Композиторы русские и их произведения: Детская школа искусств ст. Павловской

Детская школа искусств ст. Павловской

Великие русские композиторы

Русская классика — это важная часть мирового культурного наследия. Она самобытна и прекрасна, ее отличает особый характер и неповторимое величие. Русские композиторы писали свои произведения вне времени. В XXI веке они по-прежнему звучат мощно и современно.

Михаил Иванович Глинка (1804—1857)

Михаил Иванович Глинка — не только основоположник русской классики. Он был первым, кто добился широкого признания за рубежом. Его произведения легли на основу русской народной музыки, в свое время Глинка стал в этом вопросе новатором. Михаил Иванович лично знал величайших литераторов своего времени: А.С.Пушкина, В.А.Жуковского, А.С.Грибоедова, А.А.Дельвига. Благодаря своей поездке по Европе, длившейся несколько лет, великий русский композитор впитал и мировой опыт.

Успех настиг его после выхода оперы «Иван Сусанин» («Жизнь за царя») (1836). Она получила восторженные отклики. В.Ф.Одоевский назвал оперу так: «новая стихия в Искусстве, и начинается в его истории новый период — период Русской музыки».  Вторая опера  эпическая «Руслан и Людмила» (1842) была встречена публикой не так тепло. Это был трудный период в жизни композитора, Россия переживала смерть Пушкина. Опера была оценена позже, для страны того времени она оказалась слишком новаторской. В 1990-х годах «Патриотическая песня» Михаила Глинки была официальным гимном Российской Федерации.

«Чтобы красоту создать, надо самому быть чистым душой», — говорил Михаил Иванович Глинка.

 

Александр Порфирьевич Бородин

Великий русский композитор Александр Бородин обладал многими талантами. Ученый-химик, врач, педагог и литератор писал музыку, ставшую шедевром русской классики. Интересно, что у Александра Бородина не было профессиональных учителей, искусство писать музыку он освоил сам. Толчком к творчеству стали женитьба на известной пианистке Е.С.Протопоповой и восхищение произведениями М. Глинки.

Бородин много путешествовал с гастролями, его центральное произведение — опера «Князь Игорь» (1869-1890), образец национального героического эпоса в музыке и которую он, по злой иронии судьбы, не успел закончить (ее завершили друзья композитора А.А.Глазунов и Н.А. Римский-Корсаков).

Александра Бородина также называют «отцом русской симфонической музыки».

Модест Петрович Мусоргский

Модест Петрович Мусоргский — не просто великий русский композитор и член член «Могучей кучки», но и великий новатор. Его творчество потрясало и опережало время. В своих грандиозных произведениях — операх «Борис Годунов» и «Хованщина» он показал страницы русской истории так, как никто до этого не смог этого сделать в русской музыке.

Специфическая мелодика и новаторская гармония Мусоргского стали основной для музыкального развития 20 века и сыграли важную роль в становлении стилей многих мировых композиторов.

«Звуки человеческой речи, как наружные проявления мысли и чувства, должны без утрировки и насилования сделаться музыкой правдивой, точной, но художественной, высокохудожественной», — говорил Модест Мусоргский.

Петр Ильич Чайковский

Петр Ильич Чайковский стал одним из первых «профессиональных» композиторов. Теорию музыки и композицию он изучал в новой Санкт-Петербургской консерватории. Академические навыки и талант помогли ему стать композитором мирового уровня. Наследие Моцарта, Бетховена и Шумана Петр Ильич Чайковский сочетал с русскими традициями, унаследованными от Михаила Глинки.

Он был не только композитором, работал педагогом, дирижером, критиком, общественным деятелем, выступал в двух столицах, гастролировал в Европе и Америке.

Произведения Чайковского любимы многими, потому что его музыкальный диалог со слушателем был практически универсален: его музыка отражала образы жизни и смерти, любви, природы, детства, духовная жизнь русского народа.

Николай Андреевич Римский-Корсаков

Николай Андреевич Римский-Корсаков должен был продолжить семейную традицию. Он стал морским офицером, на военном корабле обошел много стран Европы и двух Америк, но музыкальный дар, унаследованный от матери, определил судьбу великого русского композитора.

Центральное место в его музыкальном наследии занимают оперы. Это 15 произведений, которые демонстрируют разнообразие жанровых, стилистических, драматургических, композиционных решений Римского-Корсакова. Все они имеют особый почерк — мелодичные вокальные линии на фоне оркестровой музыки. Ключевыми темами произведений Римского-Корсакова были русская история и мир сказки и эпоса. Его даже называли «сказочником».

Александр Николаевич Скрябин

Александр Николаевич Скрябин творил на фоне трудных и горьких событий начала XX века. Пережил он и личную трагедию — его мать умерла рано, а отец служил послом в Персии и не мог уделять сыну достаточно времени и внимания. Отдушиной юного Александра Скрябина стала музыка.

Когда вышли  Третья симфония («Божественная поэма»), симфоническая «Поэма экстаза», «Трагическая» и «Сатаническая» фортепианные поэмы, 4 и 5 сонаты и другие произведения, стало ясно, что в русской классической музыке появились новые шедевры.

Величайшей новаторской работой того времени стал «Прометей» («Поэма огня»), в которой Скрябин отступил от традиционной тональной системы.

«Иду сказать им (людям) — чтобы они… ничего не ожидали от жизни кроме того, что сами могут себе создать… Иду сказать им, что горевать — не о чем, что утраты нет. Чтобы они не боялись отчаяния, которое одно может породить настоящее торжество. Силен и могуч тот, кто испытал отчаяние и победил его», — говорил Александр Скрябин.

Сергей Васильевич Рахманинов

Сергея Васильевича Рахманинова называли самым русским композитором. Но он был не только композитором, а еще талантливым пианистом и дирижером.

Рахманинов родился в Новгородской губернии, с четырех лет начал заниматься музыкой под руководством матери. Учился в Санкт-Петербургской консерватории, после 3-х лет обучения перевелся в Московскую консерваторию и окончил ее с большой золотой медалью.

Слава пришла к нему быстро, но не обошлось и без творческих кризисов. Провал «Первой симфонии» помог переосмыслить творчество и Рахманинов смог писать музыку, объединившим русскую церковную песенность, уходящий европейский романтизм, современные импрессионизм и неоклассцизм. В этот творческий период рождаются лучшие его произведения, среди которых 2 и 3 фортепианные концерты, Вторая симфония и его самое любимое произведение — поэма «Колокола» для хора, солистов и оркестра.

«Самое высокое качество всякого искусства — это его искренность», — считал Сергей Васильевич Рахманинов.

Игорь Федорович Стравинский

Игорь Федорович Стравинский стал лидером неоклассицизма в музыке. Он свободно комбинировал жанры, формы, стили, выбирая их из столетий музыкальной истории и подчиняя своим собственным правилам.

Серия трех балетов: «Жар-птица» (1910), «Петрушка» (1911) и «Весна священная» (1913) моментально вывели Стравинского в ряды композиторов первой величины.

В творчестве Ставинского выделяется одна уникальная черта — «неповторяемость»,  его называли «композитором тысячи одного стиля». Его произведения отличают постоянная смена жанра, стиля, направления сюжета. Он был космополитом и жил во многих странах, но всегда считал «я всю жизнь по-русски говорю, у меня слог русский. Может быть, в моей музыке это не сразу видно, но это заложено в ней, это — в ее скрытой природе».

Сергей Сергеевич Прокофьев

Сергей Сергеевич Прокофьев был одарен с раннего детства. С 5 лет он писал музыку, а уже в 9 создал две оперы. В 13 лет он  сдал экзамены в Санкт-Петербургскую консерваторию, среди его учителей был Н. А. Римский-Корсаков.

Несмотря на то, что в начале карьеры музыкальный мир встретил его творчество резкой критикой, он придерживался модернистского стиля.  Гениальный парадокс его музыки состоял в том, что рушив академические каноны, структура его композиций оставалась верна классическим принципам.

Самыми яркими его произведениями стали оперы «Война и мир», «Повесть о настоящем человеке»; балеты «Ромео и Джульетта», «Золушка», ставшие новым эталоном мировой балетной музыки; оратория «На страже мира»; музыка к фильмам «Александр Невский» и «Иван Грозный»; симфонии № 5,6,7; фортепианные работы.

«Может ли художник стоять в стороне от жизни?.. Я придерживаюсь того убеждения, что композитор, как и поэт, ваятель, живописец призван служить человеку и народу… Он, прежде всего, обязан быть гражданином в своем искусстве, воспевать человеческую жизнь и вести человека к светлому будущему…», — говорил Сергей Прокофьев.

Дмитрий Дмитриевич Шостакович

Дмитрий Шостакович — самый исполняемый русский классический композитор. Величие его творчества заключается в том, что личная трагедия человека переплетается в нем с судьбой всего народа, истории, которые он рассказывал языком музыки были эмоциональными и яркими.

Уже в начале 20-х, к окончанию консерватории, Шостакович имел багаж собственных произведений и входил в число лучших композиторов страны. Мировая слава пришла к нему после победы в 1-м Международном конкурсе Шопена в 1927 году.

Шостакович любил эксперименты с жанрами и стилями, а величайшим его произведением считают оперу «Леди Макбет Мценского уезда».

Шостакович был убежденным гуманистом. Он говорил «настоящая музыка способна выражать только гуманные чувства, только передовые гуманные идеи».

Топ-10 великих русских композиторов, часть 2

Творчество русских композиторов конца 19-го — первой половины 20-го века является целостным продолжением традиций русской школы. Вместе с этим изменилась концепция подхода к «национальной» принадлежности той или иной музыки, непосредственного цитирования народных мелодий уже практически нет, но осталась интонационная русская основа, русская душа.

Первая часть статьи здесь.

6. Александр Николаевич Скрябин

(1872 — 1915)

Александр Николаевич Скрябин — русский композитор и пианист, одна из ярчайших личностей русской и мировой музыкальной культуры. Самобытное и глубоко поэтичное творчество Скрябина выделялось новаторством даже на фоне рождения многих новых направлений в искусстве, связанных с изменениями в общественной жизни на рубеже 20-го века.

Родился в Москве, мать умерла рано, отец не мог уделять внимание сыну, так как служил послом в Персии. Скрябин воспитывался тетей и дедом, с детства проявил музыкальные способности. В начале учился в кадетском корпусе, брал частные уроки на фортепиано, после окончания корпуса поступил в Московскую консерваторию, его сокурсником был С.В.Рахманинов. После окончания консерватории Скрябин полностью посвятил себя музыке — как концертирующий пианист-композитор гастролировал в Европе и России, проводя большую часть времени за границей.

Пиком композиторского творчества Скрябина стали 1903-1908 годы, когда вышли Третья симфония («Божественная поэма»), симфоническая «Поэма экстаза», «Трагическая» и «Сатаническая» фортепианные поэмы, 4 и 5 сонаты и другие произведения.

«Поэма экстаза», состоящая из нескольких тем-образов, сконцентрировала творческие идеи Срябина и является ярким его шедевром. В ней гармонично соединились любовь композитора к мощи большого оркестра и лирическое, воздушное звучание сольных инструментов. Воплощенная в «Поэме экстаза» колоссальная жизненная энергия, огненная страстность, волевая мощь производит неотразимое впечатление на слушателя и до сегодняшнего дня сохраняет силу своего воздействия.

Ещё одним шедевром Скрябина является «Прометей» («Поэма огня»), в которой автор полностью обновил свой гармонический язык, отступив от традиционной тональной системы, а также впервые в истории это произведение должна была сопровождать цветомузыка, но премьера, по техническим причинам, прошла без световых эффектов.

Последняя незаконченная «Мистерия» была замыслом Скрябина, мечтателя, романтика, философа, обратиться ко всему человечеству и вдохновить его на создание нового фантастического миропорядка, соединение Вселенского Духа с Материей.

Цитата А. Н. Скрябина: «Иду сказать им (людям) — чтобы они… ничего не ожидали от жизни кроме того, что сами могут себе создать… Иду сказать им, что горевать — не о чем, что утраты нет. Чтобы они не боялись отчаяния, которое одно может породить настоящее торжество. Силен и могуч тот, кто испытал отчаяние и победил его.»

Цитата о А. Н. Скрябине: «Творчество Скрябина было его временем, выраженным в звуках. Но когда временное, преходящее находит свое выражение в творчестве большого художника, оно приобретает постоянное значение и делается непреходящим». Г. В. Плеханов.

7. Сергей Васильевич Рахманинов

(1873 — 1943) 

Сергей Васильевич Рахманинов — крупнейший мировой композитор начала 20-го века, талантливый пианист и дирижер. Творческий образ Рахманинова-композитора часто определяют эпитетом «самый русский композитор», подчеркивая в этой краткой формулировке его заслуги в объединении музыкальных традиций Московской и Петербургской композиторских школ и в создании собственного уникального стиля, особняком выделяющегося в мировой музыкальной культуре.

Родился в Новгородской губернии, с четырёх лет начал заниматься музыкой под руководством матери. Учился в Санкт-Петербургской консерватории, после 3-х лет обучения перевёлся в Московскую консерваторию и закончил её с большой золотой медалью. Быстро стал известен как дирижёр и пианист, сочинял музыку.

