиваля на балтийском острове Рюген. В мероприятии участвуют 150 актеров и сотрудников, четыре корабля, 30 лошадей, а также бесчисленные трюки и спецэффекты.

• Культурные достопримечательности на уникальных сценах Германии

  Классический Берлин под открытым небом

  Жандарменмаркт Берлина с его неоклассической архитектурой — одна из самых красивых площадей города. За 25 лет фестиваль предлагает широкий музыкальный репертуар, от итальянских арий до напыщенных симфоний, классики джаза и даже музыки к фильмам.Но изюминкой всегда являются фейерверки, освещающие ночное небо Берлина.

  Автор: Керстин Шмидт

Посетители со всего мира

Традиционные и новые фестивали пользуются все большей популярностью: 73000 посетителей из Европы и из-за рубежа приехали в Лейпциг на фестиваль Баха в 2019 году. Легендарный Байройтский фестиваль, посвященный Рихарду Вагнеру, ежегодно посещают более 62 000 человек — многим фанатам Вагнера приходится ждать годы, прежде чем они наконец получат билет на мероприятие.Музыкальный фестиваль в Рейнгау и Музыкальный фестиваль в земле Шлезвиг-Гольштейн — одни из самых важных и популярных фестивалей классической музыки в северной Германии.

К 250-летию Людвига ван Бетховена Боннский Бетховенфест пройдет дважды в 2020 году, весной и осенью. Специально созданная юбилейная компания Бетховена, BTHVN2020, поддерживает 250 проектов по всей стране и управляет бюджетом в 30 миллионов евро.

Немцы, нация меломанов?

По статистике, немцы любят классическую музыку: из почти 83 миллионов жителей около 14 миллионов человек играют на музыкальных инструментах или поют в хоре.В каждом шестом немецком доме играют на одном или нескольких инструментах.

Очереди в музыкальных школах и детских садах с музыкальным уклоном велики, — говорит Хеппнер. По данным Ассоциации немецких музыкальных школ, по всей стране существует почти 1000 государственных музыкальных школ, в которых обучаются почти 1,5 миллиона детей и подростков.

• Самые традиционные хоры мальчиков в Германии

  Хор Берлинского государственного и кафедрального собора

  Основанный в 1465 году Фредериком II Бранденбургским, Берлинский государственный и кафедральный хор никогда не принимал девочек.Этот хор мальчиков оказался в центре судебного спора из-за отказа принять в свои ряды девятилетнюю девочку. Гастролировав по миру, хор является одним из самых известных в Германии, но есть и более старые.

• Самые традиционные хоры мальчиков в Германии

  Ахенер Домчор

  Великолепный собор императора Карла Великого, объект Всемирного наследия, является домом для старейшего в Германии хора мальчиков. Хор Ахенского собора, также известный под латинским названием Cappella Carolina, может похвастаться более чем 1200-летней историей.В 2011 году здесь был основан соборный хор для девочек.

• Самые традиционные хоры мальчиков в Германии

  Regensburger Domspatzen

  Название переводится как «Воробьи Регенсбургского собора» и восходит к 976 году. Бавария выступала для государственных гостей, таких как королева Елизавета II и папа Иоанн Павел II. В 2010 году он попал в заголовки газет, когда стали известны широко распространенные случаи сексуального насилия. Директором во время предполагаемых случаев жестокого обращения был Георг Ратцингер, брат Папы Бенедикта XVI.

• Самые традиционные хоры мальчиков Германии

  Stadtsingechor zu Halle

  Хор города Галле, родного города Георга Фридриха Генделя, был основан в 1116 году и в 2016 году отпраздновал свое 900-летие. Германию иногда называют старейшим секуляризованным хором в мире. В большинстве традиционных хоров Германии мальчики посещают ассоциированную школу-интернат, но здесь это не так.

• Самые традиционные хоры мальчиков Германии

  Thomanerchor

  Хор Св.Томас в Лейпциге был основан в 1212 году. Этот мужской хор основан на произведениях Иоганна Себастьяна Баха, музыкального руководителя хора с 1723 по 1750 год. Эта должность известна как Thomaskantor (Кантор Святого Фомы). Певцов зовут Томанер, они живут в интернате.

• Самые традиционные хоры мальчиков Германии

  Dresdner Kreuzchor

  Хор мальчиков Kreuzkirche (церкви Креста) в Дрездене, история которого насчитывает около 650 лет, является пятым старейшим хором в Германии.Его 150 членов называются Крузианер. Они часто выступают с Государственной капеллой Дрездена (Дрезденский государственный оркестр) и Дрезденской филармонией, как на картинке выше.

  Автор: Элизабет Гренье

А немцы вообще любят музыку слушать. По данным Немецкого музыкального совета, 33% немцев любят классическую музыку. Для сравнения, согласно опросам, это относится только к 10-17% населения в США и примерно к 15% в Великобритании. Только в России и Японии доля любителей классической музыки сопоставима с Германией.

Был ли Бетховен черным? Twitter обсуждает истинное наследие немецкого композитора

22 июня 2020, 17:55 | Обновлено: 22 июня 2020, 21:58

Был ли Бетховен черным? Картина: Getty

В Интернете ходит теория о том, что Людвиг ван Бетховен был черным — и оказывается, что дебаты ведутся уже почти столетие.

