Классическое музыкальное произведение: Классическая музыка: 100 главных произведений классической музыки.

О самых известных классических произведениях

17/05/2017

Многие думают, что время классической музыки прошло, и пришел новый век электронной и популяризированной музыки. Но это величайшее заблуждение, потому что классические произведения мы слышим постоянно, в рекламе, в кинематографе, а не только в театре или концертном зале. Есть произведения, которые никогда не потеряют собственной актуальности, они живут в веках и становятся символами.

ТОП-20 самых известных музыкальных произведений

1. Ария царицы Ночи из оперы Волшебная флейта Вольфанга Амадея Моцарта.
2. О, Фортуна «Кармина Бурана»
3. Хор невольниц «Улетай на крыльях ветра» из оперы «Князь Игорь» А.П. Бородина
4. «Времена года» Антонио Вивальди
5. Каприз №24 Никколо Паганини.
6. «Лунная соната» Людвига ван Бетховена
7.  Адажио для струнного оркестра С. Барбера
8. Прелюдия e-moll Фредерик Шопен.
9. Балет «Щелкунчик» Петра Ильича Чайковского
10. Свадебный марш из увертюры «Сон в летнюю ночь» Феликса Мендельсона
11. Ария (хабанера) Кармен «Любовь – мятежная птица» Ж. Бизе
12. Неоконченная симфония №8 Шуберта
13. Полонез Михаила Огинского
14.  «К Элизе» Людвига ван Бетховена
15. Токката и фуга d-moll Иоганна Себастьяна Баха
16. Реквием ре минор Вольфанга Амадея Моцарта
17. Адажио Альбинони
18. «Форель» Шуберта
19. Опера «Евгений Онегин» Петра Ильича Чайковского
20. Ария Каварадосси из оперы «Тоска» Джакомо Пуччини

Не обязательно быть искушенным ценителем музыки, чтобы проникнуться глубиной вышеперечисленных произведений. Список может продолжаться бесконечно, потому что классические произведения по-настоящему популярны. Но сколько еще прекрасной музыки можно услышать, ведь не все сочинения становятся столь известными широкой публике. Качественная профессиональная музыка, созданная несколько веков назад, не теряет собственной значимости, а становится украшением множества других телевизионных проектов.

Самые известные классические музыкальные произведения

Итак, в центре нашего внимания сегодня – самые известные классические музыкальные произведения. Классическая музыка вот уже несколько веков будоражит своих слушателей, вызывая у них бури чувств и эмоций. Она уже давно стала частью истории и тонкими нитями переплетается с настоящим.

Бесспорно, в далёком будущем классическая музыка будет не менее востребована, так как подобное явление в музыкальном мире не может потерять своей актуальности и значимости.

Назовите любое классическое произведение – оно будет достойно первого места в любом музыкальном хит-параде. Но так как самые известные классические музыкальные произведения сравнивать между собой не представляется возможным, в силу их художественной уникальности, то названные здесь опусы представлены только как произведения для ознакомления.

«Лунная Соната»

Людвиг Ван Бетховен

Летом 1801 года увидело свет гениальное произведение Л.Б. Бетховена, которому суждено было стать знаменитым по всему миру. Название этого произведения, «Лунная Соната», известно абсолютно всем, от стара до млада.

Но изначально, произведение имело название «Почти фантазия», которое автор посвятил своей юной ученице, возлюбленной Джульетте Гвиччарди. А название, под которым оно известно и по сей день, придумал музыкальный критик и поэт Людвиг Рельштаб уже после смерти Л.В. Бетховена. Данное произведение относится к одним из самых известных музыкальных произведений композитора.

Кстати, отличную коллекцию классической музыки представляют собой издания газеты “Комсомольская правда” – компактные книжечки с дисками для прослушивания музыки. Можно прочитать про композитора и послушать его музыку – очень удобно! Рекомендуем заказать диски с классической музыки прямо с нашей странички: нажимаете кнопку “купить” и сразу же переходите в магазин.

 

«Турецкий Марш»

Вольфганг Амадей Моцарт

Данное произведение это третья часть Сонаты №11, появилось оно на свет в 1783 году. Изначально оно носило название «Турецкое Рондо» и было очень популярным среди австрийских музыкантов, которые впоследствии и переименовали её. Название «Турецкий марш» закрепилось за произведением ещё и потому что оно созвучно с турецкими янычарскими оркестрами, для которых очень характерно звучание ударных, что можно проследить и в «Турецком Марше» В.А. Моцарта.

«Аве Мария»

Франц Шуберт

Сам композитор написал это произведение к поэме «Дева Озера» В. Скотта, а точнее к её отрывку и не собирался писать такую глубоко религиозную композицию для Церкви. Спустя некоторое время после появления произведения, никому не известный музыкант, вдохновленный молитвой «Аве Мария», положил её текст на музыку гениального Ф. Шуберта.

«Фантазия-экспромт»

Фредерик Шопен

Это произведение Ф. Шопен, гений периода романтизма, посвятил своему другу. И именно он, Джулиан Фонтана, ослушавшись указаний автора, опубликовал её в 1855 году, спустя шесть лет со смерти композитора. Ф. Шопен считал, что его произведение схоже с экспромтом И. Мошелеса –ученика Бетховена, известного композитора и пианиста, что и послужило причиной отказа от выпуска в свет «Фантазии-Экспромта». Однако это гениальное произведение никто и никогда не считал плагиатом, кроме самого автора.

«Полёт Шмеля»

Николай Римский-Корсаков

Композитор данного произведения являлся поклонником русского фольклора – ему были интересны сказки. Это привело к созданию оперы «Сказка о царе Салтане» на сюжет А.С. Пушкина. Частью этой оперы и является интермедия «Полёт Шмеля». Виртуозно, невероятно живо и гениально сымитировал в произведении звуки полёта этого насекомого Н.А. Римский-Корсаков.

«Каприс №24»

Никколо Паганини

Изначально все свои каприсы автор сочинял исключительно для усовершенствования и оттачивания мастерства игры на скрипке. В конечном счёте, они принесли в скрипичную музыку много нового и неведомого до этого. А 24-й каприс – последний из сочиненных каприсов Н. Паганини, несёт в себе стремительную тарантеллу с народными интонациями, а также признан одним из произведений, когда-либо созданных для скрипки, равных по сложности которому нет.

«Вокализ, опус 34, №14»

Сергей Васильевич Рахманинов

Данным произведением завершается 34-й опус композитора, в котором объединены четырнадцать песен, написанных для голоса с фортепианным сопровождением. Вокализ, как и положено, не содержит слов, а исполняется на одном гласном звуке. С.В. Рахманинов посвятил её Антонине Неждановой – оперной певице. Очень часто это произведение исполняется на скрипке или виолончели в сопровождении фортепианного аккомпанемента.

«Лунный Свет»

Клод Дебюсси

Это произведение было написано композитором под впечатлением строк стихотворения французского поэта Поля Верлена. Название очень четко передаёт мягкость и трогательность мелодии, которая влияет именно на душу слушателя. В 120-ти фильмах разных поколений звучит это популярное произведение гениального композитора К. Дебюсси.

Как всегда, лучшая музыка – в нашей группе в контакте: http://vk.com/muz_class – Вступайте сами и приглашайте друзей! Наслаждайтесь музыкой, не забывайте ставить лайки и оставлять комментарии!

Самые известные классические музыкальные произведения, приведённые выше, это конечно не все достойные творения величайших композиторов разных времён. Вы, наверное, и сами понимаете, что список просто не остановить. Не названы, например, русские оперы или немецкие симфонии. Так, что же делать? Предлагаем вам поделиться в комментариях о том произведении классической музыки, которое некогда вас сильно впечатлило.

Автор – Станислав Колесник

И в конце статьи предлагаю послушать замечательное произведение Клода Дебюсси – “Лунный Свет” в исполнении Черкасского камерного оркестра:

Топ десять лучших классических произведений

«К Элизе», Людвиг ван Бетховен Если Вы введёте лишь первые символы названия в любой поисковик, Вы получите более трех миллионов ссылок на эту знаменитую композицию. И это вполне объяснимо. Это произведение, известное также как «Багатель ля минор», на сегодняшний день является, вероятно, одной из самых узнаваемых мелодий, даже если слушающий ее, не знает ни её названия, ни имени композитора. Произведение было написано в 1810 году, когда Бетховен был уже практически глухим. Название «К Элизе» до сих пор таит в себе загадку. Так до сих пор точно не известно, кому именно посвящена эта композиция. Некоторые считают, что это на самом деле всего лишь неразборчиво написанное в черновиках композитора имя «Тереза», а именно Тереза Малфатти, женщина, на которой Бетховен хотел жениться, но получил отказ. Согласно другим источникам, это могло быть прозвище Элизабет Рёкель, оперной певицы и близкой подруги Бетховена. Так или иначе, композиция «К Элизе» волнует сердца многих, вне зависимости оттого, кому композитор ее посвятил. «К Элизе», Людвиг ван Бетховен 1 «Турецкое рондо», Вольфганг Амадей Моцарт Скорее более известное как «Турецкий марш», это произведение является неотъемлемой частью непревзойденного репертуара Моцарта. Оно было написано в 1783 году и на самом деле не является отдельным произведением, а лишь третьей последней частью Сонаты No. 11. Причина, по которой работа была названа именно так, заключается в созвучности с турецким янычарским оркестром. Как и любой военной маршевой музыке, «Турецкому Рондо» характерно мощное звучание ударных. Это было весьма популярно не только в 17-ом веке, но в современной Турции. «Турецкое рондо», Вольфганг Амадей Моцарт 2 «Аве Мария», Франц Шуберт На самом деле 28-ми-летний Шуберт не намеревался сочинять такую глубоко благоговейную религиозную композицию по заказу Церкви. Всем известная латинская молитва «Аве Мария» вдохновила неизвестного музыканта положить ее текст на музыку Шуберта спустя много лет после появления самой музыки. Изначально Франц Шуберт написал музыку к отрывку из поэмы Вальтера Скотта «Дева озера». Она называлась «Третья песня Эллен» и изображала героиню поэмы, молящую Деву Марию о помощи. Успех музыкального отрывка был настолько велик, что сам композитор не мог опомниться от изумления и переполнявших его эмоций. К несчастью, наслаждаться успехом осталось лишь три года – Шуберт умер в возрасте 31 года. «Аве Мария», Франц Шуберт 3 «Лунная соната», Людвиг ван Бетховен Солнечным венгерским летом 1801 года родилось еще одно произведение Бетховена, которому предстояло стать знаменитым на весь мир. Сегодня название «Лунная соната», пожалуй, знакомо почти всем от мала до велика. Изначально композиция носила название «Почти фантазия» или просто «Соната для фортепиано No.14 до-диез минор» и была посвящена юной ученице композитора графине Джульетте Гуакарди, в которую он был сильно влюблен в то время. К сожалению, их свадьба не состоялась из-за несогласия родителей графини. И тем не менее, это не объясняет имени композиции, не так ли. «Луну», фигурирующую в названии, однажды увидел поэт Людвиг Рельштаб над швейцарским озером Люцерн. Со временем название закрепилось за мелодией и в таком виде дошло до наших дней. Соната была опубликована в Вене в 1802 году. «Лунная соната», Часть I, Людвиг ван Бетховен 4 «Утро», Эдвард Григ «Утро» — это первая часть знаменитой сюиты No. 1 «Пер Гюнт». Этот отрывок можно нередко услышать в качестве фоновой музыки в многочисленных телевизионных роликах и даже мультфильмах, таких как «Симпсоны». Звуки этой мелодии так любимы и часто используемы именно потому, что она считается одним из самых эмоциональных, чувственных и трепетных «изображений» зарождающегося дня. Вероятно, это самая популярная из работ Грига. «Утро», Эдвард Григ 5 «Лунный свет» из «Бергамасской сюиты», Клод Дебюсси Ценители поэзии в первую очередь узнают в названии этого произведения одноименное стихотворение Поля Верлена. Так и есть, ведь это произведение – следствие вдохновения гениального композитора строками стихотворения французского поэта. Дословный перевод с французского – ‘лунный свет’ – говорит о необычайной мягкости и трогательности мелодии. Это идеальный пример того, как музыка должна влиять на душу, а не на разум, что и является сутью авангардной идеи, повлиявшей на стиль Дебюсси в то время. Произведение «Лунный свет» (встречается также название «Сентиментальная прогулка») стало настолько популярным, что количество фильмов, в которых оно звучит, достигло 120, среди них фильмы «Одиннадцать друзей Оушена» и «Сумерки». «Лунный свет» из «Бергамасской сюиты», Клод Дебюсси 6 «Фантазия-экспромт», Фредерик Шопен Как Вы, вероятно, заметили, практически каждое великое произведение было кому-то или чему-то изначально посвящено. Эта ‘фантазия’ – не исключение. Гений романтической музыки Фредерик Шопен решил посвятить свою композицию своему близкому другу Джулиану Фонтана. И именно в руки Фонтана перешла судьба произведения после смерти Шопена. Джулиан опубликовал работу в 1855 году, ослушавшись указаний друга, который был категорически против любых публикаций «Фантазии». Такому нежеланию Шопена огласки своей работы была особая причина. Через некоторое время после сочинения Фантазии Шопен проанализировал ее и осознал, что мелодия очень напоминает как «Экспромт» Мошелеса, так и «Лунную сонату» Бетховена. А быть обвиненным в плагиате было бы одним из худших карьерных последствий для 24-х-летнего композитора такого уровня. «Фантазия-экспромт», Фредерик Шопен 7 «Свадебный марш», Феликс Мендельсон Ни один из когда-либо написанных свадебных маршей не исполнялся на протяжении 150 лет подряд фактически на каждой свадебной церемонии, включая королевские. Несомненно, Мендельсон таким образом оставил свой отпечаток в истории. Первой невестой, которая пошла к алтарю под звуки этого марша был не кто иной, как дочь королевы Виктории – принцесса Виктория Аделаида Мария Луиза. В 1858 года она сказала «да» Фридриху Вильгельму IV, королю Пруссии. Однако молодой Мендельсон не ставил перед собой такую цель при сочинении произведения – он просто восхищался пьесой Шекспира «Сон в летнюю ночь» и собирался написать музыку к ней еще в 17 лет. Помимо «свадебной популярности» это произведение также считается шедевром классической музыки. «Свадебный марш», Феликс Мендельсон 8 «Полет шмеля», Николай Римский-Корсаков Будучи еще ребенком, Римский-Корсаков был большим любителем русского фольклора. Поэтому вдохновение для этой работы он черпал из русской народной сказки «Царь Султан». По сюжету сказки, принц, который никогда не видел своего отца, делает несколько попыток навестить его, при этом каждый раз превращаясь в различных животных, в том числе и в шмеля. Мелодия композиции отражает финальный полет шмеля, который пытается сбежать. Поразительно, насколько живо и виртуозно сымитированы звуки полета насекомого. «Полет шмеля», Николай Римский-Корсаков 9 «Лебедь», Камиль Сен-Санс Последнее в нашем списке, но не менее важное произведение увидело мир, когда его автору – Камилю Сен-Сансу был уже 51 год. Нам оно более знакомо под названием «Умирающий лебедь», и перед глазами, наверняка, предстает Майя Плисецкая, исполняющая последний танец лебедя, противостоящего смерти. Эта композиция является частью целой сюиты под названием «Карнавал животных». Любопытен тот факт, что это единственная часть сюиты, которую Сен-Санс разрешил публично исполнять, пока он был жив. Все остальное он считал слишком ветреным и бездумным для серьезного композитора. Эта музыка является интерпретацией греческой легенды, по которой прекрасный молчаливый лебедь поет лишь однажды в жизни – перед самой смертью. «Лебедь», Камиль Сен-Санс 10

Что можно услышать в классической музыке • Arzamas

Шаги по льду, голос кукушки и звуки ночного леса: какие понятные ребенку образы можно найти в великих композициях XVIII–XX веков

Подготовила Ольга Хвоина

Музыка — это искусство интонируе­мого смысла. То есть слов нет — а смысл есть. Извлекая из музыкаль­ных инструментов комбинации звуков раз­ной высоты и длительно­сти, человек способен говорить еще одним, отличным от вербального, способом — выражать свои мысли и чувства, делиться своими фантазиями.