Провальная премьера новаторской Первой симфонии (1897) в Петербурге вызвала творческий композиторский кризис, из которого Рахманинов вышел в начале 1900-х со сформировавшимся стилем, объединившим русскую церковную песенность, уходящий европейский романтизм, современные импрессионизм и неоклассцизм, — и всё это насыщено сложной символикой. В этот творческий период рождаются лучшие его произведения, среди которых 2 и 3 фортепианные концерты, Вторая симфония и его самое любимое произведение — поэма «Колокола» для хора, солистов и оркестра.

В 1917 году Рахманинов с семьёй был вынужден покинуть нашу страну и осесть в США. Почти десять лет после отъезда ничего не сочинял, но много гастролировал в Америке и Европе и был признан одним из величайших пианистов эпохи и крупнейшим дирижером.

За всей бурной деятельностью, Рахманинов оставался ранимым и неуверенным человеком, стремящимся к уединению и даже одиночеству, избегающим назойливого внимания публики. Искренне любил и тосковал по родине, думая не совершил ли он ошибку, покинув её. Он постоянно интересовался всеми событиями происходящими в России, читал книги, газеты и журналы, помогал материально. Его последнии сочинения — Симфония № 3 (1937) и «Симфонические танцы» (1940) стали итогом творческого пути, вобрав в себя все лучшее его уникального стиля и скорбное чувство невосполнимой утраты и тоски по родине.

Цитаты С.В.Рахманинова:

«Чувствую себя призраком, который одиноко бродит в чужом ему мире.»

«Самое высокое качество всякого искусства — это его искренность.»

«Большие композиторы всегда и прежде всего обращали внимание на мелодию, как на ведущее начало в музыке. Мелодия — это музыка, главная основа всей музыки… Мелодическая изобретательность, в высшем смысле этого слова, — главная жизненная цель композитора…. По этой причине великие композиторы прошлого проявляли столько интереса к народным мелодиям своих стран.»

Цитата о С.В.Рахманинове:

«Рахманинов был создан из стали и золота: Сталь в его руках, золото — в сердце. Не могу без слёз думать о нём. Я не только преклонялся перед великим артистом, Но любил в нём человека.» И.Гофман

«Музыка Рахманинова — это Океан. Его волны — музыкальные — начинаются настолько далеко за горизонтом, и возносят Вас так высоко и так медленно Вас опускают… что Вы чувствуете эту Мощь и Дыхание.» А.Кончаловский

Интересный факт: во время Великой Отечественной войны Рахманинов дал несколько благотворительных концертов, денежный сбор от которых направил в фонд Красной армии для борьбы с немецко-фашистскими оккупантами.

8. Игорь Федорович Стравинский

(1882-1971)  

Игорь Фёдорович Стравинский — один из самых влиятельных мировых композиторов 20-го века, лидер неоклассицизма.

Стравинский стал «зеркалом» музыкальной эпохи, в его творчестве отражена множественность стилей, постоянно пересекающихся и трудно поддающихся классификации. Он свободно комбинирует жанры, формы, стили, выбирая их из столетий музыкальной истории и подчиняя своим собственным правилам.

Родился близ Санкт-Петербурга, учился на юридическом факультете Санкт-Петербургского университета, самостоятельно изучал музыкальные дисциплины, брал частные уроки у Н. А. Римского-Корсакова, это была единственная композиторская школа Стравинского, благодаря которой он овладел в совершенстве композиторской техникой. Профессионально сочинять он начал относительно поздно, но взлёт был стремительным — серия трёх балетов: «Жар-птица» (1910), «Петрушка» (1911) и «Весна священная» (1913) сразу вывела его в число композиторов первой величины.

В 1914 покинул Россию, как оказалось почти навсегда (в 1962 были гастроли в СССР). Стравинский — космополит, вынуждено сменив несколько стран — Россия, Швейцария, Франция, в итоге остался жить в США.

Его творчество разделяют на три периода — «русский», «неоклассический», американский «серийного производства», периоды разделяются не по времени жизни в разных странах, а по авторскому «почерку».

Стравинский был очень высокообразованным, общительным человеком, с прекрасным чувством юмора. В круг его знакомых и корреспондентов входили музыканты, поэты, художники, ученые, бизнесмены, государственные деятели.

Последнее высшее достижение Стравинского — «Реквием» (Заупокойные песнопения) (1966) вобрал и объединил предшествующий художественный опыт композитора, став истинным апофеозом творчества мастера.

В творчестве Стравинского выделяется одна уникальная черта — «неповторяемость», недаром его называли «композитором тысячи одного стиля», постоянная смена жанра, стиля, направления сюжета — каждое его произведение неповторимо, но он постоянно возвращался к конструкциям, в которых видно русское происхождение, слышны русские корни.

Цитата И.Ф.Стравинского: «Я всю жизнь по-русски говорю, у меня слог русский. Может быть, в моей музыке это не сразу видно, но это заложено в ней, это — в ее скрытой природе»

Цитата о И.Ф.Стравинском: «Стравинский — истинно русский композитор… Русский дух неистребим в сердце этого настоящего подлинно большого, многогранного таланта, рожденного землей русской и кровно с ней связанного… » Д.Шостакович

Интересный факт (байка): Однажды в Нью-Йорке, Стравинский взял такси и с удивлением прочитал на табличке свою фамилию.
— Вы не родственник композитора? — спросил он у шофера.
— Разве есть композитор с такой фамилией? — удивился шофер. — Впервые слышу. Впрочем, Стравинский — фамилия владельца такси. Я же не имею ничего общего с музыкой — моя фамилия Россини…

9. Сергей Петрович Прокофьев

(1891—1953)

Сергей Сергеевич Прокофьев — один из крупнейших русских композиторов 20-го века, пианист, дирижер.

Родился в Донецкой области, с детства приобщился к музыке. Прокофьева можно считать одним из немногих (если не единственным) русских музыкальных «вундеркиндов», с 5 лет занимался композированием, в 9 лет написал две оперы (конечно, эти произведения ещё незрелые, но показывают стремление к созиданию), в 13 лет сдал экзамены в Санкт-Петербургскую консерваторию, среди его учителей был Н.А.Римский-Корсаков.

Начало профессиональной карьеры вызвало бурю критики и непонимание его индивидуального принципиально антиромантического и крайне модернистского стиля, парадокс в том, что рушив академические каноны, структура его композиций оставалась верна классическим принципам и впоследствии стала сдерживающей силой модернистского всеотрицающего скептицизма. С самого начала карьеры Прокофьев много выступал и гастролировал. В 1918 году он выехал в международное турне, в том числе приезжал в СССР, окончательно вернулся на родину в 1936 году.

Страна изменилась и «свободное» творчество Прокофьева вынуждено уступило реалиям новых требований. Талант Прокофьева расцвел с новой силой — он пишет оперы, балеты, музыку к кинофильмам — острая, волевая, предельно точная музыка с новыми образами и идеями, заложила фундамент советской классической музыки и оперы.

В 1948 году произошли почти одновременно три трагических события: по подозрению в шпионаже была арестована и сослана в лагеря его первая жена-испанка; вышло Постановление Полибюро ЦК ВКП(б) в котором Прокофьев, Шостакович и другие подверглись нападкам и обвинениям в «формализме» и вреде их музыки; произошло резкое ухудшение здоровья композитора, он удалился на дачу и практически не покидал её, но продолжал сочинять.

Одними из ярких произведений советского периода стали оперы «Война и мир», «Повесть о настоящем человеке»; балеты «Ромео и Джульетта», «Золушка», ставшие новым эталоном мировой балетной музыки; оратория «На страже мира»; музыка к фильмам «Александр Невский» и «Иван Грозный»; симфонии № 5,6,7; фортепианные работы.

Творчество Прокофьева поражает многогранностью и широтой тематики, самобытность его музыкального мышления, свежесть и своеобразие составили целую эпоху в мировой музыкальной культуре 20 века и оказали мощное воздействие на многих советских и зарубежных композиторов.

Цитата С.С.Прокофьева: «Может ли художник стоять в стороне от жизни?.. Я придерживаюсь того убеждения, что композитор, как и поэт, ваятель, живописец призван служить человеку и народу… Он, прежде всего, обязан быть гражданином в своём искусстве, воспевать человеческую жизнь и вести человека к светлому будущему…»

«Я — проявление жизни, которая дает мне силы сопротивляться всему недуховному»

Цитата о С.С.Прокофьеве: «… все грани его музыки прекрасны. Но есть здесь одна совершенно необычная вещь. У нас у всех, видимо, бывают какие-то неудачи, сомнения, просто плохое настроение. И вот в такие минуты, даже если я не играю и не слушаю Прокофьева, а просто думаю о нем, я получаю невероятный заряд энергии, испытываю огромное желание жить, действовать» Е. Кисин

Интересный факт: Прокофьев очень любил шахматы, и обогатил игру своими идеями и достижениями, среди которых изобретённые им «девятерные» шахматы — доска 24х24 поля с расставленными на ней девятью комплектами фигур.

10. Дмитрий Дмитриевич Шостакович

(1906 — 1975)

Дмитрий Дмитриевич Шостакович — один из самых значимых и исполняемых композиторов в мире, его влияние на современную классическую музыку неизмеримо. Его творения — это истинные выражения внутренней человеческой драмы и летописи тяжёлых событий 20-го века, где глубоко личное переплетается с трагедией человека и человечества, c судьбой родной страны.

Родился в Санкт-Петербурге, первые музыкальные уроки получил от матери, закончил Петербургскую консерваторию, при поступлении в которую её ректор Александр Глазунов сравнил его с Моцартом — так поразил он всех своей прекрасной музыкальной памятью, тонким слухом и композиторским даром. Уже в начале 20-х, к окончанию консерватории, Шостакович имел багаж собственных произведений и встал в число лучших композиторов страны. Мировая слава пришла к Шостаковичу после победы в 1-м Международном конкурсе Шопена в 1927 году.

До определённого периода, а именно до постановки оперы «Леди Макбет Мценского уезда», Шостакович творил как свободный художник — «авангардист», экспериментируя со стилями и жанрами. Жесткий разнос этой оперы, устроенный в 1936 году, и репрессии 1937 года положили начало последующей постоянной внутренней борьбы Шостаковича за стремление выразить свои взгляды своими средствами в условиях навязывания государством направлений в искусстве.

В его жизни политика и творчество очень тесно переплетены, он был хвалим властью и ею же гоним, занимал высокие должности и снимался с них, награждался и был на грани ареста сам и его близкие.

Мягкий, интеллигентный, деликатный человек он нашел свою форму выражения творческих принципов в симфониях, где мог максимально открыто говорить правду о времени. Из всего обширного творчества Шостаковича во всех жанрах именно симфонии (15 работ) занимают центральное место, самыми драматически насышенными являются 5,7,8,10,15 симфонии, ставшие вершиной советской симфонической музыки. Совсем другой Шостакович открывается в камерной музыке.

Несмотря на то, что сам Шостакович был «домашним» композитором и практически не выезжал за рубеж, его гуманистическая по сути и истинно художественная по форме музыка быстро и широко распространялась в мире, исполнялась лучшими дирижерами. Величина таланта Шостаковича столь необъятна, что полное постижение этого уникального явления мирового искусства ещё впереди.

Цитата Д. Д. Шостаковича: «Настоящая музыка способна выражать только гуманные чувства, только передовые гуманные идеи.»

---

Читайте также: 

Шедевры русских композиторов: П.И.Чайковский и С.Рахманинов

Прославленный коллектив с 75-летней историей, Государственный академический симфонический оркестр под управлением Павла Когана, приглашает в Большой зал Московской консерватории. В программе оркестровые шедевры великих русских композиторов — Чайковского и Рахманинова. Дирижер — заслуженный артист России Денис Кирпанев.

«Лебединое озеро», первый балет Чайковского, — одно из самых популярных его произ-ведений, имеющее при этом сложную сценическую судьбу. Его первая постановка в Большом театре, состоявшаяся в 1877 году, была признана неудачной. И только после кончины композитора гениальные петербургские балетмейстеры Мариус Петипа и Лев Иванов создали свою хореографическую версию балета, которая и поныне лежит в осно-ве большинства его постановок. Стало традицией использовать в постановках «Лебеди-ного озера» купюры и перестановки музыкальных номеров. Но самое удивительное — это его финал, который, несмотря на звучание одной и той же музыки, может быть как трагическим (смерть главных героев), так и героическим, жизнеутверждающим (гибель злого волшебника).

Партитура «Лебединого озера» — блестящий образец русской симфо-нической музыки: здесь в полной мере раскрылся мелодический дар Чайковского, а по драматизму развития некоторые страницы балета восходят к жанру симфонии. В сюиту из «Лебединого озера» вошли наиболее известные его фрагменты, такие как блестящий Вальс из Первого акта, Танец маленьких лебедей, Венгерский танец и другие.