За последние несколько дней в Твиттере циркулировала теория: был ли Бетховен черным?

Это дебаты, которые ведутся с 1930-х годов, когда афроамериканский журналист начал распространять их в выпуске журнала The Week .

Теория вновь всплыла на поверхность в 2015 году, когда The Concordian , студенческая газета из Миннесоты, предложила «отбелить» наследие композитора, цитируя описания композитора как имеющего «широкий, толстогубый рот, короткий , толстый нос и гордо изогнутый лоб ».

Поскольку многие впервые увидели эти теории, реакция в Твиттере была астрономической.

А пока это все для обсуждения. Но давайте начнем с того, что мы знаем о великом композиторе-классике…

Людвиг ван Бетховен родился в Бонне, Германия, в 1770 году в фламандской семье (сегодняшние Нидерланды).Он переехал в Вену в 1792 году и провел там большую часть своей жизни. Он широко известен как самый новаторский композитор в области классической музыки, и ему приписывают мост между классическим и романтическим периодами.

Среди ажиотажа в Твиттере популярны аргументы в пользу того, что мать Бетховена, Мария Магдалена, имела мавританское происхождение. Мы спросили ведущего специалиста по Бетховену и ведущего Classic FM Джона Суше, выдерживает ли это хоть какая-то информация. «Возможно, у Бетховена была мавританская кровь», — сказал он. «Его потомки были из Нидерландов — отсюда ван Бетховен, а не фон Бетховен.

Но, говорит Джон, «если у Бетховена была мавританская кровь, то она, скорее всего, пришла по отцовской линии, поскольку отцовская линия берет свое начало в Нидерландах. Его мать, Мария Магдалена, происходила из небольшого городка Эренбрайтштайн, расположенного выше по Рейну от Бонна. Я не видел никаких доказательств того, что она имела мавританское происхождение или что этот регион когда-либо находился под прямым контролем мавров ».

Что касается споров по поводу черт лица Бетховена, Суше говорит:

«Конечно, смуглый цвет лица Бетховена часто комментировался.В школе в Бонне его прозвали «испанцем». Вскоре после прибытия в Вену, когда ему было чуть больше двадцати, упоминается, что принц Антон Эстерхази назвал его «мавром».

Людвиг ван Бетховен. Картина: Getty

Довольно удивительно, но широко обсуждаемая теория привела многих людей в Интернете к такому же выводу: вместо того, чтобы обсуждать наследие Бетховена, не следует ли нам вспоминать гениальных чернокожих композиторов, о существовании которых мы точно знаем?

С тех пор, как на прошлой неделе разгорелась полемика, мировое внимание привлекли фотографии и имена бесчисленных блестящих чернокожих композиторов, таких как кавалер де Сен-Жорж и Сэмюэл Кольридж-Тейлор.

Подробнее: 9 чернокожих композиторов, изменивших ход истории классической музыки>

Я понимаю, что идея «Бетховен был черным», как правило, несерьезная шутка, но зачем тратить все эти усилия на пропаганду глупого заговора, если вместо этого вы можете праздновать * АКТУАЛЬНЫХ * чернокожих современных композиторов, таких как Сен-Жорж, Джонсон или Бриджтауэр, которые были феноменальными музыкантами? pic.twitter.com/oxUellCBjB

— Мистер Сингх (@Chindiazindabad) 18 июня 2020 г.

Особый интерес представляет Джордж Бриджтауэр, черный скрипач-виртуоз времен Бетховена, которому композитор посвятил свою «Крейцерову» сонату, прежде чем отказаться от посвящения из-за ссоры между парой.

Итак, вместо того, чтобы задавать вопрос: «Был ли Бетховен черным?» спросите: «Почему я ничего не знаю о Джордже Бриджтауэре?» Мне, честно говоря, больше не нужны споры о черноте Бетховена. Но мне нужны люди, чтобы играть музыку Бриджтауэра. И ему подобные.

— Доктор Кира Турман (@kira_thurman) 18 июня 2020 г.

Было также здорово увидеть музыку Бетховена, от Für Elise до «Лунной сонаты», в которой ремикшируется с хип-хопом и рэпом.

Последний вопрос к Джону Суше в этом ключе: было ли что-нибудь в музыке Бетховена, чтобы предположить, что он имел мавританское или североафриканское происхождение?

«Это, безусловно, правда, что в его музыке использование ритма и динамики Бетховеном было новинкой для западной музыки — акцент часто переносился на ритм, например, на второй и четвертой доле такта, в отличие от более нормального. и три, — говорит Суше.

«Внезапное сопоставление громкого звука с тихим или тихого с громким было не похоже ни на что, что было сделано раньше.Эти характеристики использовались, чтобы доказать, что Бетховен был черным, что на него повлияла музыка Африки. В некоторой степени это может быть правдой, но такое смелое заявление заходит слишком далеко. Моцарт написал Rondo alla Turca , но это не значит, что в нем была турецкая кровь ».

Barocker Glanz — Goethe-Institut

Композиторы 17-го и 18-го веков в немецкоязычных странах были открыты для восхищения итальянскими и французскими моделями и создали разнообразный и индивидуальный музыкальный язык.Возникла подвижная, плотная и тесно переплетенная сеть, часто ориентированная на Европу.