Мы выбрали популярные инструмен­тальные композиции, созданные знамени­тыми музыкантами прошлого, и дали небольшие комментарии. У многих из этих сочинений есть авторские на­зва­ния, эпиграфы и словесные пояснения, которые отсылают к литературному первоисточнику, раскрывают содержание музыки или хотя бы намекают на не­го (все-таки композиторы сами хотели быть понятыми!), — такая музыка называ­ется программной. В других случаях подсказки можно обнаружить в самом музыкальном звучании — их интересно обсуждать и стараться расслышать. Это может стать ключом к классической музыке для ребенка. 

Токката и фуга ре минор

Иоганн Себастьян Бах

Святая Цецилия играет на органе. Миниатюра из антифонария. Нидерланды, 1510 годFree Library of Philadelphia

Орган был одним из главных инструментов в церковной музыке эпохи барокко (XVII — первая половина XVIII века). И даже больше, чем просто инструмен­том: органы не изготавливали, а строили как величе­ственные архитектурные сооружения. Несколько рядов клавиш для рук, ряд педалей для ног и сотни сверкающих труб — по мощи звучания орган напоминает огромный оркестр: меняя тембры, он может подражать флейте, гобою, трубе, тромбону… За это многообразие орган так любил Бах. Прикасаешься к клавишам органа («токка­та» — от итальянского toccare, «касаться»), и мощный возглас сотрясает всё вокруг — звучание токкаты иногда сравнивают с голосом Бога.

Исполнение: Карл Рихтер

Прелюдия до мажор из цикла «Хорошо темперированный клавир», том 1

Иоганн Себастьян Бах

Благовещение. Картина Фра Беато Анджелико. Флоренция, около 1426 года Museo del Prado / Wikimedia Commons

Прелюдия — вступление перед чем-то важным. Музыкант как будто пробует инструмент: перебирает струны лютни, арфы, гитары, клавиши клавесина, пианино, рояля. Так рождается музыка. Знатоки символики старинной музыки связывают Прелюдию до мажор со сценой Благо­вещения и говорят, что Бах изобразил в ней взмахи крыльев ангела. Точнее, архангела Гавриила, который спускается на землю, чтобы сообщить юной Деве Марии о том, что она станет матерью Христа.

Исполнение: Тон Копман

«Кукушка»

Луи Клод Дакен

Семья у клавесина. Картина Корнелиса Троста. 1739 годRijksmuseum

Один из лучших примеров звукопод­ражания в музыке. Композитор сам дал этой пьесе название и таким образом подсказал, что в ней изображено: шум леса, голос кукушки вдалеке. Помимо этого, в «Кукушке» можно услышать и отголоски времени, когда композиция была создана. Первая половина XVIII века во Франции — эпоха рококо (рокайль — декоративный элемент в виде за­витка ракушки). На королев­ских приемах  Известно, что Луи Клод Дакен еще мальчи­ком шести лет выступал перед самим Людо­виком XIV — «королем-солнце»., в гостиных, украшен­ных по вкусам эпохи (завитки орна­ментов на стенах, изящная мебель на гнутых ножках), звучал клавесин — кружевная мелодия с таким же обилием украше­ний. Конку­рируя с изысканными блюдами и занимательной беседой, музыкант пытался привлечь внимание слушателей забавными выдум­ками. «Кукушка» Дакена, как и пьесы других великих французских клавесинистов («Бабочки» и «Маленькие ветряные мельницы» Франсуа Куперена, «Тамбурин» Жан-Филиппа Рамо), со­от­ветствовала атмосфере «роскоши и веселой красоты».

Исполнение: Роберт Олдуинкл (клавесин)

Концерт № 4 фа минор («Зима») из цикла «Времена года»

Антонио Вивальди

Зимний пейзаж. Картина неизвестного художника. Италия, XVIII век© Mondadori Portfolio / Getty Images

Итальянский композитор Антонио Вивальди написал более 500 концер­тов  Концерт — музыкальное произведение, обычно для солирующего инструмента с оркестром.. Примерно половина из них — для струнного оркестра с солирующей скрипкой. Неудивительно: ведь он сам был блистательным, очень темпераментным скрипачом-виртуозом. Наиболее популярными стали четыре концерта, к кото­рым, предположительно, самим композитором были написаны стихотворные комментарии в виде сонетов. Из сонетов мы узнаём, что музыка изображает картины природы и сценки из жизни людей, соответствующие четырем време­нам года  Сонет к концерту «Зима»:
Закоченев над свежими снегами,
Под резким ветром, дующим в дуду,
Бежать, притопывая сапогами,
И ежась, и дрожа на холоду.

И всё ж найти спасительное пламя
И, обогревшись, позабыть беду.
И вновь спешить неверными шагами,     Скользить, пока не упадешь на льду.

Барахтаться, вставать и падать снова
На плоскости покрова ледяного,
И всё стремиться к очагу, домой.

И слышать там, в уюте душу грея,
Как из железных врат летят бореи…
Бывает всё же радость и зимой!
(пер. Давида Самойлова). Поскольку в каждом концерте по три части (быстрая, медленная, снова быстрая), всего Вивальди изобразил двенадцать таких сценок. С одной стороны, эту музыку можно воспринимать как чистую экспрессию, выражение эмоций. Но любо­пытно, что композитор предполагал более конкретное содер­жание и, помимо сонетов, сопроводил ноты ремарками. Так, в первой части концерта «Зима» прямо указано: вот зубы от холода стучат, а вот топаешь нога­ми, чтобы согреться. Вторая часть — тепло уютного дома, огонь в камине и по­гру­жение в сон. Третья часть — в небе теснят друг друга холодный и теплый ветер.

Исполнение: Берлинский филармонический оркестр, Найджел Кеннеди (скрипка)

Соло флейты из оперы «Орфей и Эвридика»

Кристоф Виллибальд Глюк

Орфей и Эвридика. Картина Эдварда Джона Пойнтера. Англия, 1862 годWikimedia Commons

Миф об Орфее и Эвридике — не только о силе любви, пытающейся победить смерть, но еще и о могу­щественной силе музыки. Владыки царства мертвых покорены чарующей красотой голоса Орфея и звуками его лиры и позволяют ему невероятное — забрать свою юную жену, погибшую от укуса змеи, обратно в мир живых. Нежнейшая мелодия для флейты звучит в тот момент, когда перед Орфеем наконец открывается вход в Элизиум — античный рай, где бес­плотная тень прекрасной Эвридики печалится в разлуке с любимым. В отли­чие от мифа, в опере счастли­вый конец, что характерно для эпохи классициз­ма.

Исполнение: Камерный оркестр Ленинградской филармонии, дирижер Виктор Федотов

Симфония № 40 соль минор, часть 1

Вольфганг Амадей Моцарт

В чем секрет этой музыки, такой запоми­нающейся и популярной? Во многих мелодиях можно услышать интонации человеческой речи, здесь это речь взволнованного человека. Так мы говорим — сбиваясь, повторяясь, — когда нас переполняют чувства. И начинается эта симфония удивительно. Без вступле­ния, без подготовки, без громких аккордов, призывающих к вниманию, а сразу, вдруг — с доверчивостью и искренностью, свойственной детям и влюбленным (неслучайно эта мелодия близка арии Керубино — юного влюбленного пажа из оперы Моцарта «Свадьба Фигаро»).

Исполнение: камерный оркестр English Baroque Soloists, дирижер Джон Элиот Гардинер

Увертюра из оперы «Свадьба Фигаро»

Вольфганг Амадей Моцарт

Сцена из «Свадьбы Фигаро». Рисунок Тома Шарль Ноде. Конец XVIII векаBibliothèque nationale de France

Увертюра — это оркестровое вступление к опере, она настраивает нас на пред­стоя­щий спектакль. В опере-буффа  Опера-буффа (итал. opera buffa — «шуточная опера») — итальянское обозначение комиче­ской оперы. «Свадьба Фигаро» увертюра задает атмо­сферу радостной суеты, предвкушения праздника. В ней множество героев, у каждого свой характер и свои намерения — романтические или меркантиль­ные. Сюжет запутан, но развивается стремительно — так же стремительна увер­тюра. В этой музыке отражен и характер главного героя, который настой­чиво и нетерпеливо подталкивает действие, чтобы привести его к счастливому концу.

Исполнение: камерный оркестр English Baroque Soloists, дирижер Джон Элиот Гардинер

Симфония № 5 до минор, часть 1

Людвиг ван Бетховен

Людвиг ван Бетховен. Картина Йозефа Карла Штилера. 1820 годBeethoven-Haus / Wikimedia Commons

Знаменитое начало симфонии — самое яркое воплощение конфликта в музыке. В нем и повеление, и мольба. Диалог возобнов­ляется вновь и вновь: мольба сменяется жалобной просьбой, настойчивым увещеванием, отчаянным несо­гла­сием, героическим усилием, но грозная сила не отступает. Определить ге­роев этого противо­стояния каждый может сам: мрак и свет, неумолимая судь­ба и человек. Борьба длится, не ослабевая, на протяжении всей первой части симфонии, и последнее слово остается (пока!) за Повелевающим. Но всё изме­нится к финалу симфонии  Классический сонатно-симфонический цикл состоит из четырех частей.: «через страдание к радости» — позиция Бетхове­на и в жизни, и в творчестве.

Исполнение: Камерный оркестр Европы, дирижер Николаус Арнонкур

Симфония № 7 ля мажор, часть 2 (Allegretto)

Людвиг ван Бетховен

Среди четырех частей этой радостной симфонии вторая часть выделяется стран­­ной печалью. Но именно она стала настолько популярной, что часто испол­няется как отдельное произведение. Загадку притяга­тельности этой музыки сложно разгадать. Что это — марш? шествие? танец? Ни то, ни другое, ни третье — или, наоборот, и то, и другое, и третье. Четкий ритм подчиняет себе с самого начала и не отпу­скает, как будто вовлекая в неторопливое мерное движение. Кажется, что ты участник необычной процессии, какого-то стран­ного, но значительного ритуала. Мелодия проста, но так выразительна, что сразу запоми­нается. Много раз повторяясь, она обрастает подголосками, как будто к удивительному хору присоединяются всё новые участники.

Исполнение: Венский филармонический оркестр, дирижер Карлос Клайбер

Соната № 14 до-диез минор, ор. 27, № 2 («Лунная»), часть 1

Людвиг ван Бетховен

Предположительно, портрет Джульетты Гвиччарди. Миниатюра, принадлежавшая Бетховену. Около 1810 годаWikimedia Commons

Бетховен не называл Лунную сонату «Лунной», такое имя она получила уже после смерти автора. Однако компози­тор выделил это произведение особым образом: определением sonata quasi una fantasia — соната в духе фантазии (что­бы подчеркнуть, что форма частей отличается от класси­ческой сонатной формы) — и посвящением графине Джуль­етте Гвиччарди на титульном листе. Конечно, можно подробнее узнать об отношениях композитора и юной графи­ни, его ученицы и воз­люб­ленной, — тогда это будет история о глухоте, которая подбиралась всё бли­же и мешала Бетховену не только заниматься музыкой, но и любить и жить. Но более известная трактовка и романтическое название появились благодаря писателю и музыкальному критику Людвигу Рельштабу, который в новелле «Теодор» (1823) сравнил му­зы­ку первой части сонаты с лун­ным све­том над одним из швейцарских озер. На берегу этого озера, в развали­нах ста­рого замка — эолова арфа, которая поет о неразделенной любви: удивите­ль­ный музыкальный инструмент, чьи струны начинают звучать сами, как только их тронет дуновение ветра.

См. также материал «Как слушать Лунную сонату».

Исполнение: Клаудио Аррау

Мазурка ля минор, ор. 68, № 2

Фредерик Шопен

Мазурка. Цветная литография. Германия, 1850-е годыNew York Public Library

Мазурка — польский народный танец, быстрый, энергичный, с кружением и прыжками. В XIX веке его стали исполнять на всех европейских балах. Ребен­ком, живя в Польше, Шопен не раз наблюдал, как под звуки небольшого дере­венского оркестра танцуют мазурку во время сельских праздников. Судьба композитора сложилась так, что всю свою взрослую жизнь он провел в отрыве от родины и очень по ней тосковал. Вспоминая Польшу, он сочинял всё новые и новые мазурки; всего их около 60, и они очень разные по характеру — то по­дражают ансамблю деревенских инструментов, то бальному оркестру. Но мно­гие мазурки Шопена глубоко печальны, как, например, Мазурка ля минор. Это уже не столько танец, сколько лирическое воспоминание о нем.

Исполнение: Григорий Соколов

Увертюра «Сон в летнюю ночь» по комедии Уильяма Шекспира

Феликс Мендельсон

Оберон, Титания и Пак с танцующими феями. Гравюра Уильяма Блейка. Англия, около 1786 года CC-BY-NC-ND 3.0 / © Tate

Увертюра задумывалась как законченное произведение. Небольшая по разме­рам, она вмещает в себя всё разнообразие содержания шекспировской пьесы и передает ее колорит. Первые аккорды увертюры — начало сказки, ожидание чуда. Действие происходит в волшебном ночном лесу, полном таинственных шорохов. Ветер шелестит в листве? Нет, это кру­жат­ся, мелькают прозрачными крылышками маленькие эльфы — их движение передает главная тема увертю­ры и задает этим тон всему произведению. Вот и их величественные повели­тели — лесной царь Оберон и его супруга Титания. Есть в увертюре и лириче­ские образы: две пары юных влюбленных заплутали в чаще — и в сво­их отно­шениях, кажется, тоже запутались. Лирика уступает место комедии: неуклю­жие простолюдины, приплясывая, репетируют в ноч­ном лесу спектакль для утреннего представления. Почему-то один из них с го­ловой осла и кричит как осел — это лесной дух Пак, известный шалун и проказ­ник, заморочил всех своим колдовством; его смех можно угадать в музыке. Ничего, в конце концов он всё исправит — на этом и закончится сказка и увер­тюра.

Исполнение: Бостонский симфонический оркестр, дирижер Сейджи Озава

Пьесы «Пьеро» и «Арлекин» из цикла «Карнавал»

Роберт Шуман

Пьеро и Арлекин. Картина Поля Сезанна. Франция, 1888–1890 годыГосударственный музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина

Шуман — мастер создания музыкальных портретов. В цикле фортепианных миниатюр  Миниатюра — короткая одночастная пьеса. «Карнавал» он представил целую череду персонажей, характеры которых выражены в том числе через манеру двигаться. Вот идет Пьеро — он так задумчив и печален, что не замечает, как снова и снова спотыкается о свои длинные рукава. А вот Арлекин — ловкий, быстрый, и мелькает то здесь, то там, успевая кувыркаться на бегу. С персонажами-масками соседствуют ре­альные люди. В цикле есть пьесы «Шопен» и «Паганини», в которых Шуман передал образы своих выдающихся современников, подражая их музыкальному стилю.

Исполнение: Евгений Кисин

Увертюра к опере «Кармен»

Жорж Бизе

Эскиз декорации к опере «Кармен». Рисунок Александра Головина. 1908 годГосударственный Русский музей / © DIOMEDIA

Ослепительный свет полуденного солнца, Испания. Нарядная толпа, собрав­шая­ся на корриду, шумит в ожидании главного участника событий. И вот он идет — красавец тореадор, герой и любимец публики: уже в первой, быстрой части увертюры заявлена знаменитая тема его марша. Праздник жизни ощу­ща­ется еще острее, когда граничит со смертельным риском — вторая, медлен­ная часть знаменует вторжение трагедии.