История любви юного Ромео и прекрасной Джульетты в течение нескольких веков будо-ражит сердца и воображение композиторов. На сюжет трагедии Шекспира написаны, оперы, балеты, симфонические произведения. Взять ее за основу оркестровой увертюры подсказал Чайковскому его старший коллега, композитор Милий Алексеевич Балакирев. Он также дал некоторые рекомендации по общему плану сочинения и даже характеру не-которых его тем, а после первого исполнения посоветовал кое-что подработать, — и Чай-ковский выполнил эти пожелания. Композитор был весьма удовлетворен результатом и несколько раз дирижировал своей увертюрой-фантазией — как в России, так и за грани-цей. В «Ромео и Джульетте» воплотились самые яркие стороны его гения: изумительный мелодизм, противопоставление контрастных тем, их напряженное развитие и «перерож-дение» в коде увертюры.

«Я пишу теперь каприччио для оркестра, не на испанские мотивы, как у Римского-Корсакова, не на итальянские, как у Чайковского, а на цыганские темы» — пишет Рахма-нинов в письме к Михаилу Слонову от 2 августа 1892 года. Обращение к цыганскому фольклору не было случайным для композитора. Каприччио на цыганские темы было за-думано вскоре после окончания им «Алеко» и развивало сферу национально-жанровых образов его юношеской оперы. С цыганским пением Рахманинов познакомился благода-ря известной исполнительнице Надежде Александровой, с которой он встречался у своих друзей Ладыженских. Возможно, именно она исполняла народные мелодии, которые лег-ли в основу Каприччио: трагическую пляску «Малярка» и плясовой напев «Цыганская венгерка».

«Утёс» — Основой для музыкального произведения послужило произведение стихотворное. Внимание С. Рахманинова привлекло известное одноименное стихотворение М. Лермонтова. Надо сказать, что к этому времени уже были другие музыкальные произведения на это лермонтовское стихотворение. Были созданы и широко исполняемы несколько романсов, сочиненных на стихотворение «Утес» разными композиторами, среди которых А. Г. Рубинштейн, А. С. Даргомыжский, Н. А. Римский-Корсаков и др. Но начищающего музыканта это не остановило. Рахманинов создавал другое произведение, не вокальный романс — а симфоническое произведение. Тоска и одиночество, пронизывающие лермонтовский стих, соответствовали состоянию и настроению молодого композитора Сергея Васильевича Рахманинова, когда он приступал к своей музыкальной работе.

Весной 1892 года Рахманинов окончил курс композиции в Московской консерватории с большой золотой медалью. Выпускной работой стала опера «Алеко» по поэме «Цыганы» Пушкина, получившая высокую оценку. Молодой композитор был счастлив и готов был продолжить музыкальную работу. Однако эти профессиональные радости не затмили личные невзгоды: композтор переживал любовную драму, его чувство к генеральской дочери Вере Скалон было отвергнуто родителями возлюбленной, не допускавшими даже мысли брака их дочери с полунищим музыкантом без определенного будущего.

Московский государственный академический симфонический оркестр — один из старейших симфонических коллективов России. В разные годы им руководили прославлен-ные советские дирижеры — Лев Штейнберг, Николай Аносов, Лео Гинзбург, Михаил Тэриан, Вероника Дударова. Наибольшую известность оркестру принесли исполнения русской и советской классики, в том числе премьеры сочинений С. Прокофьева, Н. Мяс-ковского, Д. Шостаковича, Р. Глиэра. С 1989 года коллектив возглавляет народный артист России Павел Коган. Под руководством маэстро репертуар МГАСО был значительно расширен: в него вошли произведения европейской и американской симфонической ли-тературы. Визитной карточкой оркестра стали грандиозные монографические циклы симфонических сочинений И.

Брамса, Л. Бетховена, Ф. Шуберта, Ф. Мендельсона, Г. Малера, А. Скрябина и других композиторов. Среди наиболее ярких изданий коллектива — концертная запись Фортепианного и Скрипичного концертов П. Чайковского и Симфонии № 10 Д. Шостаковича (солисты — Алексей Султанов, Максим Венгеров), а также три симфонии и «Симфонические танцы» Рахманинова, выпушенные на лейбле Alto.

Денис Кирпанев — талантливый дирижер среднего поколения, выпускник Российской академии музыки имени Гнесиных. Более 10 лет работал в театре «Геликон-опера», также являлся главным дирижёром Калининградского областного музыкального театра (2001–2007), художественным руководителем Симфонического оркестра Сургутской филармонии (2010–2014). С 2014 года — дирижёр Симфонического оркестра радио «Орфей», за пультом которого участвует в постановках спектаклей театра «Кремлёвский балет». В качестве приглашенного дирижера сотрудничает с различными музыкальными театрами и оркестровыми коллективами.

Художественный руководитель и главный дирижер — Павел Коган

Дирижер — Денис Кирпанев

В программе:

П. И. Чайковский. Сюита из балета «Лебединое озеро»,

П. И. Чайковский. Увертюра-фантазия «Ромео и Джульетта»,

С. Рахманинов. Каприччио на цыганские темы,

С. Рахманинов. Симфоническая поэма «Утес».

По страницам русской классики, сочинения классиков русской композиторской школы

20 января в Филармонии-2 / ДК «Руслан» Ульяновский государственный академический симфонический оркестр «Губернаторский» под управлением Дмитрия Руссу приглашает слушателей в прогулку «По страницам русской классики». В программе прозвучат сочинения классиков русской композиторской школы — Глинки, Бородина, Мусоргского, Римского-Корсакова и Рахманинова.

Ульяновский государственный академический симфонический оркестр «Губернаторский» Дирижер — лауреат всероссийского конкурса Дмитрий Руссу

Мировая классическая музыка немыслима без сочинений русских композиторов. Русская композиторская школа, продолжателем традиций которой стала советская и сегодняшняя российская школы, начиналась в XIX веке с композиторов, объединивших европейское музыкальное искусство с русскими народными мелодиями, связав воедино европейскую форму и русский дух. «По страницам русской классики» — именно так и должен называться концерт, в котором прозвучат самые яркие известные произведения великих классиков.

Михаил Иванович Глинка является основоположником русской классической музыки и первым отечественным композитором-классиком, достигшим мировой славы. Его произведения, опиравшиеся на многовековые традиции русской народной музыки, были новым словом в музыкальном искусстве нашей страны. Эпическая опера «Руслан и Людмила» (1842), работа над которой велась на фоне смерти Пушкина и в тяжелых жизненных условиях композитора, в силу глубоко новаторской сущности произведения, была неоднозначно встречена зрителями и властями и принесла М. И. Глинке тяжёлые переживания.

Александр Порфирьевич Бородин, один из ведущих русских композиторов второй половины XIX века, кроме композиторского таланта был учёным-химиком, врачом, педагогом, критиком и обладал литературным дарованием. Центральное место в творчестве А. П. Бородина занимает опера «Князь Игорь» (1869-1890), являющаяся образцом национального героического эпоса в музыке и которую он сам не успел закончить (её завершили его друзья А. А. Глазунов и Н. А. Римский-Корсаков). В «Князе Игоре», на фоне величественных картин исторических событий, нашла отражение главная мысль всего творчества композитора — мужество, спокойное величие, душевное благородство лучших русских людей и могучая сила всего русского народа, проявляющаяся при защите родины.

Модест Петрович Мусоргский — один из самых гениальных русских композиторов XIX столетия, член «Могучей кучки». Новаторское творчество Мусоргского далеко опередило своё время. Мусоргский велик тем, что в своих грандиозных произведениях — операх «Борис Годунов» и «Хованщина» запечатлел в музыке драматические вехи российской истории с новизной, которую не знала до него русская музыка, показав в них сочетание массовых народных сцен и разнообразное богатство типов, неповторимый характер русских людей.

Николай Андреевич Римский-Корсаков — талантливый русский композитор, одна из важнейших фигур в создании бесценного отечественного музыкального достояния. Его своеобразный мир и поклонение вечной всеобъемлющей красоте мироздания, восхищения чудом бытия, единства с природой не имеют аналогов в истории музыки. Центральное место в наследии Римского-Корсакова составляют оперы — 15 работ, демонстрирующих разнообразие жанровых, стилистических, драматургических, композиционных решений композитора. Два основных направления отличают творчество композитора: первое — русская история, второе — мир сказки и эпоса, за что он получил прозвище «сказочник». «Снегурочка» — одна из лучших опер композитора.

Сергей Васильевич Рахманинов — крупнейший мировой композитор начала ХХ века, талантливый пианист и дирижёр. Творческий образ Рахманинова-композитора часто определяют эпитетом «самый русский композитор», подчёркивая в этой краткой формулировке его заслуги в объединении музыкальных традиций Московской и Петербургской композиторских школ и в создании собственного уникального стиля, особняком выделяющегося в мировой музыкальной культуре. Есть произведения, которые трудно охарактеризовать одним словом. О произведении, которое прозвучит в концерте, такого не скажешь. Прослушав «Вокализ» (1915), само собой, сразу приходит в голову слово «божественно». И это, несмотря на то, что в творчестве гениального композитора есть немало поистине шедевров.

В программе:

• Глинка. Увертюра к опере «Руслан и Людмила». Танцы из оперы «Иван Сусанин»
• Бородин. Симфоническая картина «В Средней Азии». Половецкие пляски из оперы «Князь Игорь»
• Мусоргский. «Рассвет на Москве-реке», Пляска персидок из оперы «Хованщина»
• Рахманинов. Вокализ
• Римский-Корсаков. Пляска скоморохов из оперы «Снегурочка»

Программу представляет Элла Якубенкова

Действуют абонементы №№ 50, 50/1

Cправки по телефонам:
+7 (8422) 27-35-06 (касса)
+7 (8422) 44-19-73 (отдел работы со слушателями)

Источник: http://www. leninmemorial.ru/events/po-stranitsam-russkoy-klassiki.html

Великие композиторы — русские и мировые композиторы классической музыки

А знаете ли вы, что некоторые композиторы умели исполнять свои произведения на одной струне или вообще носом? Мировая музыкальная культура – это не обязательно унылое заучивание гамм или зубодробительное сольфеджио, сложное, как сопромат.

Хотите заинтересовать ребёнка великими музыкальными произведениями прошлого? Расскажите ему эти любопытные факты. Ребёнок запомнит их легко и с удовольствием, а при случае блеснёт эрудицией в школе или среди друзей.

А для тех, кто захочет узнать больше о мире классической и современной музыки, ближе познакомиться с выдающимися композиторами и музыкантами, мы составили подборку из девяти увлекательных книг о музыке для детей.

Иоганн Себастьян Бах: «Просто нажимайте пальцами на клавиши!» (17-18 век)

Иоганн Себастьян Бах – немецкий композитор и органист, одна из запредельных вершин мировой классической музыки. Интересоваться нотами он начал с раннего детства, украдкой, при лунном свете переписывая их из старого нотного сборника. Старший брат, увидев это, ноты забрал. Он считал, что мир искусства детям недоступен и что юный Иоганн просто испортит старинную книгу. В ответ будущий музыкант рассердился и обещал написать свои произведения, ещё лучше тех, что были в сборнике. И своё слово он сдержал!

Как-то раз один слушатель, поражённый мастерством Баха, спросил, как бы и ему побыстрее выучиться играть? Что мог ответить на такой вопрос мастер, проводивший за инструментом целые дни, а иногда и ночи? Усмехнувшись, Бах заверил слушателя, что исполнению музыки можно вообще не учиться – достаточно просто в правильном темпе нажимать пальцами на нужные клавиши. Как думаете, помог ли этот совет начинающему музыканту? J

Бах вообще очень любил шутить. Его любимым розыгрышем было переодевание в бедного школьного учителя. В этом наряде великий музыкант приходил в какую-нибудь маленькую церковь, садился за орган и начинал исполнять свои великолепные произведения. Это было настолько мощно, что прихожане испуганно выбегали из церкви, не понимая, как простой человек может так играть!

Своих детей Бах тоже с малых лет приучал к музыке, считая, что культура ребёнка воспитывается ежедневными музыкальными упражнениями. Перед сном сыновья играли ему на клавесине, но эти экзерсисы они терпеть не могли и, как только раздавался храп отца, убегали из-за инструмента, не закончив музыкальную фразу. Прерванная мелодия будила Баха, он тут же вскакивал с кровати и доигрывал недостающие аккорды. После чего возвращался в постель и моментально засыпал.

Бах «в цифрах»:

• Бах – фамилия, которую навсегда запомнит мир! В Германии даже шутили: «Каждый Бах – музыкант, каждый музыкант – Бах». Во многих странах Европы прекрасно знали династию Бахов.

• Более 50 родственников-музыкантов в нескольких поколениях (из них несколько композиторов).
• Все сыновья Иоганна Себастьяна Баха были прекрасными исполнителями, а двое из них добились признания как сочинители музыки.

• 1 раз Баху надо было услышать музыкальное произведение, чтобы в точности его воспроизвести. Вот таким уникальным слухом он обладал!
• Всего 1 кантата была опубликована при жизни композитора.
• 3 – орган, клавесин, скрипка – минимальное число инструментов, на которых умел играть Бах. По свидетельствам некоторых исследователей великий композитор мог сочинять музыку на всех клавишных инструментах своего времени. А ещё он мог исполнять сложные произведения при помощи одних только ног, нажимая исключительно на педали органа и не задействуя клавиши!
• 0 – говорят, именно столько денег брал Бах с учеников за свои виртуозные уроки. У него была большая семья, которую надо было кормить, но он всё равно предпочитал учить одарённых юношей даром.