Было бы ошибкой сводить эпоху барокко в немецкоязычных странах к ее наиболее известным представителям, таким как Иоганн Себастьян Бах, Георг Фридрих Гендель и Георг Филипп Телеман: если взять только 17 век, то у нас есть Генрих Шютц, Самуэль Шайдт и Иоганн. Герман Шайн, «три знаменитых S», композиторы, добившиеся огромного прогресса в проявлении уникального звукового мира в стиле барокко.

Без этих выдающихся композиторов развитие немецкоязычных стран не было бы таким интенсивным. Но живая музыкальная жизнь во дворцах и небольших городах создавала плотную музыкальную сеть высокого качества, в которой участвовало бесчисленное количество главных героев. В частности, в немецкоязычных странах важно отметить, что не было центрального политического и придворного центра (как во Франции), а было множество больших и малых судов разных конфессий, все из которых находились под влиянием французской культуры.Кроме того, в больших городах были созданы центры, которые аналогичным образом были нацелены на распространение музыкальных развлечений как выражения гражданской гордости и чувства представителя.

Грандиозность и разнообразие

Период 1600–1750 гг. Характеризуется плавными переходами между десятилетиями и эпохами. После периода перемен около 1600 года принято определять раннее барокко до 1650 года, считая период до 1710 года высоким барокко, а период до 1750 года — поздним барокко.Но даже за эти десятилетия сложился так называемый «сентиментальный» и «галантный» стиль, или «доклассическая музыка», или рококо — это музыка, которая подготовила почву для классической эпохи с ее многочисленными шедеврами.

Музыкальные формы и стилистические принципы той эпохи вначале находились в основном под итальянским влиянием, но позже были основаны на французских моделях, и еще позже стремились, наконец, привить эпоху «смешанных вкусов». Для немецкоязычных стран характерна независимость, полученная благодаря их музыкальному восприятию, что произошло после ассимиляции многих иностранных музыкантов.Для Генриха Шютца, Иоганна Германа Шайна и Михаэля Преториуса сильным влиянием была итальянская монодия и стиль концерта; Появление органной музыки Северной и Центральной Германии Матиаса Векмана, Иоганна Якоба Фробергера, Букстехуде и, в конечном итоге, Иоганна Себастьяна Баха, напротив, находилось под значительным влиянием англо-голландской органной традиции. Уникальное разнообразие немецкой музыкальной культуры 18 века наконец нашло свое воплощение в смешанном, фактически «немецком» вкусе — союзе лучших региональных стилей — это устойчивое выражение проявилось в эстетических дебатах, связанных с Иоганном Иоахимом Кванцем.

Новые формы — новое выражение

В эпоху барокко композитор шел к тому, чтобы стать самоуверенным и свободным художником, что должно было проявиться в таких фигурах, как Моцарт или Бетховен, представителей в классическом смысле этого слова. Это развитие длительное и в эпоху барокко прослеживается от чистой композиционной техники до фиксации тонального фокуса переднего плана и духовного и интеллектуального фона музыки. Это означало, что композитор, в дополнение к чисто формальной нотации (вокальной) партии, должен был также учитывать динамические обозначения, детали темпа и рубато, а также точные необходимые силы, все чаще сочиняя чисто инструментальные или чисто вокальные Музыка.Суть композиции стала самим опусом.

Создано множество новых жанров и форм; Широкое применение нашла система мажор-минор с богатым хроматизмом и использованием диссонирующих аккордов. Это сопровождалось эмансипацией инструментальной музыки: по принципу концерта были развиты концерт гроссо, фуга, концерт, сюита и соната. Композиторы, написавшие инструментальные сюиты, были многочисленны: Иоганн Герман Шайн и Самуэль Шайдт, затем Иоганн Розенмюллер, Иоганн Якоб Фробергер и Георг Муффат, до Георга Бема и Иоганна Каспара Фердинанда Фишера.

Священный концерт — область, где венецианский полихоральный стиль сливается с новой практикой бассо континуо, согласованными голосами и протестантским хоралом — нашел свое отражение в Генрихе Шютце, Дитрихе Букстехуде и Самуэле Шайде. Отсюда и возникла кантата с ее типичной последовательностью движений, проявленной в произведениях Вольфганга Карла Бригеля. Букстехуде, а также Телеман и Иоганн Себастьян Бах остаются в конечном итоге самыми важными композиторами этого жанра.

Генрих Шютц создал с помощью своих Weihnachtshistorie и Passion первые образцовые работы в этой молодой форме.Первой немецкой протестантской ораторией была оратория Райнхарда Кейзера Der blutige und sterbende Jesus , датируемая 1704 годом. Более звучный музыкальный язык ораторий Баха и Генделя считается одним из самых известных и наиболее часто исполняемых.

Вдобавок, особенно после обращения саксонского графа Фридриха Августа I в католицизм, именно Дрезден взрастил итальянскую католическую ораторию, о чем свидетельствуют произведения Иоганна Давида Хайнихена, Яна Дисмаса Зеленка, Иоганна Адольфа Хассе и, наконец, Иоганна. Готлиб Науманн.