Исполнение: Венский симфонический оркестр, дирижер Герберт фон Караян

Пьеса «В пещере горного короля» из сюиты «Пер Гюнт» по драме Генрика Ибсена

Эдвард Григ

Иллюстрация Артура Рэкема к пьесе Генрика Ибсена «Пер Гюнт». Англия, 1936 годWikimedia Commons

Тролли, горные духи — главные персонажи фольклора Норвегии, родины ком­позитора Эдварда Грига. Тролли свирепы, жестоки, упрямы и враждебны чело­веку. Именно такими предстают они в самом знаменитом оркестровом произ­ведении композитора «В пещере горного короля».

Повелитель троллей шествует в окружении свиты к своему трону. Процессия движется издалека. По пути к ней присоединяются всё новые и новые тролли, они появляются из каждой расщелины, из-за каждого выступа скалы. В темно­те пещеры разго­рается пламя факелов. И вот это уже не шествие, а неистовая пляска. Дикими криками славят тролли своего короля. Жутковато… А ведь как просто сделано: мелодия повторяется неизменно, но прибав­ляется количество инструментов, нарастает громкость, ускоряется темп.

Исполнение: Берлинский филармонический оркестр, дирижер Герберт фон Караян

Пьеса «Облака» из цикла «Ноктюрны»

Клод Дебюсси

Луг. Картина Альфреда Сислея. Франция, 1875 год National Gallery of Art, Washington

К этой небольшой оркестровой пьесе Дебюсси написал краткую литературную программу  Программа (в инструментальной музыке) — словесное изложение содержания музыкаль­ного произведения.. В ней отсутствуют сюжет и герои, ничего не говорится о челове­ческих переживаниях: «„Облака“ — это неподвижный образ неба с медленно и меланхолически проплывающими и тающими серыми облаками; удаляясь, они гаснут, нежно оттененные белым светом». Дебюсси искал способ передать музыкой смену цвета, разницу освещения, он пробовал сблизить музыку с жи­вописью импрессионистов. В пьесе не стоит искать красивых протяженных ме­лодий (ведь мелодия выражает человеческие чувства, а человека здесь нет). Короткие мотивы-зовы — словно голоса самой природы. Импрессионистиче­ское звучание возникает за счет красочных сочетаний аккордов и своеобразно­го распределения тембров инструментов: струнные выступают в непривыч­ной для них роли фона, короткие мотивы поручены деревянным духовым и валтор­не. Унисон флейты и арфы в середине пьесы выделяется как белое облако.

Исполнение: Бостонский симфонический оркестр, дирижер Клаудио Аббадо

Марш Черномора из оперы «Руслан и Людмила»

Михаил Глинка

Эскиз костюма Черномора к опере «Руслан и Людмила». Рисунок Виктора Гартмана. 1871 годГосударственный музей А. С. Пушкина / © DIOMEDIA

Марш Черномора в опере «Руслан и Людми­ла» сопровождает торжественный выход злого волшебника-карлика (и вынос его чудодейственной бороды!). Фантастический пушкинский образ получил совершенное воплощение в музы­ке Глинки. В марше происходят удивительные превращения: преувеличенно грозное вдруг оборачивается маленьким и смешным, и снова грозным, и снова смешным. За страшное отвечает мощное звучание всего оркестра (tutti — от итал. «все») и фанфары труб, за волшеб­ное — колокольчики, а за комич­ное — «то­щие» аккорды высоких деревянных духовых и писк флейты-пикколо. Бояться или не бояться — вот в чем вопрос!

Исполнение: Оркестр Большого театра, дирижер Юрий Симонов

«Половецкие пляски» из оперы «Князь Игорь»

Александр Бородин

«Половецкие пляски» в постановке Большого театра. Москва, 1964 год© Леон Дубильт / РИА «Новости»

«Половецкие пляски» — сцена из оперы «Князь Игорь», которая часто испол­ня­ется отдельно как концертное произведение. По сюжету хан Кончак устраи­вает праздник в честь плененного князя Игоря, чтобы пре­кра­тить вражду с Русью. Ночь. Постепенно спадает летний зной, и перед рус­ским князем разворачи­вается действо невиданной красоты и роскоши. Оболь­стите­льно-томный танец невольниц с плавными, гибкими движе­ниями сме­няется неистовой пляской мужчин, демонстрирующей их необуз­данную силу (сам автор назвал эту пля­ску «дикой»), а затем еще более стремительным, лег­ким танцем мальчиков. Танцовщики сменяют друг друга вновь и вновь, чтобы в конце концов объеди­ниться в общей пляске с криками восхваления хана. Из череды всемирно изве­стных мелодий этого фрагмента особенно выде­ляется первая, сопровождающая танец невольниц, — образец уникального соче­тания стилей. Печальный напев с обилием гибких поворотов мог бы быть русской народной песней (что согла­суется с сюжетом — ведь танцуют не поло­вецкие красавицы, а пленницы: в опе­­ре танец сопровождается пением женского хора со словами «Улетай на крыль­ях ветра ты в край родной, родная песня наша…»). Однако аккомпане­мент с синкопированным ритмом  Синкопа — смещение акцента с сильной до­ли такта на слабую. и пряны­ми со­звучиями выдержан в под­черк­ну­то восточном стиле. 

Исполнение: Берлинский филармонический оркестр, дирижер Герберт фон Караян

«Прогулка», «Гном», «Старый замок», «Балет невылупившихся птенцов», «Два еврея, богатый и бедный», «Баба-яга» и другие пьесы из цикла «Картинки с выставки»

Модест Мусоргский

Эскиз костюмов к балету «Трильби». Рисунок Виктора Гартмана. 1871 годWikimedia Commons

Фортепианный цикл «Картинки с выставки» Мусоргский написал после посе­щения посмертной выставки одного из своих друзей-художников, Виктора Гартмана. Отсюда исключительное разнообразие содержания (портреты ска­зочных персонажей чередуются с зарисовками реальной жизни, комичные сценки — с размышлениями о смерти, а из римских катакомб в Париже мы пе­ре­носимся к «Богатырским воротам» Киева). Цикл начинается с «Прогулки», которая повторяется после каждой следующей пьесы: в этой теме композитор изобразил себя, переходящего от картины к картине. Если слушать вниматель­но, можно заметить, что характер «Прогулки» меняется в зависимости от впе­чатлений автора от увиденного. Поскольку живопись запечатлевает останов­ленные мгновения, а музыка разворачивается во времени, Мусоргский делает из картинок сценки. Баба-яга с усилием отталкивает свою ступу от земли, раз­го­няется, летит. Гном ковыляет, прихрамывая. Под стенами старого замка Трубадур поет песню. Смешно суетятся и щебечут птенцы — или переодетые в птенчиков дети (на эскизах Гартмана к детскому балету Большого театра  Балет Юлия Гербера «Трильби» в постановке Мариуса Петипа в Большом театре (1871 год). — костюмы в виде нераскрытых скорлупок). А в пьесе «Самуэль Гольденберг и Шмуйле» (в советских изданиях — «Два еврея, богатый и бедный») Мусорг­ский объединил двух героев отдельных портретов Гартмана: здесь можно ус­лышать жалобный лепет просителя, прерываемый грубой отповедью богача.

Существуют десятки обработок «Картинок» для оркестров самых разных соста­вов, джаз-бандов и рок-групп. Самая известная принадлежит Морису Равелю — созданная спустя почти 50 лет после оригинала, именно она способствовала все­мирной популярности сочинения Мусоргского.

Исполнение: Святослав Рихтер

Симфония № 1 («Зимние грезы»), часть 1

Петр Чайковский

Зимняя дорога. Картина Льва Каменева. 1866 годWikimedia Commons

Свою Первую симфонию Чайковский назвал «Зимние грезы», а ее первой части дал чуть более развернутое обозначение — «Грезы зимнею дорогой». За обра­зом «грез» — и личные воспоминания, и целая череда «зимних» стихотворений русских поэтов  Перед прослушиванием можно прочитать «Зимнюю дорогу» и «Бесов» Пушкина — то­гда музыка Чайковского обретет необходи­мый подтекст., народных песен и романсов о бескрайних снежных просто­рах, мчащейся по ним тройке и щемящем лирическом чувстве, в которое по­гружается душа под тихий «утомительный» звон колокольчика. Образ безгра­ничного пространства передают фагот и флейта, дублирующие друг друга с расстоянием в две октавы. «Сердечная тоска» начальной мелодии сменяется вьюжными созвучиями: в плавное движение вторгается колкий стаккатный мотив  Стаккато — отрывистое исполнение звуков..

Исполнение: Российский национальный оркестр, дирижер Михаил Плетнев

Танец Феи Драже из балета «Щелкунчик»

Петр Чайковский

Танец Феи Драже из балета «Щелкунчик» в постановке New York City Ballet. 1974 год© Martha Swope / New York Public Library

Танец Феи Драже — один из самых известных фрагментов балета, он получил отдельную от спектакля жизнь, звучит в симфонических концертах, мульт­филь­мах и телевизионных передачах. Фея Драже — повелительница страны сладостей, хозяйка волшебного дворца в Конфитюренбурге. С первых звуков ее танца мы переносимся в зача­рованный сказочный мир, где нет места ничему темному, мрачному и злому. Нежный хрустальный звон челесты обещает чуде­са и счастье (даже название этого инструмента с итальянского celesta перево­дит­ся как «небесная»). На премьере балета эффект чуда был еще усилен тем, что челесту в России до того никто не слышал: Чайковский привез этот новый по тем вре­ме­нам инструмент из Парижа и больше года просил знакомых хранить тайну. Похожая на миниа­тюрное фортепиано, но с метал­лическими или стеклянными пластинками внутри, челеста прижилась в симфоническом оркестре. Звучание, напоминаю­щее перезвон колокольчиков, стало символом сказочно-прекрасно­го, незем­ного.

Исполнение: оркестр «Филармония», дирижер Джон Ланчбери

Симфоническая сюита «Шехеразада», часть 1

Николай Римский-Корсаков

Эскиз костюма Синей султанши к балету «Шехеразада». Рисунок Льва Бакста. 1910 годWikimedia Commons

Литературный прообраз сочинения — собрание арабских сказок «Тысяча и од­на ночь». Любопытно, что Римский-Корсаков сначала озаглавил все четыре части сюиты  Сюита — музыкальное произведение из не­скольких самостоятельных частей, контраст­ных друг другу, но объединенных общим за­мыслом., а потом названия снял, не желая лишать слушателя свободы вообра­жения. Компо­зитор оставил вступительный комментарий, в котором кратко пересказан сюжет о Шехеразаде и султане Шахрияре.

В начале и в конце каждой части звучит узнаваемая мелодия солирующей скрипки, напоминающая своим витиеватым узором и причудливые орнаменты роскошных восточных тканей, и гибкие движения восточной танцовщицы, и украшенную многочисленными эпитетами неспешную восточную речь — это лейтмотив  Лейтмотив (от нем. Leitmotiv — «главный, ве­дущий мотив») — мотив, неоднократно воз­вра­щающийся на протяжении произведения в связи с характеристикой персонажа, чув­ства, ситуации, предмета и т. п. Шехеразады. Лейтмотив Шахрияра, грозный и повелительный, открывает произведение. И он же, успокоенный, звучит в самом конце — Ше­хе­разада нашла как усмирить гневный нрав султана.

Сегодня названия частей, известные из книги воспоминаний Римского-Кор­сакова «Летопись моей музыкальной жизни», почти всегда сообщаются слу­ша­телю, хотя живо­писность музыки позволяет обходиться и без пояснений. Пер­вая часть — первая сказка, «Море и Синдбадов корабль». Водная стихия в ней предстает живой и изменчивой. Волны перекатываются медленно и ле­ни­во, вспе­ниваются на гребне, рассыпаются мелкими брызгами, искрящимися на солнце, по глади скользит корабль. Но кажущееся поначалу ласковым, море в любой момент может показать свою грозную силу — и вот уже накатывают и рушатся вал за валом, волна за волной. Римский-Корсаков, в прошлом гар­демарин, изображал море как никто другой.

Исполнение: Государственный академический симфонический оркестр СССР, дирижер Евгений Светланов

Симфоническая сказка «Кикимора»

Анатолий Лядов

Кикимора. Рисунок Ивана Билибина. 1934 годWikimedia Commons

Анатолий Лядов очень любил все вол­шебное и фантастическое. Чем причуд­ли­вее был сказочный персонаж, тем бо­льше он ему нравился. Развлекая сво­их детей, композитор даже сам при­­думывал и рисовал забавных ска­зочных урод­цев. Вдохновившись опи­санием Кикиморы из книги «Сказания русско­го наро­да», Лядов решил изобра­зить ее в музыке  Лядов предпослал своей оркестровой пьесе следующий текст, заимствованный из «Сказа­ний русского народа» Ивана Сахарова: «Жи­вет, растет Кикимора у кудесника в каменных горах. От утра до вечера тешит Кикимору кот Баюн, говорит сказки заморские. С вечера до бела света качают Кикимору во хрусталь­чатой колыбельке. Ровно через семь лет вы­растает Кикимора. Тонешенька, чернешенька та Кикимора, а голова-то у ней малым-мале­шенька, со наперсточек, а туловища не спо­знать с соломиной. Стучит, гремит Кикимора от утра до вечера; свистит, шипит Кикимора со вечера до полудни; со полуночи до бела света прядет кудель конопельную, сучит пря­жу пеньковую, снует основу шелковую. Зло на уме держит Кикимора на весь люд чест­ной».. В небольшой пьесе для оркестра композитор рассказал це­лую биографию сказочного существа. Мед­ленный начальный раздел — это дет­ство Кикиморы. Сумрачный горный пейзаж, куда почти никогда не прони­кает солнце. Колдовской колыбельный мотив кота Баюна — покой, который, кажется, может длиться вечно. Но ма­лышка Кики­мора уже дает о себе знать: от ее пронзительного писка (флейта-пикколо и го­бой) все вокруг вздрагива­ет… И вновь замирает. Слышен только легкий звон хрустальной колыбельки, в которой качают Кикимору (звучит та самая челес­та, что и в танце Феи Драже Чайковского). Быстрая, стремитель­ная музыка второго раздела изображает повзрослевшую Кикимору. Она снует по ле­­су и проказничает: стучит, гремит (здесь композитор использует редкий для ор­кестра ксилофон), пугает всех, кто ей попадется… И все-таки лядовская Кики­мора — не злая. Просто причудливая и странная, как и тот мир, в котором она обитает.

Исполнение: Российский национальный оркестр, дирижер Михаил Плетнев

Музыка к балету «Петрушка»

Игорь Стравинский

Эскиз декорации к балету «Петрушка». Рисунок Александра Бенуа. 1911 годWikimedia Commons

Балет «Петрушка» — это единство музыки Стравинского, сценографии Алек­сан­дра Бенуа, хореографии Михаила Фокина и исполнения Вацлава Нижин­ского. Хотя слушать музыку отдельно не менее интересно, чем смотреть балет, знать сюжет всё же желательно. Петербург начала прошлого века. Гулянье на Масленицу — нарядная, шумная, радостная толпа. Множество увеселений на просторной площади Марсово поле: играют шарманки, танцуют механичес­кие балерины, с разных сторон доносятся крики зазывал, пытающихся завлечь зрителей в свои балаганчики, — колорит массовых народных сцен призван от­тенить драматическую суть произведения. Появление Фокусника приковывает всеобщее внимание, пестрый шум затихает, и играет таинственная музыка: Фокусник оживляет своих кукол, и зритель попадает в другую историю. Разы­грывается спектакль в спектакле: Петрушка страдает от неразделенной любви к Балерине (горестным лирическим криком звучит его лейтмотив). Красивая бесчувственная куколка предпочитает ему нарядного, хотя и грубого Арапа. В сражении с Арапом Петрушка погибает. Но ведь это всего лишь кукольный спектакль — народное гулянье продолжается. Слышатся переборы гармошки и обрывки городских песен («Вдоль по Питерской», «Ах вы, сени, мои сени»). Мужик играет на дудке, показывая дрессированного медведя, ряженый в маске черта в шутку пугает гуляющих, купец пошел в пляс с цыганами. Всё это зримо, ощутимо. По-прежнему жалко Петрушку? Не стоит переживать! Фокусник уносит сломанную куклу, но забавная рожица Петрушки появляется в толпе, показывая всем нос: лейтмотив героя завершает балет.