Вольфганг Амадей Моцарт: как оставить всех с носом? (18 век)

Вольфганг Амадей Моцарт в представлении не нуждается! Говорим «великий композитор» – подразумеваем «Моцарт». С этим светлым, жизнерадостным, бесконечно одарённым человеком было связано много забавных случаев. О чудо-мальчике, а потом признанном всеми гении, всегда говорили с любовью и восхищением… Свой первый концерт для клавира он придумал и исполнил всего в 4 года!

А однажды юный Вольфганг написал пьесу для клавесина, которую не смог сыграть даже его знаменитый учитель Гайдн. Секрет этой пьесы был в том, чтобы брать руками сложные аккорды в разных концах клавиатуры и в тот же момент нажимать несколько нот посередине. Как это удавалось самому Моцарту? Он просто играл ноты посередине… носом!

Юный гений мог исполнять свои пьесы даже с завязанными глазами или накрытой платком клавиатурой. Все эти трюки он не раз успешно показывал на своих концертах. Но во время одного выступления сцену выбежала… кошка! Маленький музыкант тут же принялся играть с животным, а на все призывы отца вернуться за инструмент отвечал, что клавесин-то никуда не денется, а вот кошка может убежать.

Моцарт очень любил поспать, и разбудить его можно было только одним способом –

сыграть какой-нибудь аккорд. Музыкант сразу же просыпался, садился за инструмент и продолжал музыкальную тему.

Однажды юный музыкант спросил Моцарта, как написать симфонию. Моцарт, видя его молодость, посоветовал начать с чего-нибудь попроще. На что юный музыкант возразил:

– Ведь вы же начали писать симфонии, когда вам не исполнилось ещё и десяти!

– Но ведь я ни у кого и не спрашивал, как их писать!

Никколо Паганини: на честном слове и на одной струне! (18–19 век)

Никколо Паганини –  великий итальянский скрипач-виртуоз, которые давал свои первые концерты уже в 12 лет! Он с детства очень любил скрипку и часто подтрунивал над теми, кто эту любовь не разделяет.

Однажды Никколо Паганини опаздывал на концерт и решил нанять экипаж. Каково же было его удивление, когда извозчик вместо привычной платы за проезд попросил сумму, в десять раз большую, да ещё и съязвил: «Ведь вы же берёте с нас по 10 франков за то, чтобы посмотреть, как вы играете на одной струне?» А ведь скрипач действительно виртуозно владел смычком и мог исполнить пьесу на одной только струне – соль. Но обидные слова извозчика не огорчили Паганини, и он легко согласился заплатить десять франков – но только если извозчик довезёт его до театра на одном колесе!

Паганини любил подшутить над людьми, желающими бесплатно послушать его концерты. Если музыканта приглашали в гости, то всегда просили захватить с собой его чудесную скрипку. На что Паганини неизменно отвечал, что его скрипка не любит выходить из дома.

Отношение к инструменту у композитора было самое трепетное. Паганини был обладателем ценнейшей коллекции скрипок, на которых он не разрешал играть другим музыкантам. Однажды к маэстро обратилась восторженная поклонница и сказала, что хочет всегда быть с ним рядом. «Тогда вам придётся стать скрипкой Страдивари», – заметил композитор.

Пётр Ильич Чайковский: несостоявшийся юрист (19 век)

Музыкой Пётр Ильич Чайковский интересовался с детства – ещё в пятилетнем возрасте его привлекали звуки органа. Из-за сильной впечатлительности услышанная музыка продолжала играть у него в голове даже ночью! Нервная, ранимая натура композитора сказывалась даже во взрослом возрасте, когда к нему пришли слава и успех. Ученики вспоминали, что, дирижируя оркестром, маэстро всегда держался за бороду. Сам Чайковский смущённо замечал, что из-за сильного волнения ему казалось, что борода может отвалиться.

А вы знали, что? 

• Благодаря Чайковскому русская музыкальная культура обогатилась на 104 романса, 10 опер, 7 симфоний и 3 балета?
• А ведь профессионально учиться музыке великий русский композитор начал довольно поздно: он только в 21 год поступил в консерваторию, и преподаватели долгое время не видели в нём таланта, да и сам гений считал себя неважным пианистом.
• А вообще сначала Пётр Ильич Чайковский собирался стать юристом. До Петербургской консерватории он окончил училище правоведения и даже служил в Министерстве юстиции. О новом выборе Чайковского его семья отозвалась очень резко: «Какой позор! Променял юриспруденцию на дудку!»
• Чайковский не пришёл на выпускной концерт, премьера его дипломной кантаты состоялась без автора, поэтому звание «свободного художника» и диплом об окончании консерватории композитор смог получить только ещё через 5 лет.
• Первая постановка «Лебединого озера» провалилась, и только после смерти маэстро этот балет стал одним из самых популярных в мире.

Михаил Глинка (19 век)

Михаила Ивановича Глинку называют «отцом» русской классической музыки. Он первый использовал в классике народный фольклор. А началось все благодаря одному случаю, который произошел во время его очередной поездки в Швейцарию.

Узнав о приезде знаменитого композитора, многие соотечественники пытались попасть к нему, чтобы выразить свой восторг его творчеством. Глинка этого очень не любил. Он просил слугу сообщать таким посетителям, что его нет дома.

Однажды в двери постучал молодой человек, который желал видеть композитора. Слуга ответил, что Михаил Иванович на прогулке. Гость ушел, негромко насвистывая мелодию. Вдруг сам Глинка быстро вышел из кабинета и попросил своего слугу вернуть этого посетителя.

Молодой человек вернулся. Встретив его в прихожей, хозяин извинился и пригласил гостя отобедать с ним.

Посетитель с превеликим удовольствием принял приглашение. Во время трапезы хозяин спросил:

— Любезный, что за мелодию вы напевали, уходя со двора?

— По-моему, я не напевал…

— Что вы! Я отчетливо слышал какую-то сбивчивую мелодию, мотив которой не могу уловить.

Посетитель стал вспоминать, что же такое он напевал… Вскоре он вспомнил, что именно он насвистывал.

— Эта? – спросил он у Глинки.

— Да, да, именно она! — обрадовался композитор и быстро записал ноты.

Это была «Камаринская», которую позже Михаил Иванович включил в одно из своих произведений.

Другой казус произошел во время постановки его второй оперы «Руслан и Людмила». Одна из певиц имела необычный тембр голоса, но он звучал совершенно невыразительно. Глинка долго пытался добиться соответствующего исполнения партии. Все его старания никак не давали нужного эффекта. И вдруг во время пения определенного отрывка в нужном месте Михаил Иванович больно ущипнул исполнительницу. Та громко вскрикнула. А композитор радостно воскликнул: «Вот! Это именно то, что нужно! Душечка, теперь ты поняла, что этой фразе необходимо придать четкость и выразительность! Пойте именно так! Иначе снова придется повторить секретный метод».

Следует отметить, что в отличие от его первой оперы, которая прошла с колоссальным успехом, публика не сразу оценила второе его масштабное произведение — «Руслан и Людмила». Так, царь Николай I не досмотрел ее и вышел из зала после четвертого акта.

Но, несмотря на такое неприятие, только в первый сезон постановки оперы ее давали более 30 раз в Петербурге и 32 раза в столице Франции.

Сергей Прокофьев (19-20 век)

Творчество Сергея Сергеевича Прокофьева стало новаторством в самом начале XX века. Он подарил миру море невероятной, неповторимой музыки. Выдающийся пианист, дирижер, композитор творил во всех перечисленных жанрах. Каждая его работа отличалась непревзойденностью и совершенством.

За своенравность, новизну и жизнелюбие его назвали «солнечным» композитором.

У него был рукотворный альбом, в котором его друзья — известные музыканты, литераторы, художники — отвечали на вопрос о том, что они думают о Солнце. Один из них, пианист А. Рубинштейн, написал, что сравнивает Солнце с некоторыми знакомыми личностями. Он привел пример, вспомнив о том, что один из французских королей (Людовик XIV) однажды воскликнул: «Государство — это я!». И продолжил, что именно Прокофьев может смело перефразировать это выражение, сказав: «Солнце — это я!».

Позже искрометное творчество Сергея Сергеевича было по достоинству оценено правительством. Заслуженные награды часто находили своего лауреата. Однажды, в послевоенные годы (1945 г.) произошла одна забавная история.

С. С. Прокофьев был представлен к награде английским правительством. В зале собрались важные гости и журналисты. «Золотую королевскую медаль» должен был вручать Сергею Сергеевичу сам посол Англии. Он произнес длинную, проникновенную речь и… понял, что медали нет! Посол замешкался, а Прокофьев стоял совсем растерянный. Никто не мог понять, что происходит. Композитор уже совсем собрался уходить со сцены… И тут англичанин быстро вложил в его руку свои золотые часы и шепотом произнес, что медаль будет немного позже.

После церемонии начался концерт, посвященный творчеству Сергея Сергеевича Прокофьева. По окончанию посол отдал композитору коробочку, в которой лежала награда, и тихо попросил вернуть часы, которые ему очень дороги как подарок. На что Прокофьев серьезно ответил, что ему эти часы также дороги как подарок. Англичанин совсем растерялся и тихо проговорил:

— Но, мы же так не договаривались…

На что Сергей Сергеевич сказал:

— Вы подарили мне их, и все это видели. А теперь просите возвратить подарок. Это похоже на грабеж среди белого дня!

Сконфуженный посол просто не знал, что ответить. Он что-то промямлил…В ответ увидел широкую улыбку и услышал следующее: «Ну, если вам так нравятся мои новые золотые часы, я вам могу их подарить!» Англичанин понял, что это была просто веселая шутка!

Модест Мусоргский (19 век)

Еще один талант был не признан при жизни. Речь идет об известном во всем мире композиторе Модесте Петровиче Мусоргском. Этот гениальный человек всю жизнь проработал простым чиновником на государственной службе, хотя писал неповторимую музыку. А также был виртуозным пианистом, великолепным певцом, владел несколькими языками (немецким, французским, греческим, знал латынь).

Уже взрослым человеком Мусоргский заинтересовался музыкой. Его наставником стал Антон Герке — в то время  знаменитый пианист. Уникальный баритон певца часто звучал на светских раутах. А свои шедевры он никогда не записывал на бумагу до тех пор, пока они «не созревали у него в голове» полностью. То есть не было никаких набросков, черновиков, сразу все произведение!

Творчество не приносило Мусоргскому никаких доходов. Он занимался им в свободное время в качестве обычного увлечения. Даже его самое известное произведение — оперу «Борис Годунов», по одноименной трагедии А. С. Пушкина, сначала не хотели ставить. Композитору пришлось вносить правки в первоначальную задумку. Модест Петрович увлекался творчеством Флобера, Гоголя. Он работал над произведениями любимых авторов, но не закончил их.

Жил этот талантливый человек весьма скромно. Он всегда хотел путешествовать, но финансовой возможности не было. Однажды Модест Петрович отправился к югу страны, причем ему оплатили эту поездку, так как он выступал в качестве аккомпаниатора. Публика великолепно принимала Мусоргского. Турне помогло ему как в финансовом, так и в моральном плане.

Пристрастие к алкоголю сократило жизнь композитора. Он умер молодым, в 42 года. Но у Модеста было много хороших друзей. Один из них, знаменитый художник Репин, написал единственный его прижизненный портрет. На тот момент композитор находился в больнице, и это были последние дни талантливого человека. После окончания работы над портретом Модест Петрович прожил всего лишь 9 дней.

 

Информацию о знаменитых композиторах и музыкантах найти несложно, но в академических биографиях «за кадром» часто остаются забавные истории из жизни. А ведь они характеризуют великих личностей куда лучше сухих фактов «родился-учился-сочинил»!

 

Онлайн-курс Умназии «Композиторы и классическая музыка. Ключевые имена и факты» построен именно на таких небанальных и запоминающихся фактах. Он поможет детям 6–12 лет заинтересоваться классической музыкой и расширить кругозор. Это не просто сухое ознакомление детей с искусством в форме лекций, а настоящее путешествие в мир музыкальной культуры, всемирно известных композиторов и их произведений, интересных фактов и увлекательных историй!

Поробуйте решить задачу Умназии прямо сейчас!

Попробовать

Мышлен планирует сделать презентацию о создании «Реквиема» Моцарта.
Однажды на пороге дома Моцартов появился таинственный господин в чёрном плаще. Он заказал великому композитору написание «Реквиема». Задаток был значительным, а срок исполнения заказа неограничен. И Моцарт согласился. Композитор не успел закончить это произведение: «Реквием» стал последней работой великого мастера.

Умназист подбирает иллюстрации для своей презентации. Как ты думаешь, какие картинки подойдут для этой презентации? Если нужно, ты можешь ещё раз послушать отрывок из «Реквиема».

[question-audio-block]

Выбери ответ:

Все иллюстрации подходят.

Только А и В подходят.