Опера

Музыкальный театр в новой, грандиозной форме: люди, стоящие на сцене в костюмах и исполняющие определенные роли, в сопровождении инструментального ансамбля, основу которого составляет ансамбль континуо. Роскошь и фантастические костюмы, а также сценический дизайн отразились в чистой славе звука, виртуозности и музыкальной импровизации. Примадонна (первая певица) и Примо Уомо (первый певец-кастрат) соперничали за внимание публики. Как и сегодня, они получали высокие зарплаты, стали международными звездами и были популярны на кортах по всей Европе.

Музыка (ныне утерянная) к Дафна Генриха Шютца и на либретто Мартина Опица была первой немецкой оперой, премьера которой состоялась в 1627 году в Торгау. Первая сохранившаяся немецкая опера была написана Зигмундом Готлибом Штаденом. Театр Salvatorplatz в Мюнхене увидел оперу Джованни Баттиста Макчони в 1654 году в том, что было первым независимым домом в Германии (этот дом был построен для мюнхенского двора по случаю свадьбы курфюрста и, таким образом, был тесно связан с придворная культура).К концу 17 века композиторы Иоганн Филипп Кригер в Вайсенфельсе и Агостино Стеффани в Ганновере, а также Георг Каспар Шюрман в Брауншвейге были активными оперными композиторами вместе с Карлом Генрихом Грауном, который позже работал на Фридриха II в качестве придворного «Хофкапельмейстера». «и композитор. Он был успешным и композитором многих итальянских опер.

Для того, чтобы завоевать репутацию того или иного суда, было важно иметь возможность привлекать лучших певцов. Так было с курфюрстом в Дрездене, который в 1662 году по особому случаю суда представил первую итальянскую оперу « Il Paride » Джованни Андреа Бонтемпи, «вице-капельмейстера» при Шютце в то время.С 1717 года Иоганн Давид Хайнихен был «капельмейстером» при дворе Августа Сильного. Два года спустя Георг Фридрих Гендель отправился в Дрезден по случаю славного празднования свадьбы саксонского курфюрста, чтобы послушать лучших итальянских певцов (он успешно покорил их своей лондонской оперой). Наконец, с 1733 года на 30 лет светила новая звезда на оперном небосводе: Иоганн Адольф Хассе.

С 1678 г. Гамбург был «публичным и популярным» оперным театром, а с 1693 г. Лейпциг.Старейший оперный театр, построенный по гражданской инициативе, находился на гамбургском «Gänsemarkt» (Гусиный рынок), и на нем было много новых произведений немецких композиторов, таких как Георг Фридрих Гендель, Рейнхард Кейзер, Иоганн Маттесон и Георг Филипп Телеманн, все они были написаны на немецкие либретто. Кроме того, в репертуаре были адаптированные французские и итальянские оперы, при которых речитативы были переведены, а арии сохранены на языке оригинала. К моменту закрытия в 1738 году здесь состоялось около 300 оперных премьер.

Новое публичное лицо

Новая автономия, обнаруженная в искусстве и связанных с ним жанрах — сначала только в придворных и аристократических кругах — стала частью нового публичного лица и прочно утвердилась в 18 веке, по крайней мере, как полуобщественный вид концертной жизни. Виртуозы перипатетики и все более профессиональное создание концертов поддержали этот процесс по итальянским и французским образцам. Регулярные концерты, нередко в залах различных общественных ресторанов и парков развлечений, помогли установить абонентскую серию и, следовательно, многочисленных слушателей.В 1713 году Георг Филипп Телеман основал вместе с существующей «Collegia musica» серию регулярных концертов во Франкфурте-на-Майне, а в 1723 году и в Гамбурге. В Лейпциге он уже организовал — с 1701 года — серию публичных концертов с Collegium musicum.

Иоганн Себастьян Бах руководил этим ансамблем с 1729 года и каждую пятницу проводил концерты в своей легендарной кофейне. В 1743 году была учреждена серия концертов в Лейпциге, так называемый «Большой концерт» по образцу парижских «Concerts spirituels».

Двери открываются в новую эпоху

В конце эпохи барокко композитор столкнулся — на немецкоязычных территориях — со все более и более критически настроенной публикой. Он был вынужден облачиться в мантию профессионального художника. К настоящему времени слушатель превратился в полностью подготовленного музыкального эксперта и меломана. К тому же те, кто жил в то время, хорошо понимали, как оценивать новаторское музыкальное развлечение, которое было полно разнообразия и заново засияло. Он был полон духовной глубины и эмоциональной силы, о чем свидетельствуют священные композиции, ставшие опорой для души в эти смутные времена.К середине 18 века расцвели самые разные жанры, характеризуемые виртуозным музыкальным творчеством и, прежде всего, поиском человеческого выражения, отраженного в зеркале души, и сопутствующей естественности музыкальных ощущений: двери открылись щедро вступает в новую музыкальную эру.

The Greenville News

Немецкие композиторы считаются одними из самых «серьезных» в классической музыке.

Задумчивый Бетховен. Мрачный Бах.

Но за этими стереотипами скрывается богатый спектр эмоций, — сказал Эдвард Чивжель, который будет на подиуме в следующей программе Masterworks Greenville Symphony «Немецкое вдохновение.”

Два концерта, 28 и 29 марта в Центре мира, посвящены яркому Карлу Марии фон Вебер и грандиозно шумному Паулю Хиндемиту.

Иоганнеса Брамса представит одно из своих самых солнечных оркестровых произведений — Вторая симфония.