Исполнение: Columbia Symphony Orchestra. Дирижер: Игорь Стравинский

Марш из оперы «Любовь к трем апельсинам»

Сергей Прокофьев

Обложка театрального журнала «Любовь к трем апельсинам». 1915 годWikimedia Commons

Этот марш лучше всего выражает характер сказочной комедии — вызывающе яркой, эксцентричной, безудержно веселой, как и нрав одного из ее героев — никогда не унывающего шута Труффа­льдино: по сюжету он должен непремен­но рассме­шить и растормошить Прин­ца. И действи­тельно, упругий ритм мар­ша таков, что усидеть на месте невозможно: дерз­кий мотив трубы, отчет­ли­вая дробь мало­го барабана — сложно представить себе более жизнеутвер­ждаю­щую музы­ку. Она точно отражала мироощущение Сергея Сергеевича Прокофьева  «Как-то в солнечный день я шел по Арбату и увидел необычного человека. Он нес в себе вызывающую силу и прошел мимо меня, как явление. В ярких желтых ботинках, клетча­тый, с ярко-оранжевым галстуком. Я не мог не обернуться ему вслед — это был Прокофь­ев», — так вспоминал случайную встречу с ком­позитором пианист Святослав Рихтер., которое не изменилось, несмотря на все пери­петии жизни в самой гуще собы­­тий XX столетия.

Исполнение: Philharmonia Orchestra, д­­ирижер Николай Малько

Детская комната

Спецпроект

Детская комната Arzamas

Классическая музыка для детей разных возрастов

Существует ли на самом деле «эффект Моцарта», который повышает IQ и способствует скорейшему развитию нейронных связей у маленьких детей? Американская Ассоциация Музыкотерапии утверждает, что это еще не все: классическая музыка успокаивает детей, повышает настроение, улучшает концентрацию и социальные навыки, способствует развитию речи. Любая ли классика подходит детям? Возможно, начать стоит с рекомендованных для каждого возраста произведений.

Для самых маленьких

Дон Кемпбелл и Альфред Томатис, которые изучали действие музыки на новорожденных, отмечали особо благотворное влияние произведений Моцарта. А все благодаря симметричной и гармоничной их структуре, хотя сходными свойствами обладают и некоторые другие музыкальные произведения.

В своей книге «Эффект Моцарта» Дон Кемпбелл предлагает такой список:

1. Моцарт, Квартет № 15 для смычков ре минор
2. Моцарт, Квартет для смычков № 11 ми бемоль мажор
3. Моцарт, Симфония № 25 соль минор
4. Моцарт, Квартет № 20 для смычков ре мажор
5. Моцарт, Концерт № 21 для фортепиано до мажор
6. Вивальди, Концерт для скрипки ля минор
7. Вивальди, из Концерта № 15 для гитары и смычков ре мажор
8. Бах, «Бранденбургские концерты»
9. Дебюсси, «Лунный свет»
10. Мендельссон, «Весенняя песня»

Свежие новости

Для младших школьников

Группа исследователей и педагогов из Apollo Music Projects провела масштабный эксперимент с участием нескольких тысяч школьников, начиная с первоклашек. Детям на занятиях предлагали слушать Моцарта, Бетховена, Равеля, Шостаковича и Мендельсона. После чего на шести практических уроках ребята овладевали базовыми понятиями музыки и даже учились играть на музыкальных инструментах. Дети, говоря о результатах эксперимента, сошлись на том, что это было весело. А вот учителя заметили, что у участников проекта улучшилась способность к слушанию, концентрации внимания и даже дисциплина. В музыкальном же плане слушание музыки сказалось на расширении спектра музыкальных предпочтений: то есть чем больше разной и хорошей музыки дети слушают, тем больше им этого хочется. Вот произведения, которые делают «правильного» меломана:

1. Бах, Сюита для оркестра № 2 си минор, «Шутка»
2. Мусоргский, «Картинки с выставки»: «Балет невылупившихся птенцов»
3. Бизе, «Кармен», акт 1
4. Прокофьев, «Петя и волк»
5. Моцарт, «Волшебная флейта»: ария Панагено
6. Брамс, Венгерский танец № 5 фа диез минор
7. Шопен, «Большой блестящий вальс»
8. Николай Римский Корсаков, «Сказка о царе Салтане»
9. Сен-Санс, «Карнавал зверей»: «Аквариум»
10. Равель, «Дурнушка, императрица пагод»
11. Дебюсси, «Детский уголок»: «Кукольный кейк-уок»
12. Григ, Лирические пьесы, «Шествие гномов»
13. Россини, «Кошачий дуэт»
14. Чайковский, «Щелкунчик»: «Танец феи драже»
15. Бетховен, Симфония № 6фа мажор, оп. 68 «Пасторальная»
16. Моцарт, Концерт для фортепиано с оркестром № 23 ля мажор
17. Габриэль Форе, «Berceuse»

Для подростков

Многие родители, ознакомившись с музыкальными вкусами своих детей-подростков, просто покупают им наушники, констатируя музыкальную несовместимость поколений. И уж, конечно, даже те дети, кто был любителем Гайдна в детстве, скорее провалятся сквозь землю, чем признаются в этом своим пятнадцатилетним одноклассникам. Не стоит отчаиваться. Просто включайте классику регулярно, например, «Времена года» Вивальди по утрам, во время завтрака. Ребята научатся узнавать музыку, которая нравится вам, ведь вы «как будто» ставите ее совсем не для этих лохматых панков, в которых теперь превратились ваши ангелочки, а для себя. Водите отпрыска на концерты, главное не наряжаться и не заставлять его самого «выглядеть прилично». Посмотрите вместе видео мюзиклов и оперетт. Музыка снова станет для ваших подросших детей чем-то приятным и знакомым. А вот лучшие произведения, которые музыкотерапевты рекомендуют подросткам:

1. Вивальди, Времена года
2. Гендель, Музыка на воде
3. Бах, Бранденбургские концерты
4. Моцарт, Симфония № 41 «Юпитер»
5. Брамс, Симфония № 1
6. Равель, «Болеро»
7. Дебюсси, «Море»
8. Стравинский, «Весна священная»
9. Гершвин, Рапсодия в стиле блюз
10. Копланд, «Портрет Линкольна»

 

Оперы и оперетты:

1. Пуччини, «Богема»
2. Бизе, «Кармен»
3. Гершвин «Порги и Бесс»
4. Бернштейн, «Кандида»
5. Гилберт и Салливан, «Микадо», «Пензанские пираты»
6. Бернштейн, «Вестсайдская история»

 

- Читайте также: "Как понять и полюбить классическую музыку"

Десять классических произведений для фанатов тяжелого метала • Stereo.ru

У хеви-метала и классической музыки много общего. Присутствие классики в метале было особенно заметно некоторое время назад. Участники многих тяжелых групп-начинателей являлись фанатами «тяжелой классики» вроде Вагнера. Если бы классические композиторы жили в наше время, некоторые из них наверняка играли бы в рок- и хеви-метал-группах.

В классике так же много импровизации и самоучек, как и в тяжелой музыке. Бах и Ван Хален похожи, несмотря на то, что одного из них преподают в музыкальных школах, а к музыке второго в 80-е годы прошлого столетия с подозрением относились общественные организации. Если говорить о «тяжелой классике» всерьез, то с чего начать? Предлагаю вам несколько примеров классических произведений, которые так или иначе можно связать с хеви-металом.

«Весна священная» Игоря Стравинского

В этом балете особенно важен фрагмент «Пляска щеголих». Ритмы произведения напоминают музыку пионеров новой волны британского хеви-метала (NWOBHM). Такое чувство, что последователи Black Sabbath по секрету слушали балет, который навсегда изменил их самих и их музыку.

«Литании» Жана Ариста Алена

Извините, уважаемые металисты, но вашим «огромным» крутым стекам Marshall не место рядом с по-настоящему огромным духовым органом. Хотите громкости, мощи и мрачной, леденящей душу музыки? Послушайте французскую органную музыку: Оливье Мессиан, Жан Лангле и обязательно эпический хорал «Литании» Жана Ариста Алена.

«Братья» Арво Пярта

Группам Sunn O))) и Sleep — любителям экспериментов с тяжелым звуком — стоило бы немного приглушить свет и послушать это. Эстонский композитор Арво Пярт пишет музыку, которая сочетает в себе множество жанров: невероятные партии скрипок, выразительные струнные и колокольно чистый звук. Музыка Пярта кажется одновременно старинной и необычайно современной. Обратите внимание на скрипку на пятой минуте, которая просто рвет все в клочья.

«Времена года» Антонио Вивальди

«Лето» неоднократно переигрывалось на электрогитаре, причем всегда с большим успехом. Чтобы понять, почему гитаристы так круто исполняют это произведение, нужно послушать оригинал. Поклонникам Мальмстина однозначно понравится.

«Симфония №6» Густава Малера

Эта музыка может заинтересовать любителей сложного атмосферного блэка, дума и дарка вроде американцев Wolves In The Throne Room. Если вам нравятся агрессивные долгие, «тягучие» риффы, то Малер подойдет. Послушайте первую часть этой симфонии и сами все поймете.

«Так говорил Заратустра» Рихарда Штрауса

Любителям некой торжественности и иногда напыщенности в метале (Iron Maiden, Guns N’ Roses) стоит послушать эту знаменитейшую работу Штрауса. Только представьте, насколько атмосферно и здорово звучала бы такая музыка на входе стадиона, где проводят концерт.

«Вечный свет» Дьёрдя Лигети

Увлеченным пост-роком, спейс-роком, авангардом, эмбиентом и прочими экспериментальными жанрами (короче говоря, речь о фанатах Throbbing Gristle и Mogwai) точно понравится Лигети. Эта работа — одна из наиболее легких его композиций в плане восприятия, однако и она не всем по зубам. «Вечный свет» отлично показывает, каким бескомпромиссным музыкантом был Лигети. Послушайте и попытайтесь уловить его высокие материи.

«Симфония №3» Хенрика Гурецкого

В 2016 году канадский саксофонист Колин Стетсон (Colin Stetson) выпустил альбом «Sorrow», где он записал «Симфонию №3» Гурецкого, преобразовав ее по-своему. Поклонникам музыканта работа очень понравилась. Однако в оригинале произведение должно понравиться фанатам групп Deafheaven и Envy. Ценителям такой музыки в «Симфонии №3» придутся по душе накал и красота.

«Каприс №24» Никколо Паганини

Это произведение сотни раз исполнялось рок-музыкантами разных стран. Музыку Паганини используют как металисты, так простые желающие продемонстрировать свое мастерство. «Каприс №24» отличается сложными пассажами. Эта работа обязательно понравится тем, кто увлечен техничным металом и отточенной игрой.

«Валькирия» Рихарда Вагнера

Эту оперу часто приводят в пример, когда говорят о связи современной экстремально тяжелой музыки со сложной классикой. Послушайте первое действие «Валькирии». Фанаты блэк-метала безусловно найдут в этой музыке что-то знакомое и близкое.

Подготовлено с использованием материала «8 pieces of classical music for curious heavy metal fans».

Чем классическая музыка обязана женщинам? Объясняет музыковед Фиона Мэддокс

• Нина Назарова
• Би-би-си

26 июля 2019

Автор фото, Fine Art Images/Heritage Images/Getty Images

Подпись к фото,

Хильдегарда Бингенская

В Россию с лекциями приезжала Фиона Мэддокс — британская специалистка в области классической музыки, основательница «BBC Music Magazine» и автор нескольких книг, в том числе биографии одной из первых женщин-композиторов в истории — святой Хильдегарды Бингенской.

Корреспондент Би-би-си поговорила с Фионой о том, что ограничивало женщин в музыкальной карьере, слышен ли гендер в музыке и о чем приходится думать женщинам-дирижерам при подготовке к концерту.

Би-би-си: Если начать перечислять женщин в разных жанрах поп-музыки, можно сходу назвать под сотню имен. В случае классической музыки проблемы с женщинами-композиторами начнутся уже после первого десятка. Создается впечатление, что в поп-музыку женщинам намного проще попасть, что она более открыта женщинам, чем классическая. Так ли это?

Фиона Мэддокс: Думаю, одна из причин заключается в том, что женщины в поп-музыке не только пишут музыку, но и исполняют ее, то есть представляют свое творчество в публичном пространстве. Однако в классической музыке необходимо не только музыкальное образование, доступ к которому может быть осложнен, но и возможность работать с высококвалифицированными музыкантами, которые будут исполнять музыку автора.

При написании симфонии, например, необходимы 80 или 90 музыкантов, чтобы исполнить её, а также дирижер, который будет руководить оркестром. Исторически, у женщин не было возможности что-то подобное организовать. Соответственно, для них более реальным вариантом было исполнение на фортепиано или, позднее, на гитаре. Так как поп-музыка значительно моложе и всегда была более открыта, она позволяла женщинам в большей степени быть вовлеченными в музыкальный процесс, что само по себе прекрасно, однако это лишь малая часть всей большой музыкальной истории.

Би-би-си: Одна из ваших книг посвящена женщине-композитору XII века ­­­­­- святой Хильдегарде Бингенской. Что вас заинтересовало в ее фигуре, почему вы решили написать книгу именно о ней, а не, скажем, о каком-либо композиторе XX века?

Фиона Мэддокс: Про композиторов XX века писать было бы точно проще, потому что про них сохранилось достаточно информации, и её намного проще найти, однако приходится писать о том, о чем вас просят. И мне заказали книгу именно о Хильдегарде Бингенской. Думаю, в России она не так сильно известна, однако она была не только первопроходицей среди женщин в музыке, но и фигурой, повлиявшей на развитие музыки в целом. При этом ее произведения были забыты примерно до 1970-80-х годов, пока не возник интерес к ранней средневековой музыке. И когда выяснилось, что уже в Средние века существовала женщина-композитор, это многих привело в восторг.

Хильдегарда была настоятельницей монастыря, и ее произведения, скорее всего, исполнялись во время церковных литургий — так как литургии были еженедельными, возможно, постоянно требовалась новая музыка. Несколько веков спустя Бах точно так же сочинял новые кантаты в соответствии с церковным календарем. Мы не знаем точно, записывала ли Хильдегарда свои произведения сама или же напевала своим монахиням, чтобы записывали они.

Автор фото, Sveta Mishina

Подпись к фото,

Фиона Мэддокс — автор нескольких книг, в том числе сборника «Music for life», где классические произведения подобраны под разное настроение и этапы жизни. Критик приезжала в Москву в рамках Года музыки Великобритании и России

Сохранилось 77 песнопений, приписываемых Хильдегарде. При этом мы не знаем точно, действительно ли она сочинила их все — она как настоятельница женского монастыря могла автоматически считаться автором, а на деле музыка могла быть написана кем-то из ее послушниц. Но я бы не считала это чем-то зазорным, так как нужно учитывать исторический контекст: в XII веке не существовало концепции авторства в привычном нам виде. Лишь с приходом эпохи романтизма в XIX веке личность композитора начала играть большую роль. Для Хильдегарды же музыка была молитвой, одой всему человечеству, и создавалась для Бога, поэтому авторство не было для нее сколько-нибудь принципиальным аспектом.