А , В и Г подходят.

Только В и Г подходят.

Только Г подходит.

ответить

Логика решения:

Реквием – это торжественная заупокойная месса. В своём произведении Моцарт передаёт скорбь об ушедшем человеке.

А – это вариант декораций, созданный художником Марком Шагалом для другого произведения Моцарта – оперы «Волшебная флейта». В этой опере счастливый и радостный финал. Именно это настроение (радость и торжество) передает эта картина.

На рисунке Б – гитара. Моцарт сочинял свои произведения для классического оркестра. Гитара в состав оркестра не входит.

На рисунке В – ангел. Таких ангелов часто ставят на могилах, эта иллюстрация подходит.

На рисунке Г – портрет самого Моцарта. Эта иллюстрация может быть использована для презентации.

Развитие кругозора детей 6-13 лет

Хочешь узнать еще больше о величайших композиторах мира и познакомиться с их произведениями? Ждем тебя на нашем онлайн-курсе «Культурный код» для детей 6-13 лет

узнать подробнее

Шедевры русских композиторов.

Чайковский. Рахманинов

Прославленный коллектив с 75-летней историей, Московский государственный академический симфонический оркестр под управлением Павла Когана, приглашает 9 ноября в Большой зал Московской консерватории. В программе оркестровые шедевры великих русских композиторов — Чайковского и Рахманинова. Дирижер — заслуженный артист России Денис Кирпанев.

 

«Лебединое озеро», первый балет Чайковского, — одно из самых популярных его произ-ведений, имеющее при этом сложную сценическую судьбу. Его первая постановка в Большом театре, состоявшаяся в 1877 году, была признана неудачной. И только после кончины композитора гениальные петербургские балетмейстеры Мариус Петипа и Лев Иванов создали свою хореографическую версию балета, которая и поныне лежит в основе большинства его постановок. Стало традицией использовать в постановках «Лебединого озера» купюры и перестановки музыкальных номеров. Но самое удивительное — это его финал, который, несмотря на звучание одной и той же музыки, может быть как трагическим (смерть главных героев), так и героическим, жизнеутверждающим (гибель злого волшебника). Партитура «Лебединого озера» — блестящий образец русской симфонической музыки: здесь в полной мере раскрылся мелодический дар Чайковского, а по драматизму развития некоторые страницы балета восходят к жанру симфонии. В сюиту из «Лебединого озера» вошли наиболее известные его фрагменты, такие как блестящий Вальс из Первого акта, Танец маленьких лебедей, Венгерский танец и другие.

 

История любви юного Ромео и прекрасной Джульетты в течение нескольких веков будоражит сердца и воображение композиторов. На сюжет трагедии Шекспира написаны, оперы, балеты, симфонические произведения. Взять ее за основу оркестровой увертюры подсказал Чайковскому его старший коллега, композитор Милий Алексеевич Балакирев. Он также дал некоторые рекомендации по общему плану сочинения и даже характеру некоторых его тем, а после первого исполнения посоветовал кое-что подработать, — и Чайковский выполнил эти пожелания. Композитор был весьма удовлетворен результатом и несколько раз дирижировал своей увертюрой-фантазией — как в России, так и за границей. В «Ромео и Джульетте» воплотились самые яркие стороны его гения: изумительный мелодизм, противопоставление контрастных тем, их напряженное развитие и «перерождение» в коде увертюры.

 

«Я пишу теперь каприччио для оркестра, не на испанские мотивы, как у Римского-Корсакова, не на итальянские, как у Чайковского, а на цыганские темы» — пишет Рахманинов в письме к Михаилу Слонову от 2 августа 1892 года. Обращение к цыганскому фольклору не было случайным для композитора. Каприччио на цыганские темы было задумано вскоре после окончания им «Алеко» и развивало сферу национально-жанровых образов его юношеской оперы. С цыганским пением Рахманинов познакомился благодаря известной исполнительнице Надежде Александровой, с которой он встречался у своих друзей Ладыженских. Возможно, именно она исполняла народные мелодии, которые легли в основу Каприччио: трагическую пляску «Малярка» и плясовой напев «Цыганская венгерка».

 

«Утёс» — Основой для музыкального произведения послужило произведение стихотворное. Внимание С. Рахманинова привлекло известное одноименное стихотворение М.Лермонтова. Надо сказать, что к этому времени уже были другие музыкальные произведения на это лермонтовское стихотворение. Были созданы и широко исполняемы несколько романсов, сочиненных на стихотворение «Утес» разными композиторами, среди которых А. Г. Рубинштейн, А. С. Даргомыжский , Н. А. Римский-Корсаков и др. Но начищающего музыканта это не остановило. Рахманинов создавал другое произведение, не вокальный романс — а симфоническое произведение. Тоска и одиночество, пронизывающие лермонтовский стих, соответствовали состоянию и настроению молодого композитора Сергея Васильевича Рахманинова, когда он приступал к своей музыкальной работе.

 

Весной 1892 года Рахманинов окончил курс композиции в Московской консерватории с большой золотой медалью. Выпускной работой стала опера «Алеко» по поэме «Цыганы» Пушкина, получившая высокую оценку. Молодой композитор был счастлив и готов был продолжить музыкальную работу. Однако эти профессиональные радости не затмили личные невзгоды: композитор переживал любовную драму, его чувство к генеральской дочери Вере Скалон было отвергнуто родителями возлюбленной, не допускавшими даже мысли брака их дочери с полунищим музыкантом без определенного будущего.

 

Московский государственный академический симфонический оркестр — один из старейших симфонических коллективов России. В разные годы им руководили прославленные советские дирижеры — Лев Штейнберг, Николай Аносов, Лео Гинзбург, Михаил Тэриан, Вероника Дударова. Наибольшую известность оркестру принесли исполнения русской и советской классики, в том числе премьеры сочинений С. Прокофьева, Н. Мяс-ковского, Д. Шостаковича, Р. Глиэра. С 1989 года коллектив возглавляет народный артист России Павел Коган. Под руководством маэстро репертуар МГАСО был значительно расширен: в него вошли произведения европейской и американской симфонической ли-тературы. Визитной карточкой оркестра стали грандиозные монографические циклы симфонических сочинений И. Брамса, Л. Бетховена, Ф. Шуберта, Ф. Мендельсона, Г. Малера, А. Скрябина и других композиторов. Среди наиболее ярких изданий коллектива — концертная запись Фортепианного и Скрипичного концертов П. Чайковского и Симфонии № 10 Д. Шостаковича (солисты – Алексей Султанов, Максим Венгеров), а также три симфонии и «Симфонические танцы» Рахманинова, выпушенные на лейбле Alto.

Денис Кирпанев — талантливый дирижер среднего поколения, выпускник Российской академии музыки имени Гнесиных. Более 10 лет работал в театре «Геликон-опера», также являлся главным дирижёром Калининградского областного музыкального театра (2001–2007), художественным руководителем Симфонического оркестра Сургутской филармонии (2010–2014). С 2014 года – дирижёр Симфонического оркестра радио «Орфей», за пультом которого участвует в постановках спектаклей театра «Кремлёвский балет». В качестве приглашенного дирижера сотрудничает с различными музыкальными театрами и оркестровыми коллективами.

Русские композиторы: вальсы и полонезы

Online-трансляция концерта

Большим гастрольным туром по России Московский государственный академический симфонический оркестр под управлением Павла Когана отмечает своё 75-летие. Познакомиться с творчеством МГАСО смогут слушатели Самары, Нижнего Новгорода, Казани, Набережных Челнов, Ижевска, Перми, Екатеринбурга, Уфы, Магнитогорска, Челябинска, Тюмени, Омска, Новосибирска, Барнаула, Томска, Кемерова, Красноярска, Иркутска, Хабаровска и Владивостока.

Вниманию новосибирской публики оркестр-юбиляр предлагает свою первую гастрольную программу – «Русские композиторы: вальсы и полонезы» – она перенесёт нас в мир блестящих великосветских балов XIX века. Полонез и вальс – краеугольные жанры в светском рауте императорской России.

Павел Коган посвящает этот вечер «Светлой памяти Арнольда Михайловича Каца – Коллеги и Друга».

---

Программа

I отделение:

1.    Глинка. Полонез из оперы «Иван Сусанин». 

                     Вальс из оперы «Иван Сусанин». 

                     Вальс-фантазия

2.    Рубинштейн. Вальс-каприс

3.    Глазунов. Большой вальс из балета «Барышня-служанка». 

                     Вальс из балетной сюиты.

                     Полонез из балетной сюиты

II отделение:

1.   Чайковский. Полонез из оперы «Черевички». 

                       Вальс из балета «Лебединое озеро». 

                       Полонез из балета «Спящая красавица». 

                       Вальс из балета «Спящая красавица»

2.     Римский-Корсаков. Полонез из оперы «Ночь перед Рождеством». 

                       Полонез из оперы «Пан воевода»

15 лучших произведений русской классической музыки

26 сентября 2014, 14:34 | Обновлено: 5 апреля 2017, 17:41

От национализма «Могучей кучки» до революционного Устава Стравинского и великолепных фортепианных концертов Шостаковича — это лучшие классические произведения, которые русские композиторы подарили миру.

Симфоническая, камерная, инструментальная, хоровая — Лучшая русская музыка. Вот много всего, что нужно для начала!

Михаил Глинка: Руслан и Людмила , Увертюра (1842)

Отец русской музыки, Глинка оказал влияние на своих соотечественников, чтобы они создали свой собственный самобытный национальный стиль. Опера « Руслан и Людмила » — это народная сказка со всем необходимым — прекрасная принцесса, доблестный жених, злой волшебник, похищение, сражения и спасение.Чайковский называл Руслана, «Царем опер». Захватывающая увертюра сама по себе является фаворитом и исполняется больше, чем опера.

Милий Балакирев: Исламей (1869)

Националистическая музыка Балакирева была полна аутентичных русских ноток. Он написал Исламей после поездки на Кавказ, оставившей неизгладимое впечатление. Произведение оказало большое влияние на других композиторов, в том числе на других участников группы, известной как The Mighty Handful, или The Five. Бородин цитировал Ислама в Князь Игорь , как и Римский-Корсаков в Шахерезада . Это чрезвычайно сложно; Скрябин серьезно повредил правую руку, фанатично занимаясь этим.

Первоначально Мусоргский написал свой набор живописных пьес для фортепиано в честь своего покойного друга, художника Владимира Гартманна. Сегодня картинок с выставки чаще всего звучит в оркестрованной форме, обычно это красочная версия 1922 года Равеля.

Петр Ильич Чайковский: 1812 Увертюра (1880)

От вступительного русского гимна до напыщенного артиллерийского огня, завершающего эту откровенно националистическую пьесу, это один из величайших примеров того, как Чайковский был мастером оркестровки.

Когда царь Александр II отмечал свой Серебряный юбилей в 1880 году, он поручил Бородину — другому представителю «Могучая кучка » — написать симфоническую поэму.Он должен был стать саундтреком к картине vivant — с актерами в позе на съемочной площадке, освещенными так, чтобы напоминать картину. «Производство» было прекращено после покушения. Однако Римский-Корсаков спас пьесу для своего сезона 1880 года с оркестром Русской оперы.

Николай Римский-Корсаков: Шахерезада (1888)

Римский-Корсаков, также участник группы The Five , произвольно основал свою симфоническую сюиту на рассказах из Arabian Nights .Несмотря на то, что в оригинальной коллекции 1001 ночь, в его версии всего четыре механизма. Римский-Корсаков остановился на названии произведения, потому что считал, что оно «знакомит всех со сказочными чудесами арабских ночей и Востока в целом».

César Cui: Orientale (1894)

Сезар Куй, наименее известный член The Five , был профессиональным военным инженером, специализирующимся на фортификации.Музыка Цуй в значительной степени забыта, за исключением Orientale , девятой пьесы в его коллекции скрипок и фортепиано Kaleidoscope . Его часто переделывают для виолончели и фортепиано.

Александр Глазунов: Времена года (1899)

Плодовитый Глазунов выполнил восемь симфоний, сочинил камерную и хоровую музыку, скрипичный и два фортепианных концерта. Еще он написал три балета. Последний, The Seasons , премьера которого состоялась в Санкт-Петербурге.Петербург в 1900 году. Нетрадиционно, но балет не имеет сюжета, а вместо этого создает четыре картины , основанные на смене времен года.

После провальной премьеры Симфонии № 1 Рахманинов впал в глубокую депрессию и пережил тяжелый писательский блок. К счастью, сочинение его фортепианного концерта № 2 ознаменовало его полное выздоровление. Славная мелодия за великолепной мелодией льется из клавиатуры. Если, слушая вторую часть, вам кажется, что вы могли слышать эту мелодию раньше, послушайте мощную балладу All By Myself .

Скрябин: Поэма экстаза (1905-1908)

Скрябин описал музыку как наиболее развитое из всех человеческих искусств, а экстаз — как наиболее развитую из всех человеческих эмоций. Программа Скрябина делит произведение на три части: его душа в оргии любви; осуществление фантастической мечты; и слава его собственного искусства.