«Это разные стороны немецкой музыки», — сказал Чивжел. «Эти трое представляют разные поколения композиторов, но их музыка основана на великих немецких традициях».

Концерт открывается бойкой увертюрой к опере Вебера «Эврианта.

Чивжел и оркестр также исполнят «Симфонические метаморфозы тем Карла Марии фон Вебера» Хиндемита, которые композитор написал в 1943 году, находясь в Америке. Хиндемит бежал от нацистского режима в 1940 году и позже стал гражданином США.

«Симфонические метаморфозы» — это большое красочное произведение в стиле позднего романтика, в котором великолепно написано для всего оркестра, особенно для духовых.

«Это красиво оформлено», — сказал Чивжел. «Он героический и мощный, полный энергии и драйва.

Чивжел добавил: «Это большая работа для музыкантов. Это заставляет всех быть занятыми — фантастическая вещь ».

Симфония № 2 Брамса, основное произведение в программе, считается самой яркой и пасторальной из четырех симфоний немецкого композитора.

«Это тепло и очень лирично, но в итоге и триумфально, — сказал Чивжел.

Чтобы быть в курсе последних новостей и обзоров местного искусства, подписывайтесь на Пола Хайда в Facebook и Twitter: @ PaulHyde7.

ВЫ МОЖЕТЕ ПОЙТИ

Что: Симфонический оркестр Гринвилля представляет «Немецкое вдохновение»

Когда: 8 стр.м. Суббота, 28 марта; 3 вечера. Воскресенье, 29 марта

Где: Концертный зал Центра мира

Билеты: От 16 до 57 долларов

Информация: 864-467-3000 или www.peacecenter.org

Музыка Третьего Рейха

Музыка не был просто еще одним видом искусства в Третьем рейхе. В нацистском воображении музыка имела уникальное значение и силу. У Германии как нации была давняя традиция музыкального успеха — немцы непропорционально представлены среди великих композиторов-классиков, включая Моцарта, Баха, Бетховена, Гайдна, Шуберта и Вагнера, что заставило некоторых заявить, что музыка была « самой немецкой из всех ». искусство’.Признанная во всем мире важность немецких композиторов, дирижеров и музыкантов была огромным источником гордости; в то же время модернистские и «космополитические» тенденции в искусстве межвоенного мира в некоторых кругах воспринимались как огромная угроза. Для нацистов предполагаемое вырождение немецкой музыки было одновременно метафорой и симптомом вырождения нации.

Идея о том, что Германия питает особую тягу к великой музыке и что она находится под угрозой в межвоенный период, не ограничивалась нацистской партией.Многие консервативные националисты восприняли музыкальные тенденции этого периода как предзнаменование глобального вырождения, и именно поражение Германии в Первой мировой войне, последовавшая за ней экономическая разруха и унижение Версальского мирного договора обострили ситуацию. Для многих растущая популярность свинга, джаза, авангардных экспериментов и афроамериканских и еврейских музыкантов не была случайностью: они были одновременно причиной и следствием общего краха немецкого общества и немецких ценностей.Если немецкая музыка ассоциировалась с героизмом, любовью к нации, стремлением к созиданию и укоренением в крови и почве, то эта «дегенеративная» музыка была ориентирована на прибыль и азарт, подражательна и поверхностна, и ей не хватало оригинальности, потому что ей не хватало своей собственная здоровая нация и культура. Многие социальные критики и музыковеды оплакивали эти тенденции. Хотя эти опасения касались не только евреев, они были основной целью. Хотя лишь небольшой процент немецких музыкантов были евреями, известность таких людей, как Арнольд Шенберг, Отто Клемперер, Курт Вайль и другие, укрепила идею о том, что евреи были в авангарде организованной клики, извращающей и присваивающей немецкие ценности.Угрозы, которые евреи, казалось, представляли для Германии и ее музыкального наследия, сводились к их предполагаемой чуждости и их связи с нежелательной и деструктивной современностью.

С самых ранних лет нацисты представляли себя массовым националистическим движением, и, несмотря на всю мощь изобразительного искусства, театра или литературы, именно музыка рассматривалась как великий угодник толпы, самый эффективный способ соблазнить и покорять массы. Как сказал министр пропаганды Йозеф Геббельс,

Музыка влияет на сердце и эмоции больше, чем на интеллект.Где же тогда сердце нации могло биться сильнее, чем в огромных массах, в которых сердце нации нашло свой истинный дом?

Стремление нацистов очистить немецкий музыкальный мир от «вырождения» и вернуть его к его мифической германичности — заведомо неопределимой категории — побудило к огромному количеству активности, планирования и выработки политики. Практически сразу после того, как Гитлер был провозглашен канцлером в январе 1933 года, сторонники нацистов, продолжая раннюю деятельность Kampfbund für deutsche Kultur (Боевая лига за немецкую культуру), начали срывать музыкальные выступления еврейских артистов.

Газеты, спонсируемые нацистами, с особой радостью клевещали на имена и карьеры «дегенеративных» музыкантов, часто угрожая насилием в отместку за «негерманские» концерты. Однако это раннее преследование было только началом. В марте 1933 года Геббельс взял под свой контроль все немецкие радиостанции и прессу, уволив всех художественных и музыкальных критиков, которые не поддерживали его эстетические взгляды. Через месяц, 7 апреля 1933 года, был принят Закон о восстановлении государственной службы, что привело к массовым увольнениям еврейских дирижеров, певцов, учителей музыки и администраторов.В июле были уволены два самых важных композитора прославленной Прусской Академии художеств, Арнольд Шенберг и Франц Шрекер.