Би-би-си: При этом творческая свобода Хильдегарды ограничивалась ее полной физической несвободой в повседневной жизни, верно?

Фиона Мэддокс: Да. Я думаю, что жить монахиней в XII веке было достаточно непросто, это точно подразумевало определенную несвободу. Вы подчинялись строгому распорядку дня: работа, молитва, немного времени на сон и прием пищи. При этом Хильдергарда была достаточно влиятельной фигурой в Средние века, с ней считались и священнослужители высокого ранга, и король.

Еще у Хильдергарды было слабое здоровье. Например, она часто жаловалась, что у нее случаются видения. Они начались примерно в восемь лет, и как раз поэтому ее семья отдала дочь в монастырь, так как они трактовали это как божественное вмешательство. Британский нейропсихолог Оливер Сакс утверждал, что видения, галлюцинации Хильдергарды могли быть следствием хронических мигреней. Мне кажется интересной идея, что, возможно, у многих людей, страдающих от мигреней, также бывают видения, однако они не могут их распознать, так как не придают им того же значения, как глубоко верующие люди, воспринимающие их с точки зрения религиозного опыта.

Би-би-си: Если протягивать нить от Хильдегарды к современности, какие были ключевые моменты для женщин в истории музыки?

Фиона Мэддокс: Я недавно обратила внимание, что если посмотреть на греческие вазы или горшки, на них можно можно увидеть изображения женщин, играющих на флейте. Это подтверждает, что женщины с древних времен исполняли музыку. Есть несколько женщин-композиторов эпохи Ренессанса, например, Барбара Строцци, но в целом женщинам было очень сложно стать композиторами, и часто им даже приходилось скрывать свое увлечение.

Порой они оказывались дочерьми или женами известных композиторов. Можно вспомнить, скажем, Фанни Мендельсон, сестру Мендельсона, или Клару Шуман, жену Шумана. И та, и другая были замечательными музыкантами.

Автор фото, Hulton Archive/Getty Images

Подпись к фото,

Клара и Роберт Шуманы

Клара Шуман, в частности, проработала пианисткой 61 год — 61 год! — так как ей нужно было зарабатывать на жизнь, потому что ее муж, Роберт Шуман, пусть и очень известный композитор, страдал от множества психических расстройств, постоянно попадая и выходя из лечебниц. Таким образом, Кларе Шуман приходилось очень много выступать и ездить с гастролями, чтобы содержать восьмерых маленьких детей.

В такой ситуации у нее просто не было возможности отдавать достаточное время сочинению музыки, несмотря на то, что она написала свое первое серьезное произведение в пятнадцать лет, в то время как ее муж, Роберт Шуман, считал, что он написал свое в двадцать. Это свидетельствует, что Клара Шуман была крайне одаренной, но когда ей исполнилось 30 лет, по какой-то причине она пришла к выводу, что женщины не могут сочинять так же хорошо, как мужчины, и бросила писать музыку.

Фанни Мендельсон написала огромное количество произведений, в основном камерных, что опять возвращает нас к вопросу о том, что и как было возможно исполнять. Если у вас есть группа друзей, и вы собирается вместе музицировать, можно написать произведение для трио или песню для вокала и фортепиано, но вы не можете написать оперу или симфонию для оркестра, то есть вещи, которые бы могли поместить вас в публичное пространство, обратить на вас внимание общественности. И я думаю, что именно здесь проходила граница — женщины могли сочинять музыку, но не могли быть публичными композиторами, сочинявшими крупные формы. И это, в свою очередь, ограничивало их в творчестве.

Би-би-си: Что препятствовало тому, чтобы женщины сочиняли большие формы?

Фиона Мэддокс: Я не думаю, что эта граница когда-либо была юридической. Никто не говорил «нет» прямо, это не было формально запрещено. Но общество не давало возможностей женщинам в этой среде. Если на вас лежит ответственность за семью, домашнее хозяйство, забота о детях и родственниках, и в целом ваша роль ограничена социумом, каким образом можно добиться того, чтобы ваша симфония была исполнена оркестром? Такое положение вещей сохранялось до середины XX века. Но услышать свою симфонию исполненной — это непростая задача и для мужчин-композиторов. Представьте, какое количество неисполненных симфоний существует? Наверное, такое же, как и неопубликованных книг.

Би-би-си: На ваш взгляд, в целом в музыке слышен гендер? Насколько он влияет на форму и содержание именно этого вида искусства?

Фиона Мэддокс: Некоторые мои коллеги не согласятся со мной, но я бы сказала, что понятия гендера в музыке не существует. Можно говорить о гендере в контексте истории музыки, музыкального образования, однако я ручаюсь, что у вас не получится определить по музыкальному произведению, какого пола был его автор. Возможно, если вы услышите небольшую изящную фортепианную пьесу, у вас будет искушение предположить, что она создана женщиной, но на деле ее с тем же успехом мог написать и мужчина. Достаточно вспомнить Шопена.

Понятие male gaze [мужской взгляд] не применимо к музыке, так как это абстрактная форма искусства — единственная, не имеющая вербальной, визуальной или физической репрезентации. Другое дело опера: в опере может быть male gaze, так как в ней регулярно фигурируют образы девы, падшей женщины или же сумасшедшей — это традиционный набор женских ролей в опере. Не самая лицеприятная репрезентация женщин, однако в классической опере преобладает именно она. Но в симфониях, например, подобная репрезентация точно отсутствует.

Би-би-си: Получается, что гендер проявляется там, где есть сюжет, а не в самой музыке?

Фиона Мэддокс: Да, там, где есть какая-то история. Недавно я возглавляла круглый стол в Королевской опере Ковент-Гарден, посвященный женщинам-композиторам. И я спросила у собеседниц, каковы сюжеты их новых произведений. В большинстве классических опер обычно есть мужчина, есть женщина, обычно кто-то умирает. Но женщины хотели в своих произведениях рассказывать совсем другие истории. Одна опера была посвящена бездомным женщинам, что довольно масштабная тема, еще одна — планете и тому, как мы ее разрушаем. Существует движение под названием birth strike [что-то вроде «забастовка против рождаемости»] — люди, которые не хотят заводить детей из-за перенаселенности планеты. И вот кто-то хочет написать об этом оперу! Еще одна история была о проблемах в общинах беженцев — тоже совсем не классический сюжет для оперы. И я все ждала, не выскажет ли кто-либо из участниц желания написать комическую оперу в духе, скажем, «Севильского цирюльника» — но нет. Не было и привычных для оперы любовных драматических коллизий, ничего подобного. Все хотели обратиться к общественным проблемам. Но в результате мы почти все время провели в разговорах о сюжетах и почти не обсуждали музыку.

Автор фото, DeAgostini/Getty Images

Подпись к фото,

На банкноту Клара Шуман попала в 1989 году и пробыла до введения в Германии в оборот евро

Би-би-си: Кто была первая женщина, написавшая оперу?

Фиона Мэддокс: Думаю, это была Франческа Каччини, современница Монтеверди. Она жила в первой половине XVII века и работала предположительно в Венеции или Флоренции — месте рождения оперы. И даже если она была известна при жизни, она была незаслуженно забыта на протяжении последующих 300-400 лет. И я ни разу не видела ее оперу на сцене.

Би-би-си: Если говорить про исполнение музыки, в какой момент женщинам разрешили работать в оркестрах?

Фиона Мэддокс: Все оркестры в разное история начинали нанимать женщин. В Великобритании существует традиция — новогодний концерт показывают по телевидению, и последние годы в социальных сетях сразу появляется масса комментариев вроде «О, смотрите, на арфе играет женщина!» — «И на тромбоне!»

Например, Венский филармонический оркестр до сих пор заметно отстает в соотношении женщин и мужчин в своем коллективе. Хотя сейчас там работает минимум десять женщин, таким образом, можно наблюдать некоторый прогресс. Если посмотреть на оркестры в Британии, в них присутствует большое количество струнных инструментов, и чаще всего они представлены именно женщинами, и то же самое постепенно происходит и с медными инструментами, которые традиционно считались мужскими инструментами.

Еще всегда существовали чисто женские оркестры, однако их создавали обычно в рамках борьбы с тем, что на протяжении всего XX века женщинам было непросто попасть в штат оркестра. Формальных запретов практически нигде не было, просто это было «не принято». Женских оркестров, например, было много в Америке. Но, к моему большому разочарованию, дирижерами в них почти всегда были мужчины. Сейчас, к счастью, женщин-дирижеров в мире становится все больше, по крайней мере в Британии и США.

Би-би-си: Влияет ли каким-либо образом пол на манеру дирижирования?

Фиона Мэддокс: Да, я считаю, что женщины безусловно иначе дирижируют оркестром. Это необязательно отражается на исполнении — если предписан размер четыре четверти, он в любом случае будет четыре четверти. Но традиционно дирижер — это авторитарная, руководящая фигура, он возвышается и доминирует над всем оркестром. Многие из них крайне харизматичны, мне доводилось общаться с самыми крупными мировыми дирижерами-мужчинами, и зачастую они буквально излучают самоуверенность и власть, что, возможно, лишь помогает хорошо руководить оркестром. Но такой подход совершенно не характерен для женщин. Они могут быть полностью уверены в правоте своих музыкальных решений, но у них нет того же апломба, они куда больше открыты диалогу, в случае, если, скажем, музыкант захочет поспорить о том или ином моменте. Мое впечатление от общения с женщинами-дирижерами — например, с Миргой Гражините-Тилой, руководительницей Бирмингемского симфонического оркестра, говорит о том, что она бы никогда не позволила себе отмахнуться от разговора или заявить: «Просто делайте, как я сказала».

Одним словом, культура меняется, и будет меняться еще долго, и интересно посмотреть, к чему это приведет, потому что при всем при этом в оркестре не может быть демократии. Да, бывают оркестры без дирижеров, но им пригодится тщательно оттачивать свои интерпретации. Большинство же оркестров — как автомобили: нужен человек, который сядет за руль. И люди могут давать советы: «Давайте повернем туда или сюда» — но в конце концов именно имя конкретного человека будет стоять на афише и ассоциироваться с исполнением. Все это часть проблемы, почему большинство дирижеров — мужчины, а женщины только вступают в эту профессию. И дело совсем не в способностях женщин.

Автор фото, ANTHONY WALLACE/Getty Images

Подпись к фото,

Дирижер Марин Элсоп

Би-би-си: Приходилось ли вам слышать одно произведение в исполнении дирижеров разного пола?

Фиона Мэддокс: Да, много раз, но лично я никогда не анализировала именно гендерную разницу в исполнении. Да, обычно отмечаешь, что на сцену поднимается женщина, но потом переключаешься на музыку. Еще, возможно, кому-то это покажется ерундой, но женщине-дирижеру приходится ответственно продумывать гардероб, так как первые три ряда партера проведут три часа, уставившись на ее спину. Большинство женщин-дирижеров тщательно подбирают почти монашеских фасонов одежду, чтобы не привлекать внимание к своим формам. И это часть их жизни.

Я слышала немало классики в исполнении женщин-дирижеров — Марин Элсоп, Эммануэль Аим — и у них есть тщательность, яркость, серьезность. Я могу точно сказать, что они никоим образом не уступают мужчинам в профессионализме.

Би-би-си: Недавно я смотрела документальный фильм Бейонсе Homecoming о том, как она готовилась к выступлению на фестивале Coachella. Она объясняет в фильме, что ей было это невероятно важно, так как она стала первой темнокожей артисткой-хендлайнером этого фестиваля. Остались ли какие-то сферы классической музыки, еще закрытые для женщин или темнокожих женщин?

Фиона Мэддокс: Я размышляла, остались ли такие сферы, и мне было сложно с ходу что-то назвать, однако затем я вспомнила традиционную музыку Англии — детские хоры мальчиков. У них действительно особое звучание, обусловленное биологическими, физическими факторами. Но сейчас даже эти хоры столкнулись с вопросами о том, почему привилегия петь в самых известных английских церквях достается исключительно мальчикам? Их стали критиковали за то, что в этих хорах нет девочек, так что теперь в известных хорах кафедральных соборов стали появляться и девочки, начиная с восьмилетного возраста. Вероятно, эти хоры были последним бастионом гендерного неравенства.

Би-би-си: И как вы к этому относитесь?

Фиона Мэддокс: Я бы сказала, что я испытала всю гамму эмоций. Сначала я подумала: «Ну ладно вам! Нет ничего плохого в том, что существуют хоры исключительно для мальчиков или для девочек». Но сейчас мы прекрасно понимаем, что в современном мире гендер — текучее понятие, и поэтому даже если сердцем я с чем-то не согласна, мой разум говорит, что это хорошая вещь.

10 знаковых произведений классической музыки

Классическая музыка выдержала испытание временем по многим причинам, ее красота, сложность и обширность репертуара вдохновляли слушателей на протяжении сотен лет.В классической музыке есть несколько произведений, которые стали знаковыми благодаря использованию на специальных мероприятиях, таких как выпускные, свадьбы, классические фильмы и даже мультфильмы! В этом списке мы подробно рассмотрим лишь некоторые из многих знаковых произведений классической музыки.

Токката и фуга ре минор, BWV 565 Дж.С. Бах

У этой пьесы Баха может быть не самое броское название, но мы гарантируем, что вы знаете знаменитое начало. Он стал ассоциироваться с яркими или даже пугающими моментами в кино и популярной культуре, возможно, потому, что он, как известно, появился во вступительных титрах Dr.Джекил и мистер Хайд (1931 г.). Необычайный талант и мощный композиционный голос Баха в полной мере проявились в его Токкате и Фуге ре минор, первой в нашем списке самых знаковых произведений классической музыки, когда-либо написанных.

Видео-перформанс Ксавера Варнуса.

Багатель No.25 ля минор, «Für Elise» Людвига Ван Бетховена

Это произведение ни разу не публиковалось при жизни Бетховена. Фактически, «Für Elise» был обнаружен только через сорок лет после его смерти в 1827 году.В результате никто точно не знает, кем была Элиза из титула. Некоторые музыковеды даже считают, что название могло быть скопировано неправильно, и изначально оно называлось «Für Therese». Но независимо от того, кому повезло с этим произведением, мы все можем согласиться с тем, что это одно из самых очаровательных сочинений для фортепиано из когда-либо написанных. «Багатель № 25 ля минор» Бетховена с его простой, но запоминающейся мелодией и вневременной красотой вдохновила на бесчисленное множество переосмыслений.

Видеоспектакль Георгия Черкина.

Соната для фортепиано No.14 до-диез минор, соч. 27, №2, «Лунный свет» Людвига Ван Бетховена

В отличие от «Für Elise», Moonlight Sonata стала популярным фаворитом при жизни Бетховена и до сих пор остается одним из самых любимых произведений его творчества.Бетховен написал свою сонату для фортепиано № 14 до-диез минор, когда ему было чуть больше тридцати, и посвятил ее графине Джульетте Гвиччарди, которая училась игре на фортепиано у композитора. Если вы когда-нибудь брали уроки игры на фортепиано, брали уроки с кем-нибудь или даже просто пробовали играть на клавишах, чтобы сочинить знакомую музыку, вы, вероятно, хорошо знаете начало сонаты Moonlight .

Видео-перформанс Андреа Романо.

Симфония No.5 до минор, соч. 67 Людвига ван Бетховена

Эта симфония Бетховена открывается, пожалуй, четырьмя самыми известными нотами всех времен, известными многим просто как: da da da duuum !.Некоторые критики предположили, что это отверстие представляет собой звук стучащейся в дверь судьбы. Мы не можем точно знать, что имел в виду Бетховен, когда писал это вневременное вступление к своей Симфонии № 5 до минор, но что вне всякого сомнения, так это то, что это произведение легко входит в десятку самых знаковых, достигая выходит за рамки своего жанра и появляется в фильмах, рекламе и даже в поп-песнях.