Парижская премьера балета Стравинского вызвала самый известный бунт в истории музыки .Грустная, жестокая партитура была скандальной из-за пренебрежения общепринятым балетом и кажущегося отказа придерживаться каких-либо традиций. К моменту окончания первой части балета уже приехала полиция, которая пыталась успокоить возмущенную публику. Он по-прежнему впечатляет.

Первая большая идея Прокофьева для «Ромео и Джульетта» , вероятно, была немного за гранью черты: он собирался изменить ее, чтобы иметь счастливый конец. Но так далеко он не зашел.Центральным элементом произведения должны стать «Монтекки и Капулетти», иногда известные как «Танец рыцарей». Это музыка, которая, возможно, не была похожа на настоящую драму с тех пор, как была написана.

Рейнхольд Глиер: Концерт для арфы (1938)

При написании этого произведения Глиер консультировался с арфисткой Ксенией Эрдели. Она сделала так много предложений, что он предложил считать ее соавтором, но она отказалась. Доступные и романтичные, есть моменты, напоминающие венский классический стиль и русский романтический национализм.

Чтобы подготовиться к этому произведению, композитор совершил поездку по Италии, посетив места, находящиеся в центре знаменитой истории о восстании рабов. Безусловно, самый захватывающий момент наступает во втором акте, когда Спартаку удается освободить свою жену Фригию, и любовники празднуют это. Эта тема стала еще более популярной благодаря ее использованию в телевизионной драме The Onedin Line .

Через четыре года после смерти Сталина Шостакович написал это великолепное произведение в качестве подарка на день рождения своего сына Максима — опытного пианиста.По обе стороны от задушевного Анданте — два жизнерадостных движения, наполненных непреодолимым чувством веселья. Шостакович, очевидно, скрыл в музыке всевозможные семейные отсылки — шутки, которые по-настоящему поймут только он и Максим.

Шесть лучших оркестровых произведений России

Ленинградская симфония «» Шостаковича была написана в разгар Второй мировой войны и посвящена жителям Санкт-Петербурга, который в то время назывался Ленинградом.Его выступление голодающими членами оркестра в августе 1942 года произвело необычайное впечатление на настроение публики.

Российская премьера состоялась в марте в Куйбышеве (ныне Самара). Вскоре после этого музыка была сфотографирована и контрабандой переправлена ​​на Запад, где она была исполнена в Лондоне под управлением сэра Генри Вуда в рамках передачи BBC 22 июня 1942 года. Трансляция угрожала перекрыться с курантами Биг-Бена в 21:00, поэтому решение было принято в заранее, чтобы остановить перезвон Биг-Бена, если это произойдет.К счастью, пьеса закончилась за четыре минуты до конца.

Симфония № 1 Чайковского «Зимние мечты»

Первая симфония Чайковского «» была написана, когда Чайковскому было 26 лет, вскоре после того, как он принял должность преподавателя в недавно открытой Московской консерватории (ныне названной в честь Чайковского ). Идея заключалась в создании оркестрового произведения, которое стало бы первой «Русской симфонией», чтобы слушатель мог безошибочно проследить русское происхождение музыки.

Антон Рубинштейн ранее написал несколько симфоний, но все они были похожи на симфонии великих немецких композиторов. Исключительно красивые мелодии, легкая наивность и сильное чувство ностальгии, столь характерное для Чайковского, делают эту симфонию настоящим шедевром.

Симфония Прокофьева № 1

Первая симфония Прокофьева «», известная как «Классическая» симфония, — одно из самых очаровательных и доступных произведений русского композитора.Несмотря на то, что Шенберг назвал его «резкой атакой на музыкальный Романтизм », Прокофьев был большим поклонником венской классики и особенно Гайдна : «Мне казалось, что если Гайдн дожил до наших дней, то он сохранил бы свой стиль. Я хотел написать такую ​​симфонию: симфония в классическом стиле ».

Симфония была завершена, когда Прокофьеву было 26 лет (интересное совпадение, поскольку это было годам Чайковского года, когда он написал свою первую симфонию), в разгар русской революции в 1917 году. Ничто в этой элегантной, остроумной и очень легкой симфонии не отражает ужасы политической ситуации в стране того времени.

« Весна священная» Стравинского — одно из самых необычных и новаторских музыкальных произведений, когда-либо созданных. Смелые, диссонирующие гармонии, беспорядочные и безжалостные ритмы, явное отсутствие мелодий — ничего подобного раньше не писали. Первоначально исполненная как балет , эта работа произвела в то время огромный резонанс благодаря своей печально известной премьере в парижском Театре на Елисейских полях 29 мая 1913 года.Это взрывное произведение — прекрасный пример настоящего модернизма в музыке.

Симфоническая сюита Шахерезада была написана в 1888 году на основе сборника ближневосточных народных сказок, известного как Arabian Nights . История разворачивается в красочной оркестровке, которая вводит мелодии для каждого персонажа и разыгрывает их отношения на протяжении всей пьесы, с элементами ориентализма, услышанными в сценарии. Это невероятно красивое и довольно экзотическое произведение всегда приятно слушать.

Рахманинов завершил эту оркестровую сюиту в 1940 году — свое последнее крупное сочинение. Это невероятное произведение сочетает в себе поздний лиризм Рахманинова с элементами диссонансов Прокофьева и ритмов Стравинского и является удивительным примером оркестрового мастерства Рахманинова . Написанные в 1940 году и первоначально названные Fantasy Pieces с названиями движений «Полдень», «Сумерки» и «Полночь», танцы являются настоящим шедевром.Произведение было одним из личных фаворитов Рахманинова среди его собственных сочинений.

Лионирование прошлого: русские композиторы и история

Когда в июне 1812 года французские сапоги вошли на русскую землю, произошли коренные изменения в русской культуре и музыке. До попытки Наполеона Бонапарта вторжения в Российскую империю российская политическая и культурная элита была в плену у эстетики Франции и других западноевропейских стран.С тех пор, как Петр Великий стал царем в 1682 году, аристократия стремилась модернизировать нацию и ее культуру, что означало отбрасывание славянских, феодальных и восточно-православных элементов в пользу более секуляризованных и космополитических тенденций.

Михаил Глинка и Модест Мусоргский

© Wikimedia Commons

https://bachtrack.com/files/66634-glinka-mussorgsky.jpg510340

Однако все изменилось с 1812 года. Интеллектуальный класс, чувствуя себя преданным страной, из которой он взял так много своих культурных реплик, начал попытки выковать отчетливо русское чувство культурной самобытности.Так же, как в изобразительном искусстве и литературе, музыка была важным полем битвы в этой войне за поддающийся количественной оценке национальный характер. Музыкальные инструменты не используются в восточных православных церквях, а это означает, что рост инструментального репертуара в России замедлился по сравнению с лютеранскими и католическими традициями Запада. Более того, до 1800-х годов изысканную музыку создавали немецкие или итальянские, а не местные композиторы. Русским композиторам теперь пришлось вырезать свои произведения.

Но это новое поколение композиторов не искало вдохновения в блестящем будущем своей страны.Вместо этого они обращались к прошлому, к многовековым традициям народных сказок и к тщательно подобранным историческим эпизодам национального триумфа. Одним из таких композиторов был Михаил Глинка, который был одним из первых русских композиторов, использовавших танцевальные ритмы и мелодии из местных народных песен. Работа, которая, возможно, лучше всего отражает его использование истории для выражения чувства национальной идентичности, — это его опера 1836 года « Жизнь за царя ». В нем рассказывается история крестьянина по имени Иван Сусанин, который, как сообщается, пожертвовал своей жизнью за царя Михаила во время польского вторжения в Россию в 1613 году.История была извлечена из исторических документов, датируемых 17 веком, и хотя некоторые историки сомневались в их правдивости, патриотический образ благородного крестьянина считался истеблишментом ярким примером верности царю. Тот факт, что Глинка изменил название оперы с Иван Сусанин на Жизнь за царя после того, как тогдашний монарх Николай I присутствовал на одной из репетиций, показывает, насколько композиторы исследовали историю страны. находились под влиянием их отношений с политической элитой.Культурная политика царского режима характеризовалась запретами, запретами и цензурой, и это, несомненно, повлияло на то, как композиторы, такие как Глинка, использовали историю для создания русской идентичности через музыку. Опера, безусловно, заслужила расположение режима. Когда династия Романовых праздновала 300-летие своего правления в 1913 году, спектакль « Жизнь за царя » был поставлен в гала-спектакле в Мариинском театре, а также в любительских обществах по всей стране.

Картина Константина Маковского 1914 года Иван Сусанин

© Wikimedia Commons | Sotheby

https://bachtrack. com/files/66635-ivan-susanin—by-konstantin-egorovich-makovsky.jpg510340

Во второй половине XIX века второе поколение русских композиторов последовало примеру Глинки в использовании исторического материала для создания новой националистической музыкальной эстетики. В эту «могучую кучку» вошли Милий Балакирев, Николай Римский-Корсаков, Александр Бородин, Сезар Кюи и Модест Мусоргский.Как и Глинка, они стремились создать отчетливое ощущение «русскости» в своей музыке, включив элементы народной музыки и отразив звуки повседневной русской жизни с помощью церковных колоколов и религиозных песнопений в своих произведениях. Но в их музыкальном патриотизме был несколько ура-патриотический аспект: в то время царь Александр II расширял империю на восток, что отражено в тональной поэме Бородина В степях Средней Азии . Опера тоже могла быть средством для националистических исследований российской истории Пятеркой.Бородина Князь Игорь , например, празднует поход князя XII века Игоря Святославича против вторжения тюркских кочевников. Тем временем Римский-Корсаков в « Псковитянка » имел дело с правлением Ивана Грозного, хотя, по общему признанию, эта работа сосредоточена на психологии персонажей, а не на военных подвигах.

Один из композиторов этого периода, у которого были более непростые отношения с национальной историей, — Чайковский, чья Увертюра 1812 года — одно из самых известных произведений классического канона — была первоначально написана в ознаменование победы русских в Бородинском сражении. 1812 г.И все же предпосылка для этого мнимого национального триумфа была ошибочной. Сейчас считается, что войска Наполеона одержали верх в самой битве, но были вынуждены отступить из-за перенапряжения линий снабжения. Однако к 1880-м годам этот эпизод был увековечен как громкая победа, принесенная русским военным искусством. Этот акт исторического заблуждения привел к появлению Храма Христа Спасителя в Москве, который был построен как дань уважения битве и который был открыт пьесой Чайковского. Увертюра наполнена музыкальными отсылками к русской культуре и духовности. Начинается воодушевляющим восточно-православным гимном «Господи, спаси народ Твой». Произведение предшествует разыгрыванию самой битвы с русской народной песней «У двери, у двери моей», вытесненной наступающей марсельезой , которая впоследствии отброшен пятью тщательно спланированными выстрелами из пушек. Разбив произведение в считанные недели, Чайковский сам не любил и не гордился увертюрой, отмечая, что она была «очень громкой и шумной, совершенно лишенной художественных достоинств, явно написанной без тепла и любви.Возможно, ему было не по себе прославлять войну.

Евгения Збруева в роли Марфы в постановке 1911 года Хованщина

© Wikimedia Commons

https://bachtrack.com/files/66637-zbruyeva-marfa-1911.jpg270400

Для более сложного и тревожного музыкального взгляда на историю России можно обратиться к операм Мусоргского, еще одного члена «Могучей кучки». Мусоргский разработал реалистичную эстетику, которая, как можно утверждать, распространилась на его трактовку русской истории.И Хованщина (1880), и Борис Годунов (1881) имеют дело не со знаменитыми моментами национальной гордости, а с историческими эпизодами, которые подчеркивают капризность русского народа. Хованщина посвящена политическим волнениям во времена царя Петра I, вызванным его попытками модернизировать страну. Примерно в то время против монархии восстали две фракции: старообрядцы, группа религиозных инакомыслящих, выступавших против богословских реформ патриарха Никона, и стрелецы, военная ветвь, поддерживавшая восстание под предводительством князя Ивана Хованского.Опера Мусоргского, по сути историческая трагедия с отголосками «Короля Лира » , выражает глубокие разногласия, преследующие прошлое России — здесь нет ура-патриотического ревизионизма. Смысл произведения лучше всего подытоживает хоровая часть «Ах, ты Родная, Матушка Русь» («Горе тебе родная, Матушка Русь»). В песне припев оплакивает состояние нации, говоря, что она страдает не из-за иностранного захватчика, а из-за собственного внутреннего конфликта. Мрачный финал, в котором побежденные старообрядцы самосожжены в акте коллективного самоубийства, является тревожным напоминанием об ужасах гражданской войны.

Хотя фактические исторические события, на которых основана история Хованщина , происходили в течение двенадцатилетнего периода, Мусоргский объединяет их в один эпизод, усиливая чувство конфликта и боли. Борис Годунов , тем временем, рассматривает кризис престолонаследия после смерти царя Федора I в 1598 году, используя либретто Мусоргского, основанное на одноименном историческом романе Александра Пушкина. И снова на первый план выходят капризность и внутренний конфликт.После загадочной смерти восьмилетнего цесаревича Дмитрия Ивановича — первого преемника Федора — на престол вступает Борис. В Польше монах по имени Григорий узнает, что у него один день рождения с цесаревичем, решает изобразить молодого Дмитрия и пытается занять престол себе. Его переворот успешен, и Годунов побежден, но простые русские люди остаются бедными и голодающими, обреченными страдать под властью деспотичного правителя. Судьба простых россиян в это время действительно была в отчаянии — реальный Годунов ввел репрессивные меры, которые еще больше ограничили свободы крепостных в стране.