Скорость, с которой происходили эти события, ошеломила евреев, живущих в Германии, но неевреи вызвали очень мало протестов, некоторые из которых ухватились за возможность занять недавно освободившиеся должности. (Отдельные, но значительные протесты в основном исходили как от еврейских, так и от нееврейских музыкантов и композиторов в Соединенных Штатах). Единственной крупной немецкой фигурой, предложившей какой-либо вид общественного протеста, был дирижер Вильгельм Фуртвенглер, который написал открытое письмо Геббельсу.Хотя он одобрял устранение «еврейского влияния» на немецкую музыку, он также настаивал на том, что есть выдающиеся отдельные евреи, которым следует разрешить продолжать выступать; он беспокоился о том, чтобы занять должности некоторых из лучших музыкантов в своем оркестре. Были также некоторые более авторитетные евреи, которые были глубоко вплетены в музыкальную жизнь Германии, и их было не так легко уволить; несколько таких музыкантов продолжали работать при нацистах в первые годы правления режима.Однако к концу 1935 года чистка была более или менее завершена. Многие немецко-еврейские музыканты к этому моменту бежали из Германии, большая часть уехала в США, Англию или Палестину.

Столкнувшись с большим количеством безработных еврейских художников, нацистские лидеры разработали временное «решение». Летом 1933 года прусское министерство образования встретилось с лидерами берлинских евреев и согласилось создать Jüdischer Kulturbund (Еврейская культурная лига), которая была официально зарегистрирована 23 июня 1933 года под организацией доктора Курта Сингера.В ноябре 1933 года была создана Reichsmusikkammer (Reich Music Chamber или RMK), филиал Рейхской культурной палаты, ответственный за музыку, организация, которой требовался членский билет и, следовательно, статус «арийца» для работы в музыкальной сфере. RMK объединил множество существующих союзов и профессиональных ассоциаций музыкантов из Веймарской Германии. Первоначально немецкие музыканты были взволнованы перспективой централизованной структуры; Таким образом, многие были привлечены нацистами не из-за идеологии, а из-за потенциальных художественных преимуществ.Однако вскоре стало ясно, что свобода творчества предоставляется строго по расовому признаку. После увольнений и чисток в первые годы нацизма Нюрнбергские законы от сентября 1935 года еще больше усугубили ситуацию, поскольку теперь даже «полуевреи» и те, кто женат на евреях, больше не могли по закону выступать или сочинять. Мир музыкальных издательств также подвергся преследованиям, сотни ведущих издателей и сотрудников подверглись преследованиям, увольнениям и заключению в тюрьмы.

В 1938 году была открыта печально известная выставка Entartete Musik (Дегенеративная музыка), созданная по образцу успешной ранее передвижной выставки Entartete Kunst (Дегенеративное искусство).Этот амбициозный спектакль, организованный Гансом Северусом Циглером, проходил в Дюссельдорфе и был призван показать немецкой публике, что такое «дегенеративная» музыка, продемонстрировать ее опасности и отпраздновать ее очищение от немецкого общества. Однако Циглер быстро понял, что определение «дегенеративной музыки» чрезвычайно сложно. Многие пьесы, представленные на выставке в качестве примеров вырождения, действительно пользовались популярностью среди слушателей, и некоторые опасались, что на показ будут присутствовать фанаты, желающие их услышать.Кроме того, хотя увольнение евреев не вызвало особого протеста, эта выставка больше беспокоила немецких музыкантов, вероятно, потому, что «вырождение» было связано не только с чернокожими и евреями, но и с экспериментальной и «иностранной» музыкой разного рода.

Определение «выродка» колебалось по всему Третьему рейху даже у самых преданных нацистов. Помимо практических трудностей, связанных с удалением «нежелательных» из музыкального мира Германии, было много конфликтов, поскольку прагматизм вступил в конфликт с расовой теорией.Композиция, которая беспокоила нацистских политиков, была произведением немецко-еврейского композитора ^{-го и} -го века Феликса Мендельсона «« Сон в летнюю ночь »», произведение, которое продолжало исполняться, в том числе Фуртвенглером. Другими примерами, которые раздражали цензоров и лиц, принимающих решения, были сотрудничество Моцарта с еврейским либреттистом, постановка Генделем текстов Ветхого Завета на музыку, а также постановка Шуманом и Шубертом стихов еврейского Генриха Гейне на музыку.

В целом, однако, нацистской политике удалось за короткое время переделать музыкальную сцену Германии.Музыковед Ганс Иоахим Мозер составил праздничное резюме этой политики:

Как и везде, еврейство особенно проникло в сферу музыки в США и Европе; издатели, агенты и пресса устроили так, чтобы их расовые товарищи заняли почти все решающие должности, и таким образом попытались навязать свой вкус вкусу простых людей. Мы не должны отрицать то, что отдельные из них, благодаря ассимиляции и таланту, особенно в качестве подражателей / воспроизводителей, создали впечатляющие произведения.Тем не менее, поскольку после 1933 года они удалены из нашего культурного круга, значит, это связано с праведной чрезвычайной защитой арийского народа от интеллектуальной и экономической тирании, навязанной нам евреями.