Видео-перформанс Венского филармонического оркестра.

Симфония No.9 ре минор, соч. 125, «Хоровой» Людвига ван Бетховена

Это произведение — последняя полная симфония Бетховена. Впервые он был исполнен в Вене в 1824 году и продолжает исполняться во всем мире.Девятая симфония стала первым случаем, когда крупный композитор добавил голоса к симфонии, открыв новую дверь для творческого самовыражения и придав человеческому голосу новую силу и место в качестве инструмента, который принадлежит к лучшим членам оркестра, в самых грандиозных композициях. Многие слушатели считают, что Бетховен «оставил лучшее напоследок», поскольку заключительная часть симфонии основана на «Оде к радости » . Каким бы ни был ваш любимый момент, очевидно, что симфония Choral Бетховена является новаторской, мощной и поистине культовой.

Видео-перформанс Лондонского симфонического оркестра.

«Аве Мария» Шарля Гуно

Когда тридцать с лишним лет Шарль Гуно решил импровизировать мелодию для текста «Ave Maria», он разработал ее так, чтобы она была наложена на хорошо зарекомендовавшую себя клавишную пьесу: Prelude No.1 до мажор, BWV 846, из книги I J.S. Баха Хорошо темперированный клавир . Написанная для сольного голоса и фортепиано, «Ave Maria» Гуно также часто исполняется в широком спектре инструментальных аранжировок. Мы думаем, что эта композиция — потрясающий пример того, как заимствование у одного из лучших и перепрофилирование с большим талантом и вдумчивостью может привести к чему-то и новому, и знакомому, и совершенно необычному.

Видео-перформанс Марии Каллас.

«Мессия» Джорджа Фридриха Генделя

Трудно описать словами, что делает « Мессия » Генделя культовой.Эта оратория в стиле барокко, первоначально составленная для исполнения в честь христианского праздника Пасхи, теперь почти постоянно используется во время рождественского сезона, а ее художественная сила выходит далеко за рамки любого конкретного праздника или веры. От запоминающихся мелодий до знаменитых припевов, Messiah — это грандиозное и яркое проявление силы классической музыки, которая может двигать человечество и делиться историями, как никакое другое искусство.

Видео-перформанс хора Королевского колледжа в Кембридже.

Серенада No.13 соль мажор, K 525, «Eine kleine Nachtmusik» Вольфганга Амадея Моцарта

Ослепительно блестящий Вольфганг Амадей Моцарт сочинял музыку 30 из своих 35 лет, и сегодня его имя известно почти каждому в мире. Eine kleine Nachtmusik (Маленькая ночная музыка), пожалуй, самая узнаваемая его работа, особенно первая часть. За пределами концертного зала и классических записей вы, вероятно, услышите, как он умиротворяет пользователей телефонов на удержании и продает головокружительный ассортимент товаров. С его печально известным чувством юмора композитор, возможно, посмеялся над этим!

Видео-перформанс Словацкого камерного оркестра.

«Голубой Дунай» Иоганна Штрауса II

Известный еще в свое время как «Король вальсов», Иоганн Штраус является своего рода примером классического композитора, который при жизни добился признания современной рок-звезды. Голубой Дунай * — самое известное из его произведений — значительный рейтинг, поскольку письменный репертуар Штрауса включает более 500 произведений танцевальной музыки (вальсы, польки, кадрили и т. Д.), А также несколько оперетт и балет. Но даже случайные слушатели, незнакомые с композитором, узнают в этом произведении воплощение вальса, поэтому мы также помещаем его в десятку самых знаковых произведений.

* aka An der schönen, blauen Donau (На прекрасном голубом Дунае), соч. 314

Видео-перформанс Зубина Мехты и Венской филармонии.

«Вступление, или восход» из «Также sprach Zarathustra», соч.30 от Рихарда Штрауса

Рихард и Иоганн Штраус не были родственниками, но у них есть посмертный долг перед Стэнли Кубриком, который включил самую известную пьесу Иоганна (см. Выше) и песню Рихарда Штрауса Einleitung (Введение) в саундтрек своего ставшего культовым фильмом 1968 года 2001: Космическая одиссея .После фильма The Einleitung * широко использовался в поп-культуре и рекламе. Нельзя отрицать, что это одна из самых захватывающих и увлекательных музыкальных произведений из когда-либо написанных, но это только начало поразительного музыкального опыта.

* aka Einleitung, oder Sonnenaufgang

Видеоспектакль Нью-Йоркского филармонического оркестра.

Почетные упоминания

---

10 произведений классической музыки, которые должен знать каждый

Вы тот человек, который ценит разные жанры музыки?

Знакомство с классикой любого жанра является фактором общей культурной осведомленности.В джазе есть Round Midnight Телониуса Монка. В стране — Ring of Fire Джонни Кэша. В R&B каждый должен знать Глэдис Найт и Пипс Midnight Train to Georgia . Juicy от Notorious B.I.G. — это классика хип-хопа; Billie Jean Майкла Джексона — одна из величайших поп-песен всех времен.

Классическая музыка — более крепкий орешек, не только потому, что у нее многовековая история, но и потому, что кажется, что любители классической музыки принадлежат к исключительному клубу, который использует такие термины, как партита, зингшпиль и фон Караян.

Для любопытных классиков преодоление таинственности может быть проблемой, но мы здесь, чтобы помочь. Не будьте тем человеком, который говорит, что их любимое произведение классической музыки — Phantom of the Opera . Познакомьтесь со следующими произведениями и создайте основу для классической музыки.

Вот 10 произведений классической музыки, которые должен знать каждый.

1. J.S. Бах: Сюита № 1 соль мажор для виолончели без аккомпанемента, BWV 1007

Каждый должен знать хотя бы одно произведение Дж.С. Баха, которого многие считают величайшим композитором в истории. Сюита № 1 для виолончели без аккомпанемента — это 15-минутная перегонка всего, что делает музыку Баха потрясающей: изобретательных гармоний, умопомрачительного контрапункта и — всегда в Бахе — чего-то духовного.

Первая часть, Prelude, хорошо известна по использованию в кино, но все семь частей объединены, чтобы создать разнообразное, удовлетворительное и даже превосходное впечатление от прослушивания.

Мы неравнодушны к этим отрывкам, сыгранным Йоханнесом Мозером:

Дальнейшее прослушивание:

J.С. Бах: Партита до минор, BWV 826
J.S. Бах: Оркестровая сюита № 3 ре мажор, BWV 1068
Гендель: Музыка на воде и музыка для королевского фейерверка

2. Людвиг ван Бетховен: Симфония № 5 до минор, соч. 67

«Да-да-да-даааа». Вступительная тема Пятого спектакля Бетховена стала клише поп-культуры, означающим, что «вещи только что стали реальностью». (Биограф Бетховена описал это более поэтично, сказав: «Вот как судьба стучится в вашу дверь»).

Но эта симфония может предложить больше, помимо этих зловещих вступлений.Интенсивность первой части отбрасывает длинную тень на медленную вторую часть, чей сладкий лиризм никогда не может сиять надолго. Третья часть невероятно напряжена и ведет прямо — драматично — к четвертой части, которая, вероятно, является самой героической музыкой из когда-либо написанных (24:40 на видео ниже). Сделайте это своим саундтреком в следующий раз, когда вы пробежите 10 километров, сдайте курсовую работу вовремя, найдите джинсы, которые подходят, не имеют впадин и т. Д.

Наслаждайтесь этим выступлением на BBC Proms 2012:

Дальнейшее прослушивание:

Бетховен: Концерт для фортепиано с оркестром No.1
Моцарт: Симфония № 40 соль минор
Берлиоз: Фантастическая симфония, соч. 14

3. Франц Шуберт: «Du bist die Ruh», D. 776

Певцы и аккомпаниаторы часто говорят, что сольный концерт — это чистейшая форма музыкального выражения. «Art song — это музыкальная драма без какой-либо упаковки», — объясняет совместная пианистка Эрика Свитцер. «Это подходит для тех моментов в жизни, когда вы жаждете чистого, чистого музыкального общения. Художественная песня для оперы — то же самое, что Адель для Мадонны: певица и автор песен классического мира.»

В репертуаре классической песни преобладают немецкие песни и французские мелодии, и удовольствие от музыки определенно усиливается пониманием слов.

Нет лучшего места для начала, чем Шуберт. Он написал более 600 песен и песен. Среди них нет ни одного дурака. Вот его самая популярная песня в исполнении меццо-сопрано Бернарды Финк и пианиста Герольда Хубера. (Текст и перевод можно найти здесь.)

Дальнейшее прослушивание:

Duparc: » Chanson triste »
Шуман:« Mondnacht »
Чайковский:« Почему? »

4.Иоганнес Брамс: Фортепианный квартет № 1, соч. 25

Камерная музыка иногда получает плохую репутацию. В нем нет ни мощи оркестровой музыки, ни повествовательной поддержки текстов, ни дирижера со звездной привлекательностью, чтобы придать ему индивидуальность. Некоторые говорят, что это скучно. Это не.

Как и их кузены, играющие джаз, камерные музыканты должны быть полностью настроены друг на друга, и здесь нет никакой защиты. Каждый игрок жизненно важен для успеха выступления. Эта энергия передается аудитории.

В камерной музыке Брамса — особенно в произведениях с фортепиано — есть отличные мелодии и импульс, которые заставят вас встать с места. Четвертая часть его первого фортепианного квартета — это проявление силы.

Дальнейшее прослушивание:

Бетховен: Струнный квартет фа мажор, соч. 59, No. 1
Моцарт: Квинтет для кларнета и струнных ля мажор, K. 581
Брамс: Соната для кларнета и фортепиано, соч. 120, No. 1

5. Фредерик Шопен: Ноктюрн си-бемоль минор, соч.9, No. 1

Эксперты сходятся во мнении, что Шопен был поэтом фортепиано. Янина Фиалковска, одна из ведущих пианистов Шопена в мире, говорит: «Нет композитора, который лучше бы написал для этого инструмента». Шопен плетет такие прекрасные поющие мелодии, что пианист Антон Куэрти называет его «величайшим оперным композитором, который никогда не писал оперы».

Если вы когда-нибудь влюблялись, гребли на каноэ по озеру при лунном свете, рано вставали, чтобы полюбоваться восходом солнца, ели устрицу, только что выловленную из моря, плакали во время фильма или когда ребенок обнимал ваш мизинец , то нужно обратить внимание на Шопена.Он вас понимает.

Дальнейшее прослушивание:

Шопен: Скерцо № 1 си минор, соч. 20
Шопен: Ноктюрн до-диез минор, соч. 27, No. 1
Шопен: Концерт для фортепиано с оркестром № 2 фа мажор

6. Жорж Бизе: Кармен

Опера — чашка чая не для всех. Как сказал Уилл Трумэн из Will & Grace из группы «»: «Я люблю оперу. Одевался, тусовался с потрясающими людьми, пил шампанское. Если бы не проклятая музыка, это был бы идеальный вечер!»

Шутки в сторону, каждый должен знать хотя бы одну оперу, и нет ни одной, напичканной большими ариями, дуэтами и ансамблями, чем Кармен Бизе.Музыка великолепна, и это тоже отличное театральное произведение.

Заглавная роль — потрясающее средство для успешной певицы. Кармен идет в такт своему барабану. Не заинтересованная в моногамных отношениях с пораженным солдатом Доном Хосе, она предпочитает богемную жизнь и беспричинные вещи, которые у нее есть с тореадором Эскамильо. Как всегда в опере, любовный треугольник плохо кончается, но звучит красиво.

Акт 1 Кармен Хабанера — ее решающий момент:

Дальнейшее прослушивание:

Дуэт: «Parle-moi de ma mère» (Акт 1)
Ария: «Votre toast, je peux vous le rendre» ( Акт 2)
Квинтет: «Nous avons en tête une affaire» (Акт 2)
Ария: «La fleur que tu m’avais jetée» (Акт 2)

7.Рихард Штраус: Также Sprach Zarathustra, Op. 30

Вы уже знаете его вступительные такты от саундтрека к 2001: Космическая одиссея , но стоит ознакомиться со всеми 30 минутами симфонической поэмы Штрауса Также sprach Zarathustra (Так говорил Заратустра).

Штраус был новатором, который писал картины оркестровой палитрой, в отличие от всех, кто был до него. Симфонические стихи, которые он сочинил в период с 1880 года до начала Первой мировой войны, были поразительно современными произведениями.

На самом деле вам не нужно знать все это, чтобы оценить Также ознакомьтесь с Заратустрой , хотя полезно понимать, что Штраус основывал свою работу на одноименном романе философа Фридриха Ницше. В нем Ницше вводит понятие Übermensch, героического, самоуправляемого человека, к которому стремится человечество.

Если все это звучит чересчур, по крайней мере, это объясняет эпический характер музыки. Это огромная тренировка для любого оркестра, и играть, наверное, так же весело, как и слушать.

Дальнейшее прослушивание:

Штраус: Дон Хуан, соч. 20
Штраус: Альпийская симфония, соч. 64
Вагнер: Прелюдия к «Тристану и Изольде»

8. Сергей Рахманинов: Концерт для фортепиано № 2 до минор, соч. 18

Концерт — элегантное название произведения для солиста-инструментальщика в оркестровом сопровождении. Есть много отличных концертов: Концерт для скрипки Сибелиуса, Концерт для виолончели Дворжака и Концерт для фортепиано с оркестром Чайковского — фавориты среди молодых музыкантов, принимающих участие в музыкальных конкурсах.

Мы рекомендуем Концерт № 2 Рахманинова для фортепиано с оркестром как хорошее место для начала знакомства с концертным репертуаром. (Назовите это «Рах 2» и звучите как профессионал.) Рахманинов написал эту работу примерно в то же время, когда Штраус написал . Кроме того, это произведение «Заратустра », но эти две работы — совершенно разные произведения.

Музыка Рахманинова беззастенчиво пышна и мелодична, у пианиста-солиста есть множество возможностей произвести впечатление мощными аккордами и ослепительной работой пальцев. Великолепная тема медленной второй части (12:25 на видео ниже) — одна из величайших мелодий в истории.Можете ли вы назвать знаменитую балладу о власти, которая позаимствовала его?

Дальнейшее прослушивание:

Брамс: Концерт для скрипки ре мажор, соч. 77
Сен-Санс: Концерт для виолончели ля минор, соч. 33
Чайковский: Концерт № 1 для фортепиано с оркестром си-бемоль минор, соч. 23

9. Аарон Копленд: Аппалачская весна

Было ли когда-нибудь музыкальное произведение, которое лучше отражало бы суть нации, чем балет Копленда 1944 года, Аппалачская весна ? Самая известная работа Копленда появилась в середине американского века, известного как 20-е, и вызывает в воображении образы не только огромных пшеничных полей и дикой границы, но также современного города и эпохи автомобилей.Короче говоря, музыка создает картину современной американской жизни.

Начальные моменты партитуры изображают пробуждение — возможно, восход солнца или, может быть, пробуждение целой нации, — которое никогда не перестает вызывать у вас дрожь.

Дальнейшее прослушивание:

Стравинский: Весна священная
Бернштейн: Вестсайдская история
Флойд: «Разве это не красивая ночь» от Сюзанны

10. Энн Саутэм: Стеклянные дома

Каждый должен знать канадскую классическую музыку, и Энн Саутэм Glass Houses , набор сольных фортепианных пьес, созданных в честь минималистского композитора Филипа Гласса, является идеальным введением.Стиль минимализма Саутэм более сложен и орнаментален, чем стиль ее американского коллеги. Хотя музыка сложная, она легко ложится на ухо.