Федор Шаляпин в роли Бориса Годунова в 1913 году

© Wikimedia Commons

https://bachtrack.com/files/66636-363px-chaliapin-f——————1913-as-boris-godunov.jpg270340

Музыкальная битва за русских история достигла нового уровня интенсивности после революции 1917 года со всеми ее новыми идеологическими целями. Особенно интересно то, как Советский Союз запечатлел свою историю с помощью музыки, как видно из кантаты Прокофьева 1937 г. к 20-летию Октябрьской революции .Если власть истеблишмента над композиторами была сильной в царскую эпоху, то к тому времени, когда Сталин укрепил свою власть, его власть стала еще крепче. Прокофьев намеревался прославить эту работу в честь 20-летия Октябрьской революции, и когда с ним был заключен контракт на эту работу, Борис Гусман из Всесоюзного радиокомитета оговорил, что она должна соответствовать критериям: «а) пригодность для трансляции б) правильная и четкие политические цели; и в) художественные цели ». Получившаяся в результате часть рассказывала историю Советского Союза, от штурма Зимнего дворца до недавних сталинских промышленных и сельскохозяйственных реформ.Хотя его программные темы не могли быть более идеологически чистыми, его смелые модернистские интонации — согласно Комитету по делам искусства — не были такими, и произведение было запрещено. Премьера состоялась только в 1966 году, когда и композитор, и диктатор были мертвы. Прокофьев, как и его соотечественники в царскую эпоху, помог мифологизировать историю России через музыку. 80 лет спустя мы видим разрыв между музыкой и реальностью.

Узнайте о пятерке: 5 русских композиторов 1856

Музыкальная группа «Пятерка», известная также как «Новая русская школа», «Могучая пятерка» и «Могучая кучка», представляла собой сборник пяти прославленных российских композиторов, сделавших упор на придание русской классической музыке собственной индивидуальности.Среди участников были Александр Бородин, Николай Римский-Корсаков, Модест Мусоргский, Сезар Кюи и лидер Милий Балакирев. С 1856 по 1870 год группа базировалась в Санкт-Петербурге и сотрудничала с целью создания особого жанра русской классической музыки.

Бородин (вверху слева), Корсаков (вверху справа), Мусоргский (внизу справа), Балакирев (внизу слева), Цуй (в центре)

Происхождение

Все пятеро, за исключением Балакирева, изо всех сил пытались продвигать русскую музыку.Кроме того, ни один из пятерых не был русским по происхождению (Великоросс). Предки Бородина были грузинами, Римский-Корсаков и Мусоргский имели польско-литовские корни, а Кюи имел французское происхождение. Балакирев был единственным «штатским» в группе; все остальные члены либо имели сильное военное прошлое, либо сами были военными.

Создание

В 1856 году, когда состоялась встреча Сезара Кюи и Балакирева, боевые порядки начали катиться. В 1857 году к драке присоединился Модест Мусоргский.В 1861 и 1862 годах к группе присоединились Николай Римский-Корсаков и Александр Бородин соответственно. Все участники «Пятерки» тогда были молоды. В 1862 году Римскому-Корсакову было всего 18, Мусоргскому — 23, Кюи — 27, а Балакиреву — 25. Бородину было 28 лет, и он был старшим из них. В основном они были любителями и полагались на самообучение.

Музыкальная революция была в основном детищем Балакирева, и он был первым, кто столкнулся с оппозицией. Разногласия возникли вокруг Славянского концерта, где название «Могучая кучка» (которое изначально использовала группа) вызвало резкую критику и насмешки со стороны Русского Музыкального Общества, академиков консерватории и их сторонников в прессе.Перед зарубежной делегацией выступили российские композиторы Николай Римский-Корсаков, Милий Балакирев, Александр Даргомыжский, Михаил Глинка. Однако группа предпочла проигнорировать критику и продолжить выступать под этим псевдонимом. Бородин, Цуй, Римский-Корсаков и Мусоргский собрались вокруг Балакирева, своего лидера, и продолжили выступать в составе «Пятерки» / «Могучей кучки».

Музыкальный обзор

«Пятерка» в основном действовала из второстепенных провинций, лишенных каких-либо придворных связей, в отличие от «элитных» композиторов консерватории.Их движение больше относилось к более классическому, «подлинно русскому». Они создавали оперы на различные русские сюжеты и прилагали все усилия, чтобы включить в свои песни влияние местной музыки. Их работы включали «звон церковных колоколов», музыку в кавказских танцах, казачьи, церковные песнопения и деревенские песни.

«Пятерка» также вобрала в себя звуки, запечатлевшие русский образ жизни. Транскрипции Балакирева рисуют самобытную картину русской народной музыки.Некоторые характеристики музыки группы:

Тональная изменчивость

Им также удалось искусно сохранить «тональную изменчивость», отличительную черту русского народа. Это происходит, когда мелодия естественным образом перемещается между тональными центрами, часто начиная с песни с определенной тональности и в конечном итоге переходя к другой. Это создает ощутимый источник неуловимости, отсутствия логической прогрессии или так называемого определения гармоний. Даже если рассматривать музыку «Пятерки», это качество придает русской музыке совершенно новую тональную структуру, уникальную по сравнению с ее западными аналогами.

Гетерофония

В этом контексте несколько исполнителей (два или более) одновременно воспроизводят мелодию в различных вариациях. Певцы импровизируют до конца песни, когда она, наконец, возвращается к «одиночной» мелодической линии.

Параллельные трети, четвертые и пятые

Этот отчетливый эффект придает русской музыке грубую звучность, которая полностью отсутствует в сравнительно более отполированных гармониях Запада.

Далее была сделана попытка воспроизвести мелизматическую, длинную крестьянскую лирику, также известную как «душа русской музыки». Они взяли на вооружение несколько гармонических приемов, чтобы создать свой «русский» цвет и стиль. Это было не просто застенчивостью, а цветами их изобретения. Кроме того, ни одно из этих устройств в действительности не использовалось в русской церковной или народной музыке:

Вся шкала тонов

Эта шкала в основном используется в русской музыке для обозначения зловещих ситуаций или злых личностей.Его использовали все крупные композиторы: Римский-Корсаков, Клод Дебюсси, Чайковский. Это стало обычным явлением в музыке из фильмов ужасов.

Российский субмедиант

Это в основном гармонический паттерн, хотя и в «мажорном» режиме. В этом паттерне одна из верхних частей переходит от хроматически доминирующей высоты звука к субмедиантной, в то время как все остальные гармонические части остаются постоянными. «Шехерезада» Римского-Корсакова — самый известный пример использования русского субмедианта.

«Октатонический» или с уменьшенным масштабом

В 1867 году Римский-Корсаков впервые использовал это в симфонической поэме «Садко». Шкала стала «визитной карточкой» русской музыки, лейтмотивом угрозы и магии, широко используемой талантливыми музыкантами.

Модульное вращение

«Пятерка» использовала это устройство в полной мере, создав структуру на основе симфонической поэмы. Это помогло им избежать жестких законов модуляции, распространенных на Западе, что в дальнейшем позволило им создавать музыку, полностью основанную на «содержании».Они могли отказаться от традиционных «законов симметрии» и черпать вдохновение из визуальных описаний и программных заявлений. Мусоргский использовал его чаще всего, определяя самобытный русский стиль.

Шкала пентатоники

Практически все русские композиторы-националисты переняли этот стиль. Он содержит только 5 нот в октаве, а не формальные гептатонические гаммы (минор, мажор и т. Д.). Этот аспект используется, чтобы намекнуть на «примитивный» народный стиль, а также на элементы Азии и Ближнего Востока.

Влияние ориентализма

Еще одной отличительной чертой группы была их зависимость от «ориентализма». Они активно использовали восточные гармонии и темы, выгодно отличаясь от западных композиторов. Востоковедение считается одной из лучших черт русской музыки на Западе. Римский-Корсаков также использовал восточные мелодии и русский народ в своей «Первой симфонии», получившей должное название «Первая русская симфония».

Ориентализм также не ограничивался использованием только восточных мелодий.Что выделялось, так это музыкальные условности, которые они изображали. Они стали возможностью писать музыку на непредсказуемые темы, а именно на эротические фантазии и политические темы. Симфоническая сюита Римского-Корсакова «Антар» и симфоническая поэма Балакирева «Тамара» выделяются как самые знаменитые произведения с ориентализмом в качестве ключевой черты.

В 1870-х годах группа начала распадаться, частично из-за ухода Балакирева от музыки. Члены «Пятерки» учили и оказали влияние на нескольких известных русских композиторов, включая Дмитрия Шостаковича, Игоря Стравинского, Александра Глазунова и др.Два французских символиста — легендарный Клод Дебюсси и Морис Равель тоже испытали влияние своего «радикального» тонального языка. Все участники группы похоронены на «Тихвинском кладбище» в Санкт-Петербурге. Они успешно создали аутентичный русский музыкальный стиль, отказавшись от германского академизма, который доминировал в Санкт-Петербургской консерватории. «Могучая Кучка» заложила традицию и стала буквально горсткой.

Ссылки на ресурсы:

Сопутствующие ноты для фортепиано:

Подробнее о Бородине, Мусоргском и Римском-Корсакове:

Прочтите об этих других русских композиторах:

Что делает русскую музыку русской ?: Saint Paul Sunday Feature

Джерарда МакБерни, композитора, телеведущего и преподавателя Королевской музыкальной академии, Лондон,

Январь 2001 г.

Вернуться к «Что делает русскую музыку русской?»

Россию умом не постичь,
Вы не можете измерить это в футах и ​​дюймах.
Его особый символ таков:
В эту Россию нужно верить.
-Федор Тютчев 1866

Русская классическая музыка, как и американская классика, появилась менее двух веков назад. По сравнению со временем, отделяющим нас от Баха, Монтеверди, Палестрины и Махаут, это кажется почти вчерашним днем.

Только в конце 1820-х годов, после наполеоновских войн и примерно в то время, когда умерли Бетховен и Шуберт, Глинка, первый великий русский композитор, изобрел то, что мы теперь называем «звуком русской музыки». Но хотя это русское звучание относительно новое, большинство меломанов признают его и считают старым. И с тех пор это отозвалось эхом в произведениях Чайковского, Мусоргского, Римского-Корсакова, Скрябина, Рахманинова, Стравинского, вплоть до мастеров и любовниц наших дней, таких как Альфред Шнитке и София Губайдулина.

Что заставляет русскую музыку звучать так, как она есть? Почему мы его легко узнаем и почему мы позволяем ему так очаровывать нас (как сонный султан поддался очарованию сказочной Шехеразады)?

Для многих искусство русской мелодии имеет значение.Но русские мелодии могут быть разными. Есть известные русские мелодии, вроде тех, что в Картинках с выставки или Петя и Волк, которые звучат как русские деревенские народные песни, особенно те, на четверти, которые Глинка называл «душой русской музыки». Но есть и другие, столь же «русские», как большие мелодии из «Евгения Онегина», Патетической симфонии или «Лебединое озеро», , которые никогда не назовешь народными. А с другой стороны, эти очень-русские мелодии в The Rite of Spring и Les Noces оказались вовсе не русскими, а пришли из Литвы и Грузии соответственно, двух древних народов со своими собственными самобытные музыкальные традиции.

Русскость некоторых великих русских мелодий, таких как запоминающееся вступление к Третьему фортепианному концерту Рахманинова, кажется, заключается в том, как они пробуждают мрачный аромат русского православного церковного пения. Но это тоже может быть обманчивым. Знаменитая современная русская православная музыка Арво Пярта написана эстонцем лютеранского происхождения, и слова в основном взяты из католической литургии. И, напротив, некоторые из самых мощных мелодий Шостаковича, русскоязычного славянина польского происхождения, основаны на клезмере, еврейской свадебной музыке.

Затем есть эти знаменитые гремящие русские гармонии… эти звенящие колокола из Бориса Годунова и Великие ворота Киева, или волнующие вступительные аккорды 2-го фортепианного концерта Рахманинова. Мы все думаем, что знаем, откуда они берутся. Вспоминается знаменитая сцена литья колокола из фильма Тарковского « Андрей Рублев», видение славянского средневековья. Но как насчет обреченной хоровой симфонии Рахманинова «Колокола»? Эти колокола звучат со слов Эдгара Аллана По, вряд ли русского писателя! А эта знаменитая звенящая Фея Сахарно-Сливовая… почему она звучит так по-русски?