Для тех, кому эта «праведная защита» немецкой музыки оставалась выгодной, ситуация кардинально изменилась, чем до 1933 года. К 1937 году RMK насчитывал среди своих членов десятки тысяч профессиональных музыкантов и музыкальных работников, при Геббельсе возникла новая система профессионализации музыкального мира.Каждому музыканту был назначен один из пяти уровней, каждый из которых имел установленную заработную плату. Геббельс также разработал множество программ для помощи бедным и безработным музыкантам, что привело к росту заработной платы и карьерного роста. Однако приверженность нацистской идеологии, как правило, оценивалась больше, чем музыкальный талант, что позволяло вознаграждали лояльную посредственность над мастерством. Композиторов и музыкантов можно было использовать в качестве пропагандистского оружия для Рейха, создавая марши и легкую музыку, чтобы отвлекать и развлекать население, а также музыку для партийных мероприятий и митингов.Бесчисленные композиции прославляли Гитлера, Германию и славное будущее нацистской партии.

На более широком социальном уровне музыка считалась важным средством привития «немецких ценностей», национализма и чувства общности. Были созданы бесчисленные музыкальные организации, музыканты продвинулись по службе, присуждены призы и организованы фестивали с целью, чтобы «немецкая» музыка проникла в каждый дом, школу и армейские казармы в Рейхе. Музыка также составляла важную часть деятельности нацистской партии и занимала видное место на партийных митингах и других публичных мероприятиях. Хорст Весселлид (песня Хорста Весселя), основанная на мифической истории о молодом нацисте, убитом бандой коммунистов, была популярна и широко исполнялась. Многие пропагандистские песни были нацелены на молодежь, и под руководством Бальдура фон Шираха Hitlerjugend (Гитлерюгенд) разработали сложную музыкальную программу. Даже солдат на фронте поощряли посещать культурные мероприятия и петь между собой. В период с 1933 по 1945 год были изданы десятки солдатских песенников, большинство из которых — в годы войны.Том 1943 года из серии Ежегодник немецкой музыки напомнил своим читателям, что «во время сражений музыка является источником радости».

Музыка также была важной чертой жизни во время нацистского интернирования. В СС существовал «музыкальный корпус», а в некоторых лагерях существовали отдельные группы СС. В оккупированных городах и поселках местных музыкантов часто заставляли выступать перед нацистской публикой. Офицеры СС организовали музыкальные кафе и кабаре для собственного развлечения во многих крупных гетто, включая Варшаву.Во многих концлагерях были свои оркестры, которые играли, чтобы развлечь нацистскую охрану. Музыка также широко использовалась как средство пыток: заключенных заставляли играть музыку, пока их избивали, или петь во время изнурительного труда; музыка сопровождала публичные казни и казни, а во время массовых расстрелов транслировалась через громкоговорители. Итальянский еврей Примо Леви охарактеризовал эту музыку как

голос Lager , ощутимое выражение его геометрического безумия, решимости других сначала уничтожить нас как людей, чтобы потом убивать нас медленнее.

Источники

Дюмлинг, А., 1993. На пути к «Народному Сообществу» (Volksgemeinschaft): Принудительное подчинение Берлинской музыкальной академии при фашизме. Musical Quarterly , 77 (3), 459-83.

Дюмлинг, А., 2002. Цель расовой чистоты: дегенеративная музыкальная выставка в Дюссельдорфе, 1938. В Искусство, культура и средства массовой информации при Третьем рейхе, изд. Ричард Этлин . Чикаго: Издательство Чикагского университета.

Хайстер, Х.изд., Die Ambivalenz der Moderne , Берлин: Weidler.

Heister, H. ed., 2001. «Entartete Musik» 1938 — Weimar und die Ambivalenz: ein Projekt der Hochschule für Musik Franz Liszt Weimar zum Kulturstadtjahr 1999. , Saarbrücken: Pfau.

Kater, M.H., 1997. The Twisted Muse: Musicians and their Music in the Third Reich , Oxford: Oxford University Press.

Levi, E., 1994. Музыка в Третьем Рейхе , Лондон: Macmillan.

Levi, P., 1979. If This Is a Man / The Truce , Лондон: Abacus.

Мейер, М., 1993. Музыкальная политика в Третьем Рейхе , Нью-Йорк: Питер Ланг.

Peterson, P. ed., Zündende Lieder — Verbrannte Musik: Folgen des Nazifaschismus für Hamburger Musiker und Musikerinnen , Гамбург: VSA-Verlag.

Potter, P., 1998. Большинство немецких искусств: музыковедение и общество от Веймарской республики до конца гитлеровского рейха , Нью-Хейвен: издательство Йельского университета.

Steinweis, A.E., 1993. Искусство, идеология и экономика в нацистской Германии: Палаты Рейха музыки, театра и изобразительного искусства , Чапел-Хилл: Университет Северной Каролины Press.