Пианистка Кристина Петровска-Килико записала полное произведение и с разрешения композитора выпустила исправленную версию в 2011 году.

Дальнейшее прослушивание:

Mozetich: Открытки с неба

8 пьес классической музыки каждый Music Major Should Know · Онлайн на Southern Miss

Будучи музыкальной специальностью, мы знаем, что вы можете оценить то, что может предложить классическая музыка.Вы постоянно слышите симфонии, оркестры, оперы, сольные концерты и мюзиклы. Каждый день вы наверняка слышите тонкие нюансы классической музыки всех жанров; даже ваша любимая металлическая группа.

Классическая музыка затрагивает наши первобытные эмоции в отличие от любого другого музыкального жанра.

Не нужно говорить никаких слов, и все же классическая музыка может вызывать чувство счастья, печали или мучений. Вы действительно можете понять, что чувствовал композитор, создавая песню.Эта эмоциональная основа и проложила путь сегодняшним иконам мелодии. От Бинга Кросби и Фрэнка Синатры до Битлз и Элвиса Пресли, где бы они были без влияния Бетховена и Баха?

Итак, сегодня давайте по-настоящему погрузимся в музыку, которая повлияла на все это!

Мы объединились с отделом музыки здесь, в Southern Miss, чтобы предоставить вам список из 8 произведений классической музыки, которые вам, как специалисту по музыке, необходимо знать!

8 пьес классической музыки, которые должен знать каждый крупный музыкант

1. Искусство фуги Иоганна Себастьяна Баха
2. Симфония No.5 Людвига ван Бетховена
3. Весна священная Игоря Стравинского
4. Концерт для скрипки ре мажор, соч. 35 Петра Ильича Чайковского
5. «Новый мир» Симфония № 9 Антонина Дворжака
6. Симфония № 3 фа мажор Иоганнеса Брамса
7. Сюита для виолончели № 1 соль мажор Иоганна Себастьяна Баха
8. «Мессия» (HWV 56) Джордж Фридрих Гендель

Хотите быстро послушать? Посмотрите этот плейлист Spotify, который мы сделали из всех частей!

Знаете ли вы большинство из перечисленных выше произведений, но вы даже не специализируетесь на музыке? Может быть, это значит, что тебе стоит быть! Мы можем вам в этом помочь! Ознакомьтесь с нашей музыкальной степенью здесь.

самых популярных классических произведений в 2020 году: Interlude

Vivaldi

Я уверен, что вы уже заметили, но в наши дни становится действительно сложно ориентироваться в классической музыке. Этот конкретный музыкальный мир полон влиятельных лиц и специалистов по маркетингу, которые с радостью скажут вам, что именно вы должны думать. И каждый оркестр, исполнитель и солист — лучший из лучших в мире и даже во всей вселенной. Такая суперхайп действительно очень интересен, но как мы действительно можем узнать, какие классические произведения в 2020 году будут самыми популярными? Конечно, мы могли бы попытаться проверить все лайки на Facebook и YouTube, а также на бесчисленном множестве других социальных сетей и платформ.Но на самом деле это слишком сложно, поэтому кажется, что единственный надежный способ оценить популярность классической музыки — это посмотреть, насколько хорошо она продается. И это именно то, что я сделал. Я просмотрел ITunes, Amazon и другие сайты загрузки музыки и собрал эти данные в произвольном порядке в список самых популярных классических произведений в 2020 году.

Антонио Вивальди: The Four Seasons

И на руководитель класса — один из фаворитов всех времен, «Времена года» Вивальди.

Петр Ильич Чайковский: Щелкунчик

Щелкунчик балет

Выросший в Гонконге, Рождество без Щелкунчика Чайковского не было бы Рождеством. Мои родители каждый год водили меня на выступления Гонконгского балета, и это всегда был и остается волшебным миром. Основанный на немецкой романтической сказке на музыку русского композитора и впервые поставленной на сцену французским хореографом, это чудесный мир елок, игрушек и снежинок.Его называли «балетом, дающим хорошее настроение», а музыку Чайковского описывают как «удивительно богатую деталями вдохновения». Неудивительно, что музыка Чайковского «Щелкунчик» — одно из самых популярных классических произведений в 2020 году. Рождество не за горами, но в 2020 году нам, вероятно, придется посмотреть прошлогоднее представление в Интернете. Это действительно печальное положение вещей.

Петр Ильич Чайковский. Щелкунчик. Сюита, ​​соч. 71a (Симфонический оркестр радио Юго-Западной Германии; Роджер Норрингтон, конд.)

J.S. Бах: Концерт для скрипки № 2 ми мажор, BWV 1042

J.S. Бах

Я уверен, что вы не удивитесь, обнаружив музыку Иоганна Себастьяна Баха среди самых популярных классических произведений 2020 года. Многим слушателям, кажется, действительно нравятся концерты Баха для скрипки, и они красивы и очень эмоциональны. введение в классическую музыку. Бах был руководителем небольшой добровольной исполнительской группы в Лейпциге, в которую входили профессиональные музыканты и студенты университетов.Группа давала регулярные еженедельные концерты, а Бах сочинял для ансамбля оркестровые сюиты, сонаты для флейт и концерты для скрипки. Бах, должно быть, был неплохим скрипачом, потому что лично играл сольную партию. Даже в трудные времена музыка Баха воодушевляет.

Джордж Гершвин: Голубая рапсодия

Джордж Гершвин

Сын бедных еврейских иммигрантов Джордж Гершвин стал всемирно известным благодаря своей «Голубой рапсодии». За пару лет было продано несколько миллионов копий записи.И даже в 2020 году он по-прежнему остается одним из самых популярных произведений классической музыки. Гершвин утверждал, что составил «своего рода музыкальный калейдоскоп Америки, нашего огромного плавильного котла, нашего недублированного национального бодрствования, нашего блюза, нашего столичного безумия». Всегда интересно слышать, как Гершвин сочетал элементы классической музыки с джазовыми влияниями. В некотором смысле, он был одним из первых исполнителей кроссоверов, и его музыка оставалась очень популярной на протяжении веков.

Джордж Гершвин: Rhapsody in Blue (Джордж Гершвин, исполнитель на фортепиано; Columbia Jazz Band; Майкл Тилсон Томас, конд.)

Хабанера из Кармен Бизе

Хабанера из Кармен Бизе

В мире оперы нет более сильной женщины, чем Кармен Жоржа Бизе. Она — самый умный человек в истории, ей удается освободить мужа из тюрьмы и организовывать все деловые операции банды контрабандистов. Она умна, отважна, решительна, независима и экзотична. Прежде всего, она одержима своей физичностью и красивым телом.Хотя она проститутка, на самом деле она заинтересована в сексе только ради физической близости, а не ради денег. Феминистка-музыковед написала: «Сильная сексуальность Кармен порождает чувство мужской неполноценности, и это одна из причин, по которой персонаж должен быть наказан и убит в конце оперы». И у Кармен одна из самых соблазнительных композиций из когда-либо написанных. Ничто не заставляет эти бедра двигаться так, как ее «Хабанера», и она считается одной из самых популярных классических произведений 2020 года.

Вольфганг Амадей Моцарт: Женитьба Фигаро (увертюра)

Оригинальный плакат Женитьба Фигаро

Мне трудно понять, почему Моцарту было так трудно найти признание при жизни. Может быть, это потому, что он имел дело с множеством посредственных и завистливых людей. Когда он дирижировал своим первым представлением «Свадьба Фигаро», кто-то заплатил хулиганам, чтобы они сорвали представление. В местной газете сообщалось: «Я слышал много браво от непредвзятых знатоков, но непослушные хамы на самом верхнем балконе изо всех сил напрягали свои наемные легкие, чтобы оглушить певцов и публику своим St! и Pst !, и, следовательно, в конце пьесы мнения разделились.Если отбросить ревность, Моцарт, вероятно, самый одаренный композитор всех времен, и увертюра к этой опере по-прежнему остается одним из самых популярных произведений классической музыки в 2020 году.

Вольфганг Амадей Моцарт: Женитьба Фигаро (увертюра) (Николаус Эстерхази Sinfonia; Майкл Халас, конд.)

Фредерик Шопен: Ноктюрн Op.9 № 1

Портрет Фредерика Шопена Марии Водзиньской

Шопен, проводившийся во многих воскресных салонах Шопена. богатые и знаменитые в Париже.Ему очень понравились эти музыкальные посиделки, так как он познакомился со многими привлекательными женщинами, у которых было много денег и много свободного времени. И он также знал, что они будут платить большие деньги за привилегию брать у него уроки игры на фортепиано. Его личные выступления привели к следующему описанию: «Он играл задушевную музыку, серьезно, как мы. Он не виртуоз, который просто играет и исчезает; он художник, наделенный таким талантом! Как поклонники, мы снова и снова приставляем его играть наши любимые мелодии, и он, исполненный изящества, щедро повторяет эти любимые фразы.Шопен стал центром круга поклонниц, которые очень увлеклись музыкой. Иногда они становились его любовниками, а Шопен, в свою очередь, посвящал им музыкальные драгоценности. В 2020 году эти произведения по-прежнему входят в число самых популярных произведений классической музыки.

Густав Холст: Юпитер с планет

Густав Холст

2020 год оказался очень сложным. Когда Густав Холст работал над своим Planets , он также пережил очень бурное время в истории.Со всеми признаками, указывающими на приближающуюся войну, Холст хотел изобразить соседей Земли в Солнечной системе. Фигуры были подсказаны астрологическим значением планет, и они сделали Холста знаменитым. Но была загвоздка. Холст не хотел быть известным и был счастлив быть простым композитором. Внезапно он стал очень востребованным, и пресса преследовала его бесконечными интервью и публичными выступлениями. Он был так истощен, что однажды в 1923 году упал с дирижерской трибуны.Его музыка действительно очень мощная, а Юпитер — одно из самых популярных произведений классической музыки 2020 года.

Густав Холст: Планеты, соч. 32 — IV. Юпитер, приносящий веселье (Симфонический оркестр CSR, Братислава; Адриан Липер, конд.)

Никколо Паганини: 24 каприса для скрипки соло

Никколо Паганини

Никколо Паганини всколыхнул мир музыки. Он был великолепен в саморекламе и придумывал всевозможные забавные слухи.Он даже рассказал историю о том, что продал душу дьяволу в обмен на свои прекрасные навыки игры на скрипке. Во время выступлений «его глаза закатывались на затылок во время игры, обнажая белые пятна». Он играл так сильно, что женщины падали в обморок, а мужчины начинали рыдать ». Тогда, как и сейчас, пресса просто любила хорошие истории, и его обвиняли в том, что он игрок, бьет женщин и еще хуже. Но его влияние на музыку и музыкантов было неподвластным времени и продолжается, в чем вы легко можете убедиться, просматривая YouTube и другие видеоплатформы.Неудивительно, что каприсы Паганини входят в число самых популярных произведений классической музыки 2020 года.

Людвиг ван Бетховен: Симфония № 5 до минор

Мотив «короткий-короткий-короткий-длинный» в 5-й симфонии Бетховена

Самое известное открытие в классическом музыкальном произведении, несомненно, принадлежит Бетховену. Мотив «короткий-короткий-короткий-длинный» дал этому произведению прозвище «Симфония судьбы». Современник слышал «сияющие лучи света, гигантские тени, качающиеся взад и вперед, и бесконечное желание.Как ни странно, Бетховен действительно не был особенно подавлен, когда сочинил это произведение, поскольку одновременно он работал над очень вдохновляющей «Пасторальной» симфонией. Что действительно захватывает в 5-й симфонии, так это сочетание драмы и психологии. Бетховен действительно навсегда изменил облик музыки, и эта симфония — одно из самых популярных произведений классической музыки всех времен.

Итак, у вас есть 10 самых популярных произведений классической музыки в 2020 году. Может быть, в следующий раз мы взглянем на самых горячих исполнителей классической и кроссоверной музыки года; Пожалуйста, не переключайтесь.

Чтобы узнать больше о лучших произведениях классической музыки, в нашем электронном бюллетене.

14 знаменитых классических пьес для фортепиано

Здесь представлены 14 пьес от эпохи барокко до эпохи романтизма. Если вы вернетесь к игре после обучения в детстве, многие из них будут вам знакомы. Это никоим образом не касается каждого композитора, но даст вам отличный стартовый репертуар. Как всегда, всю эту музыку можно выучить в приложении flowkey.

Канон в D — Иоганн Пахельбель

Канон — это.произведение, в котором имитируется мелодия и накладывается контрапункт голосов. Технически это «аккомпанирующий канон», так как он включает в себя другие мелодии, которые создают богатую текстуру, даже если играть соло на фортепиано.

Канон Пахельбеля был популярен при его жизни в конце 1600-х годов, но терял популярность, пока не был открыт заново в 1960-х. Характерная восьмибалочная прогрессия использовалась во многих формах рок- и поп-исполнителями, в то время как оригинальная форма пьесы стала основой на свадьбах.

(См. Нашу статью о свадебных песнях, чтобы узнать, как наши талантливые партнеры объединили Canon in D с классическими песнями, чтобы сделать что-то действительно особенное).

Прелюдия №1 до мажор — Иоганн Себастьян Бах

Очень важно уметь играть маленького Баха не только из-за его технического мастерства, но и из-за его способности вдохновлять новых игроков уже сейчас. «Прелюдия № 1 до мажор» — первое произведение из его сборника «Хорошо темперированный клавир», написанного Бахом «для пользы и использования музыкальной молодежи, желающей учиться.”

Надеюсь, вы« хотите учиться », поэтому игра в эту игру поможет вам развить более естественный ритм, улучшить аппликатуру и улучшить ритм. Но это гораздо больше, чем просто упражнение. Поток этой пьесы, состоящей из восходящих ломаных аккордов, гипнотически прекрасен.

Соната до мажор — Вольфганг Амадей Моцарт

Моцарт был вундеркиндом и впоследствии стал одним из самых уважаемых классических композиторов всех времен. Быстрая жизнь означала, что он умер молодым в возрасте 35 лет, и многие произведения, подобные этой, были опубликованы лишь спустя десятилетия после его смерти.

Сам Моцарт называл это произведение «для начинающих», поэтому неудивительно, что оно веками включалось в уроки игры на фортепиано для начинающих. Сочетание ломаных аккордов левой руки с мелодией правой руки поможет развить координацию.

Eine Kleine Nachtmusik — Серенада № 13 — Вольфганг Амадей Моцарт

Мы не можем ограничиться одним Моцартом, так что вот он написал для струнного квартета, прекрасно аранжированный для фортепиано. Название часто переводят слишком буквально как «Маленькая ночная музыка», но на самом деле это должно быть «Маленькая серенада».Яркая, радостная тема — это одновременно узнаваемая и типичная Моцарт.

Лунная соната — Людвиг ван Бетховен

Бетховен тоже широко считается одним из величайших композиторов всех времен, что является удивительным подвигом, учитывая, что он написал большую часть своих произведений, будучи частично (или полностью) глухим.

Moonlight Sonata — тихая и нежная, с сказочным чувством, первоначально названная «Почти фантазия». Это также является предметом споров между современными пианистами о том, как играть на ней с помощью педалей.Следование инструкциям Бетховена с современной педалью сустейна может вызвать диссонанс при смене аккордов. Так что будьте осторожны, если у вас нет пианино двухсотлетней давности. Или попробуйте наполовину крутить педали.

Für Elise — Людвиг ван Бетховен

Бетховен также заслуживает двух записей. Его работы значительно изменились в течение его жизни, охватывая классический и романтический периоды, и всегда были новаторскими.

Für Elise — «Багатель», что означает «короткое, непретенциозное инструментальное произведение».Нежный, с плавными арпеджио, соединяющими левую и правую руки, он идеально подходит под это описание. Как и «Соната до мажор» Моцарта, произведение не было опубликовано при жизни Бетховена, а обнаружено только 40 лет спустя. Личность титульной «Элизы» неизвестна, равно как и слышала ли она когда-нибудь шедевр, который он написал для нее.