Некоторые ученые пытались быть более общими.Они говорят, что русскую музыку делает ее чувство пространства. Подумайте об этой огромной и могучей земле, пятой или шестой части земной поверхности, этих степях и пустынях, древних таежных лесах и бескрайних арктических пустошах тундры. И, похоже, россиянам нравятся длинные произведения искусства, такие как романы Толстого, оперы Мусоргского и фильмы Эйзенштейна. Но, тем не менее, некоторые из самых русских когда-либо написанных произведений — это крохотные песни Глинки и Рахманинова, крохотные прозрения личных чувств, иногда на слова величайшего поэта России Пушкина.И вообще, разве музыка Брамса, Вагнера и Малера не передает такое же грандиозное ощущение пространства?

Остальные указывают на красочную славу русского оркестра, на

Облачные башни, великолепные дворцы, Торжественные храмы…

из Sheherazade, Firebird и остальные. Но одним из величайших отечественных оркестровых шоу-стопперов являются «Картинки с выставки», на самом деле набор фортепианных пьес.Его чудесные «русские» оркестровые краски позднее нарисовал француз Равель. А фортепианные миниатюры Скрябина, струнные квартеты Шостаковича? По-разному это этюды офорта, с прожилками серого, а иногда и почти бесцветными.

И все же мы чувствуем русскость всей этой музыки, и когда мы слушаем, она кажется нам ясной. Но по мере того, как он исчезает, мы часто не понимаем, почему это звучит таким образом. Мы думаем, что знаем, что такое русская музыка, но она снова и снова нас удивляет.И тайный элемент русскости, магический ингредиент, который нас притягивает, кажется, словно блуждающий огонек, танцует и мерцает в музыке, но всегда остается вне нашего понимания.

Некоторые русские композиторы XIX века прекрасно понимали, что именно им нужно, чтобы сделать их музыку русской. И одна идея, по-разному популярная у Глинки, Чайковского, Мусоргского, Бородина и Римского-Корсакова, заключалась в том, чтобы их музыка рассказывала историю. Это и оперы, и балеты, и мелодраматические фантазии, и мелодрамы, и сказки.Это не означало «абстрактную» камерную музыку, которую писали «скучные» жители Запада. Они думали, что настоящие русские, например, не должны писать скрипичные сонаты! Однажды, когда Бородин написал струнный квартет, его друг Мусоргский, возмущенный изменой, написал яростное письмо. И когда Чайковский начал свои квартеты, они произвели фурор, потому что были чем-то неожиданным и совершенно новым.

Но вскоре все изменилось. Следующие поколения русских композиторов были другими животными.Это были звезды с детства, получившие образование в консерватории, а не романтические посторонние. Они были профессиональными исполнителями и почти все великие пианисты того или иного рода. Это было время, с конца 19 века и далее, могущественных русских школ фортепиано, скрипки, виолончели и голоса … таких гигантов, как Рахманинов, Ойстрах, Ростропович и Шаляпин.

Три сонаты для виолончели на этой записи написаны великими, хотя и очень разными, композиторами-пианистами. Они написали фортепианные партии, исходя из собственного опыта игры на фортепиано и, в двух случаях, для себя.Они написали партии виолончели для великих виолончелистов, которые были их друзьями и коллегами. И они написали эту музыку не для того, чтобы ее играли в гостиной, не для развлечения после ужина, не для местной демонстрации своей русскости, а как полноценную общественную музыку, которую нужно путешествовать из одного города в другой, издавать и публиковать. выступали в больших и малых концертных залах, где люди платили, чтобы услышать эту музыку и чудо того, как ее играли великие виолончелисты и пианисты.

Рахманинову, Шостаковичу и Прокофьеву не нужно было использовать эту музыку для доказательства своей русскости.Музыка звучала по-русски просто потому, что композиторы были русскими. В этих произведениях 20-го века современная российская камерная музыка встает и идет сама по себе, уверенная в том, что она есть и что она хочет сказать, без страха и без всякой необходимости доказывать свою противоположность более старому, иному способу создания музыки.

Вернуться к «Что делает русскую музыку русской?»

Появляются молодые талантливые композиторы в России

В последние годы существования Советского Союза музыка трех российских композиторов — Альфреда Шнитке, Эдисона Денисова и Софии Губайдулиной — занимала мировые концертные площадки с таким же престижем и регулярностью, как и музыка их великих композиторов. предшественники, Шостакович и Прокофьев.Теперь только Губайдулина осталась главной фигурой, и многие музыкально настроенные американцы могли подумать, что в России новая музыка, наряду с демократией, становится безнадежным делом.

Но это не правда, как покажут музыканты из Нью-Йоркской филармонии 2 апреля, когда оркестр представит последний свой «Контакт!» концерты — цикл современной музыки, начатый бывшим музыкальным руководителем оркестра Аланом Гилбертом — в Вильямсбургском дворце National Sawdust. (Деятельность в области новой музыки останется активной под руководством нового музыкального директора Яапа ван Цведена.) Ведущим мероприятия является популярный композитор и дирижер Эса-Пекка Салонен, а его программа консультирует Жерар Макберни, признанный авторитет в области русской и советской музыки и культуры.

Слушатели будут впечатлены талантом избранной филармонией композиторской группы, в которую входят Денис Хоров, Марина Хоркова, Александр Хубеев, Дмитрий Курляндский и Николай Попов. Однако они могут быть удивлены тем, насколько глубоко большинство этих музыкантов похоронили то, что западные люди считают национальным стилем романтизма, восходящим к Глинке и Чайковскому.Похоже, что молодые российские композиторы усердно адаптируют для своих целей приемы экстремального звучания таких современных мастеров, как Гельмут Лахенманн, как и их сверстники из Нью-Йорка и Западной Европы.

Однако проникновенная русская тьма осталась. («Баркаролла» Хорова лишь немного намекает на Рахманинова.) Из-за явных амбиций наиболее впечатляющим произведением, вероятно, будет «Призрак антиутопии» Хубеева, мини-симфония инструментальных писков, стонов и ударов телом, инициированная дирижером, чьи штаны , рубашка и перчатки будут прикреплены к серии звукопоглощающих пластиковых ящиков.Более утонченным является «Нибиру 20/13» Попова, произведение музыкальной научной фантастики, в котором видеоэлементы дополняют искусно созданную мешанину электронной музыки и жестов струнного квартета, создавая видение Армагеддона почти причудливым по тону. ♦

Музыка ХХ века. Русская школа.

Последняя четверть девятнадцатого века был переломным периодом русской музыки. Недавно открытый консерватории в Москве и Санкт-Петербурге.Петербург породил профессиональное образование. Линия русских композиторов восходит к Михаил Глинка (1804-1857) — первый известный русский композитор и первый представитель националистической традиции, сделавший национализм цель его работы с целью возрождения русского традиции после многих лет влияния западной музыки и западной культура в целом. Настоящий национализм как традиция в музыке был родился в середине девятнадцатого века и связан с г. «Русская пятерка» *** композиторов, музыкантов-новаторов (новаторов в смысл русской музыки, которая в отличие от современной западной музыки все еще был на любителя).Они считаются первыми композиторами в Петербургская музыкальная школа. После открытия St. Петербургская и Московская консерватории, разница в двух школах был основан. Может быть, потому, что Санкт-Петербург был культурным столица была создана Национальная музыкальная школа. Москва на заодно стал городом музыкального консерватизма, хранителем консерваторских западных традиций и оставалась таковой до второго десятилетие нынешнего века, когда появились новые гении.Эта школа была построенный на авторитете Чайковского (правда, он окончил СПБ. Петербургской консерватории, он не продолжил чисто националистический традиции, находясь под сильным влиянием западной музыки) и Николай Рубинштейн. Игорь Стравинский (1882-1971) несомненно пришел от Русской национальной школы. Он изучал композицию с Римского-Корсакова и продолжил традиции своего учителя, но он пришел в момент растворения национальной традиции.И как в результате он объединил достижения националистов с новым стилем неоимпрессионизм. Позже он стал использовать русскую тематику в саркастическая манера. В этом смысле национализм Стравинского доказывает граничащие с антинационализмом в карикатурном преувеличении. С его музыка положила начало новой эре отношений между западными и русскими музыка: в девятнадцатом веке западная музыка оказала влияние Русский стиль, но сейчас тенденции сильно потекли в противоположное направление — придавая новый цвет потоку вестерн музыка, из которой он возник. Сергей Прокофьев (1891-1953), как Моцарт был вундеркиндом. Поступил в Петербургскую консерваторию в в возрасте тринадцати лет, учился в классе Римского-Корсакова. В ранний период его музыка находилась под влиянием последних лет Русская националистическая школа, но он очень быстро нашел свой стиль. Прокофьев проявил себя как антиромантик, использующий сатиру и реализм, чтобы нарушить старый порядок.Он игнорировал старые правила, регулирующие мелодия, ритм и гармония. Римский-Корасаков писал по произведениям Прокофьева. дипломная работа: «Талантливые, но совсем незрелые». Современники из-за разлада и диссонанса считали одними из его работа варварская. Критик New York Times назвал его » психолог всех уродливых эмоций — ненависти, презрения, гнева, отвращение, отчаяние, насмешки, разное ». музыка «примитивная» и «гротескная», но она была не единственный способ, которым он мог писать — это был способ, которым он хотел писать. Александр Скрябин (1872-19 ??) Выпускник Московской консерватории, этот очень талантливый пианист и композитор был преподавал фортепиано Зверев (учитель фортепиано Рахманинова), композиция Аренского, оркестровка Сафонова (впоследствии ставшего выдающийся дирижер, руководитель Нью-Йоркской филармонии). Позже он бросил Московскую музыкальную школу, но в сторону старых не пошел. Русские национальные традиции.Скрябин стал враждебно настроен консерватизм, но в то же время игнорирование национализма; стал противоположна «Могучей пятерке» и Чайковскому. Скрябин принадлежал русским символистам, организованным против искусства, слишком насыщенного социальных мотивов и к возвращению к чистому художественному мастерству и восстановление романтизма. Сергей Рахманинов (1873-1943) принадлежит того же поколения, что и Скрябин.Они даже были однокурсниками по Московская консерватория. Рахманинов, очень талантливый пианист и довольно оригинальный композитор, работавший в старинном романтическом стиле, стал очень популярным благодаря своей работе и исполнительскому мастерству. Он окончила Московскую консерваторию по классу пианист и композитор. годом раньше, чем его класс, и даже его первые работы, в том числе его дипломные работы одноактной оперы «Алеко» были очень успешный. После учебы в консерватории Сергей Рахманинов начал карьеру в России как композитор, пианист. и дирижер. Многие считали его первым пианистом своего возраста. и он всю жизнь оставался прекрасным пианистом. Немногие композиторы написали больше успешный опус 1, даже если он переписал его восемь лет спустя, потому что его собственное недовольство.Он приобрел быструю и прочную популярность. Рахманинов был знаменитым пианистом, и его фортепианная музыка была виртуозов и полно нот. Рахманинов-композитор и Рахманинов-пианист работали вместе. Его музыка написана для него самого, и это может быть легко увидеть: не все профессиональные пианисты легко умещаются в руках на этих растянутых шнурах, которые были для Рахманинова пустяком. огромные руки (он мог сыграть двенадцатую!). Также как пианист и композитор он продолжил линию фортепианных композиторов Листа и Шопена. Фортепианные концерты Чайковского и фортепианная музыка были раньше Рахманинова, но считается первым русским композитором-фортепиано. Иногда даже в его вокальных произведениях, особенно в его ранних произведениях, кажется, что партии фортепьяно он уделял больше внимания, чем партии вокал. Рахманинов вырос в разгар романтическое движение, когда эмоции усилились и музыка стала больше, чем жизнь.Его ранние работы 1890-х годов были находился под сильным влиянием П.И. Чайковский: драматично, страстно лиричный, мрачно-красочный в оркестре и гениальный в пианино. Рахманинов знал Чайковского в раннем возрасте и восхищался его работает. В 13 лет он аранжировал часть оркестра Чайковского. сочинения для двух фортепиано или фортепианных дуэтов (хотя великий композитор был впечатлен своей первой обработкой симфонической поэмы «Манфред», он был очень недоволен своим фортепианным дуэтом. транскрипция «Спящей красавицы»). Рахманинова был очень успешным: дирижерство Московской филармонии, фортепианные спектакли как оба пианист-солист, играет с оркестрами России, Европы и Америки. сделал его популярным в мире. После Октябрьской революции 1918 г. ему пришлось уехать из России — сначала в Европу, чем в Америку. Скоро он стал неотъемлемой частью музыкальной жизни Соединенных Штатов. С Оркестр Филадельфии под управлением Леопольда Стокски, он сделал граммофонные записи его собственных произведений.Советское правительство считал его врагом советского народа. В 1931 г. Правительственная газета «Правда» писала, что его музыка «это русский ничтожный подражатель и реакционер: бывший владелец поместья, который еще в 1918 году горел ненавистью к Россия, когда крестьяне отняли у него землю — заклятый и активный враг Советской власти ».« Мне совершенно безразлично ». — ответил Рахманинов, но нападение ранило его больше, чем он мог бы. сказать.Он перестал сочинять после того, как уехал из России, почти на отдых. его жизни. «Я русский композитор, и страна моего рождения повлияла на мой темперамент и мировоззрение ».« Мелодия ушел, я больше не могу сочинять. No related posts. Написать ответ Отменить ответ Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены * Комментарий * Имя * Email * Сайт