Немецкая опера | Признательность музыки

Немецкая оперная традиция

Королева ночи в постановке 1815 года Моцарта «Зауберфлёте»

Первой немецкой оперой была Дафне , написанная Генрихом Шютцем в 1627 году, но нотная запись не сохранилась.Итальянская опера имела большое влияние в немецкоязычных странах до конца восемнадцатого века. Тем не менее, несмотря на это влияние, местные формы будут развиваться. В 1644 году Зигмунд Штаден выпустил первый зингшпиль, Seelewig , популярную форму немецкоязычной оперы, характеризующуюся разговорным диалогом, который чередовался с ансамблями, песнями, балладами и ариями, которые часто были строфичными или народными. Сюжеты Зингшпиля обычно комичны или романтичны по своей природе и часто включают элементы магии, фантастических существ и комически преувеличенные характеристики добра и зла.Сингшпиле считались развлечением для среднего и низшего класса — в отличие от преимущественно аристократических жанров оперы, балета и сценической пьесы — и обычно исполнялись путешествующими труппами, а не признанными компаниями в столичных центрах. Моцарт написал несколько Singspiele : Zaide (1780), Die Entführung aus dem Serail (Похищение из Сераля) (1782), Der Schauspieldirektor (The Impresario) (1786) и, наконец, сложный Zauberflöte (Волшебная флейта) (1791).

Слушайте: Моцарт Зингшпиле

Примеры опер Моцарта можно послушать ниже:

В конце семнадцатого и начале восемнадцатого века в Гамбургском Театре на Генземаркт были представлены немецкие оперы Кейзера, Телемана и Генделя. Тем не менее, большинство крупных немецких композиторов того времени, включая самого Генделя, а также Грауна, Хассе, а затем и Глюка, предпочитали писать большинство своих опер на иностранных языках, особенно на итальянском.В отличие от итальянской оперы, которая, как правило, создавалась для аристократического сословия, немецкая опера в основном создавалась для масс и, как правило, состояла из простых народных мелодий. Только с приходом Моцарта немецкая опера смогла сравниться с итальянской оперой по музыкальной изысканности.

Рихард Вагнер

Моцарта Singspiele , Die Entführung aus dem Serail (1782) и Die Zauberflöte (1791) стали важным прорывом в достижении международного признания немецкой оперы.Традиция была развита в девятнадцатом веке Бетховеном с его Fidelio , вдохновленным климатом Французской революции. Карл Мария фон Вебер основал немецкую романтическую оперу в противовес господству итальянского бельканто. Его Der Freischütz (1821) демонстрирует его гений в создании сверхъестественной атмосферы. Среди других оперных композиторов того времени — Маршнер, Шуберт и Лорцинг, но наиболее значимой фигурой, несомненно, был Вагнер.

Вагнер был одним из самых революционных и противоречивых композиторов в истории музыки.Начав под влиянием Вебера и Мейербера, он постепенно развил новую концепцию оперы как Gesamtkunstwerk («законченное произведение искусства»), смесь музыки, поэзии и живописи. Он значительно увеличил роль и мощь оркестра, создав партитуры со сложной сетью лейтмотивов, повторяющихся тем, часто связанных с персонажами и концепциями драмы, прототипы которых можно услышать в его более ранних операх, таких как Der fliegende Holländer , Tannhäuser и Lohengrin ; и он был готов нарушить общепринятые музыкальные условности, такие как тональность, в своем стремлении к большей выразительности.В своих зрелых музыкальных драмах Тристан и Изольда , Die Meistersinger von Nürnberg , Der Ring des Nibelungen и Parsifal он отменил различие между арией и речитативом в пользу непрерывного потока «бесконечной мелодии». Вагнер также привнес новое философское измерение в оперу в своих произведениях, которые обычно основывались на рассказах из германских или коронованных легенд. Наконец, Вагнер построил свой собственный оперный театр в Байройте при частичном покровительстве Людвига II Баварского, посвященный исключительно исполнению своих собственных произведений в том стиле, который он хотел.

Брюнгильда бросается на погребальный костер Зигфрида в Götterdämmerung Вагнера

Опера уже никогда не будет прежней после Вагнера, и для многих композиторов его наследие стало тяжелым бременем. С другой стороны, Рихард Штраус принял идеи Вагнера, но развил их в совершенно новых направлениях. Впервые он получил известность благодаря скандальной Salome и мрачной трагедии Elektra , в которых тональность была доведена до предела. Затем Штраус изменил курс в своем величайшем успехе, Der Rosenkavalier , где Моцарт и венские вальсы оказали такое же влияние, как и Вагнер.Штраус продолжал создавать самые разнообразные оперные произведения, часто с либретто поэта Гуго фон Хофманнсталя. Другие композиторы, которые внесли индивидуальный вклад в немецкую оперу в начале двадцатого века, включают Александра фон Землинского, Эриха Корнгольда, Франца Шрекера, Пауля Хиндемита, Курта Вайля и итальянца Ферруччо Бузони. Оперные нововведения Арнольда Шенберга и его последователей обсуждаются в разделе модернизма.

В конце девятнадцатого века австрийский композитор Иоганн Штраус II, поклонник французских оперетт Жака Оффенбаха, написал несколько немецкоязычных оперетт, самой известной из которых была Die Fledermaus , которая регулярно исполняется до сих пор. Cегодня.Тем не менее, вместо того, чтобы копировать стиль Оффенбаха, оперетты Штрауса II имели отчетливо венский колорит, который закрепил за Штраусом II место одного из самых известных композиторов оперетты всех времен.