Prelude in Em — Фредерик Шопен

Шопен был мастером передачи эмоций в своей музыке, и это произведение представляет собой настоящее отчаяние. Последняя динамическая отметка в пьесе — smorzando, что означает «угасание», и Шопен попросил сыграть пьесу на его собственных похоронах.Это может показаться болезненным, но не позволяйте этому оттолкнуть вас от этого красивого и элегантного изделия.

Liebestraum No. 3 — Franz Liszt

Название «Liebestraum» означает «Мечта о любви», и именно это Лист вызывает здесь. Плавный, волшебный и сказочный, он возник из стихотворения Фердинанда Фрейлиграта на музыку Листа. Среди упоминаний о потере были строки: «Убедитесь, что ваше сердце горит, и хранит и хранит любовь. Пока другое сердце тепло бьется любовью к тебе.”

Колыбельная Брамса — Иоганнес Брамс

Вы можете знать это как мелодию, которая помогает младенцам повсюду уснуть. Возможно, вы не знаете, что Брамс посвятил его другу детства, когда родился ее второй ребенок. Или что Брамс был влюблен в нее, поэтому он включил скрытую контр-мелодию, основанную на песне, которую она пела ему, когда они были молоды …

Топ-20 душераздирающих трогательных классических произведений

Когда дело доходит до красивой классической музыки, есть из чего выбрать.От медленных и мелодичных до быстрых и запоминающихся — каждый найдет что-то для себя. Однако лишь несколько избранных произведений становятся настолько красивыми, что вызывают слезы и трогают душу. Если это то, что вы ищете, рассмотрите наш список из 20 душераздирающих трогательных произведений классической музыки ниже.

1. Элгар — «Нимрод» из Enigma Variations

«Nimrod» — действительно одно из самых душераздирающих произведений всех времен с его колеблющейся динамикой и неразрешенным напряжением.Он с самого начала наполнен предвкушением с классическим крещендо во втором входе основной темы. Неудивительно, что его используют на британских похоронах, поминальных службах и в Воскресенье памяти. Parker Symphony исполнила его 26 октября 2018 года на нашем концерте Salute.

2. Чайковский — «Па де де» из Щелкунчик

«Па де де» — визуально потрясающая часть балета Щелкунчик .И неудивительно, что красота двух сольных танцоров дополняется мощной и выразительной мелодией. Он начинается с проникновенной мелодии виолончели и строится оттуда.

3. Рахманинов — «18 вариация» из Рапсодии на тему Паганини

Поклонники фильма «Где-то во времени» и те, кто смотрел «День сурка», сразу узнают эту лирическую мелодию. Вариации в целом, включая 18-ю, стали более известными, чем мелодия Паганини, на которой они основаны.

4. Дворжак — «Ларго» из Симфонии Нового Света

Вторая часть 9-й симфонии Дворжака (Ларго) часто описывалась как сюрреалистическая и возвышенная. Хотя мелодия кажется простой, она вызывает воспоминания, как никакая другая пьеса. Иногда это ностальгия с жалобным, тоскующим тоном.

5. Пуччини — «O Mio Babbino Caro» из Джанни Скикки

С названием, которое переводится как «О, мой дорогой папочка», вы можете только представить, что это песня, наполненная эмоциями.«O Mio Babbino Caro» — ария сопрано из оперы Пуччини «Джанни Скикки », спетая в тот момент, когда напряжение настолько велико, что угрожает навсегда разлучить певицу Лауретту и парня, которого она любит, Ринуччо.

6. Парикмахерская — Адажио для струнных

Адажио для струнных , пожалуй, самая известная работа Сэмюэля Барбера. Он был аранжирован для струнного оркестра из второй части его струнного квартета Op 11.Было написано, что он «полон пафоса и очищающей страсти», что «редко оставляет сухой глаз». Его играли на похоронах и мемориалах, а в 2004 году программа BBC Today признала его «самой грустной классической» работой за всю историю.

7. Циммер — Chevaliers de Sangreal

«Шевалье де Сангреаль» Ханса Циммера, возможно, не классика, а музыка к фильму. Тем не менее, он идеально подходит для этого списка. Постепенное крещендо, вызывающее ожидание, является фоном для конца «Код да Винчи» , когда Роберт Лэнгдон осознает правду о могиле Марии Магдалины.Извините … здесь нет спойлеров. Момент, в котором музыка достигает своего апогея, — это момент, когда Лэнгдон достигает этого места и становится на колени.

8. Godard — «Berceuse» из Jocelyn

Джоселин , возможно, не входит в число самых узнаваемых опер, но «Берсёза» из нее остается самой стойкой из композиций Годара. Первоначально он был спет тенором, но он был записан другими инструментами, включая Пабло Казальса на виолончели.

9. Бетховен — 2 часть из «Патетической сонаты»

«Adagio cantabile» из фортепианной сонаты № 8 Бетховена (Pathétique) использовалась в качестве музыкальной темы радиопрограммы Adventures in Good Music с 1970 по 2007 год. Соната в целом входит в число самых популярных фортепианных произведений Бетховена.

10. Уильямс — Список Шиндлера

Тема такого очень эмоционального фильма, как Список Шиндлера , конечно же, вызовет слезы и душераздирающие чувства.Оригинальная партитура и запись с участием скрипача Ицхака Перлмана были удостоены множества наград, включая премию Американской киноакадемии за лучший оригинальный саундтрек.

11. Гендель — «Ларго» из Ксеркс

Интересно, что с такой красивой арией опера Генделя «Ксеркс » провалилась. Это место было возрождено 100 лет спустя и обычно проводится в торжественных случаях. Хотя изначально он был спет, он был аранжирован для всех видов инструментов и голосов.

12. Дебюсси — «Clair de Lune» из Suite Bergamasque

Одно из самых узнаваемых произведений Дебюсси, «Clair de Lune» — фактически третья часть его Suite bergamasque , написанная для фортепиано. С тех пор он был аранжирован для оркестра и множества инструментов и широко используется как в фильме « Ocean’s 11 », так и в качестве фоновой музыки для фонтанов Белладжио в Лас-Вегасе.

13.Элгар — 1 часть из его Концерт для виолончели ми минор

Концерт для виолончели Элгара — его последнее известное произведение и краеугольный камень сольного репертуара любого серьезного виолончелиста. Первая часть наполнена страстью, и трудно найти более выразительную и страстную запись, чем запись Жаклин дю Пре.

14. Пуччини — «Нессун Дорма» из Турандот

Одна из самых известных теноровых арий во всей опере, Nessun Dorma была популяризирована во всем мире Лучано Паваротти, исполнившим ее на чемпионате мира 1990 года, покорив публику во всем мире.Играли на его похоронах в 2013 году.

15. Моцарт — «Лакримоза» из его Реквиема ре минор

Реквием Моцарта полон эмоциональных и напряженных моментов, особенно в таких местах, как «Dies irae» и «Lacrimosa». К сожалению, «Лакримоза» не была завершена из-за смерти Моцарта и была закончена Францем Ксавером Зюссмайром.

16. Гуно / Мантовани — Назарет

Первоначально сочиненный Гуно для голоса как «Jesus de Nazareth», он был записан Mantovani & His Orchestra для рождественских альбомов под названием «Nazareth».

17. Sartori / Quarantotto — Con te partirò (Время прощаться)

Эта итальянская песня была первоначально исполнена Андреа Бочелли в 1995 году на фестивале в Сан-Ремо. Эта вторая версия была выпущена в 1996 году и частично исполнялась на английском языке с Сарой Брайтман.

18. Сен-Санс — «Лебедь» из Карнавал животных

Пышно-романтичный, «Лебедь» — еще один главный продукт виолончельного репертуара.Говорят, что соло для виолончели представляет собой лебедя, элегантно скользящего по воде, а фортепиано — это лебединые ноги под водой.

19. Массне — «Медитация» от Thaïs

«Медитация» исполняется во время размышлений во втором акте оперы Thaïs . Это произведение считается одним из величайших произведений на бис, и его исполняли все великие скрипичные солисты.

20.Малер — 4-я часть из Симфонии № 9

Симфония № 9 Малера была его последней симфонией. Он умер, так и не услышав его исполнения. Финальную часть часто интерпретируют как прощание композитора с миром, поскольку она была написана после того, как ему поставили диагноз смертельной болезни сердца.

Honorable Mentions (на случай, если вы хотите узнать больше):

• Григ — «Раны сердца» из 2 элегических мелодии
• Mascagni — «Интермеццо» из Cavalleria Rusticana
• Григ — «Утреннее настроение» из Пер Гюнт
• Fauré — Cantique de Jean Racine
• Пуччини — «O Soave Fanciulla» из Богема
• Сметана — Молдау
• Брух — Коль Нидрей
• Брамс — Вальдеснахт
• Лист — Liebesträume No.3
• Унгар — Прощание с Ашоканом
• Брамс — Вальс ля-бемоль мажор
• Франк — Панис Ангеликус
• Делиб — «Цветочный дуэт» из Лакме

Что такое классическая музыка? | Молодежные концерты | Телевизионные сценарии | Лекции / Сценарии / Сочинения

Молодежный концерт

Что такое классическая музыка?

Написано Леонардом Бернстайном
Дата трансляции оригинальной телевизионной сети CBS: 24 января 1959 г.

[ORCH: Гендель — Музыка на воде]

Сегодня перед домом стоит вопрос: «Что такое классическая музыка?» Теперь всем известно, что это произведение Генделя, которое мы только что сыграли, относится, например, к классической музыке.Правильно? Правильно. Так в чем проблема — почему мы задаем этот вопрос? Что ж, есть веская причина, как мы узнаем сегодня. Видите ли, все думают, что он знает, что такое классическая музыка: любая музыка, кроме джаза, например, аранжировка Стэна Кентона или популярная песня, например «Я не могу дать тебе ничего, кроме любви, детка», или народная музыка, например африканский танец войны, или «Мерцай, Мерцай, маленькая звездочка». Но классическая музыка означает совсем не это. Люди используют это слово для описания музыки, которая не является джазом, популярными песнями или народной музыкой, просто потому, что нет другого слова, которое, кажется, описало бы ее лучше.Все остальные слова также неверны, например, «хорошая» музыка. Вы все слышали, как люди говорят: «Я просто люблю хорошую музыку», имея в виду, что они любят Генделя, а не Спайка Джонса. Ну, вы знаете, что они означают, но в конце концов, разве не бывает хорошего джаза или хорошей популярной песни? Вы не можете использовать слово хорошо, чтобы описать разницу. Есть хороший Гендель и хороший Спайк Джонс; и нам просто придется забыть это слово.

Затем люди используют слово «серьезная» музыка, когда имеют в виду Генделя или Бетховена, но опять же, есть какой-то очень серьезный джаз, и небеса — что может быть серьезнее африканского танца войны, когда чайник кипит.Это слово тоже не годится. Некоторые люди используют слово «высокий лоб», что означает, что только очень умные, хорошо образованные люди могут это копать, но мы знаем, что это неправильно, потому что все мы знаем много людей, которые не совсем Эйнштейны, которые будут копать Бетховена больше всего . А как же «художественная» музыка? Есть слово, которым многие люди пытаются описать разницу между, скажем, Бетховеном и Дэйвом Брубеком. Это тоже нехорошо, потому что, как и многие другие люди, думают, что джаз — это тоже искусство, что на самом деле так и есть.И если мы попробуем использовать слово «симфоническая музыка» — ну, это исключает всю музыку, написанную для соло для фортепиано, соло для скрипки и струнного квартета; и, конечно же, все, что должно быть классическим. Возможно, лучшее слово, придуманное до сих пор, — это «длинные волосы». Потому что это было придумано самими джазовыми музыкантами, чтобы закрепить все виды музыки, которые им не принадлежат. Но мы все видели достаточно джазовых музыкантов с длинными волосами на голове, так что я думаю, даже это слово не годится.

Что ж, поскольку все эти слова неверны, давайте попробуем найти правильное, сначала выяснив, в чем реальная разница между разными видами музыки.Настоящая разница в том, что когда композитор пишет отрывок из того, что обычно называют классической музыкой, он записывает точные ноты, которые он хочет, точные инструменты или голоса, на которых он хочет сыграть или спеть эти ноты — даже точное количество инструментов или голоса; и он также записывает столько направлений, сколько может придумать, чтобы как можно тщательнее рассказать исполнителям или певцам все, что им нужно знать о том, насколько быстро или медленно он должен идти, насколько громким или тихим он должен быть, и миллионы другие вещи, которые помогут исполнителям точно исполнить те ноты, которые он придумал.Конечно, ни одно исполнение не может быть идеально точным, потому что в мире не хватает слов, чтобы рассказать исполнителям все, что им нужно знать о том, чего хотел композитор. Но именно это и делает работу исполнителя такой захватывающей — попытаться выяснить из того, что композитор записал, как можно точнее, что он имел в виду. Конечно, все исполнители — всего лишь люди, и поэтому они всегда понимают это немного иначе, чем другие.

Например, один дирижер может решить, что начало Пятой симфонии Бетховена, которое, я уверен, вы все знаете, знаете, как оно звучит? Спой мне.Правильно. У тебя нет нужного ключа, но в любом случае так оно и есть.

[ИГРАТЬ: Бетховен — Пятая симфония]

Что ж, допустим, один дирижер решает, что эти четыре ноты

[ИГРАТЬ: Бетховен — Пятая симфония]

должен получить большой дополнительный импульс на этой последней ноте, такой длинной, как эта.

[ORCH: Бетховен — Пятая симфония]

А потом другой дирижер, который так же упорно, как и первый, пытается понять, чего на самом деле хотел Бетховен, может почувствовать, что это первая нота из этих четырех, на которой должен быть сильный акцент.Нравится:

[ORCH: Бетховен — Пятая симфония]

Затем еще один дирижер — возможно, не такой верный Бетховену, как первые две — может решить, что четыре ноты должны быть сыграны важнее — медленнее и величественнее, вот так:

[ORCH: Бетховен — Пятая симфония]

Мы все слышали эту версию. Но, несмотря на эти различия, которые происходят из-за разных личностей этих трех дирижеров, все они по-прежнему играют одни и те же ноты, в одном ритме, с одними и теми же инструментами и с одной и той же целью, которая состоит в том, чтобы сделать Бетховена печатные заметки оживают так, как они думают, что он этого хотел.Это означает, что то, что люди называют классической музыкой, нельзя изменить, кроме как личностью исполнителя. Эта музыка постоянна, неизменна, точна. Вот хорошее слово — точный — может быть, именно так нам следует называть этот вид музыки вместо классической, мы могли бы назвать это точной музыкой. Потому что есть только один способ играть, и об этом нам сказал сам композитор.

Но, с другой стороны, если мы возьмем популярную песню, например, «Я не могу дать тебе ничего, кроме любви, детка», нет конца тому, как ее можно играть или петь.Его может петь хор, Луи Армстронг, Мария Каллас или никто. Его можно просто без слов сыграть джаз-оркестр, симфонический оркестр или казу, медленный или быстрый, горячий или сентиментальный, громкий или тихий. Это не имеет значения. Его можно проиграть один раз или повторить пятнадцать раз в любой тональности, даже с измененными аккордами внизу. Даже саму мелодию можно изменить, импровизировать и обмануть. Например, мелодия на распечатанном листе выглядит так:

[PLAY: McHugh & Fields — Я не могу дать тебе ничего, кроме любви, детка]

Довольно скучно, правда? Но когда его поет Луи Армстронг, это начинает звучать примерно так:

[ПОЕСТЬ: McHugh & Fields — Я не могу дать тебе ничего, кроме любви, детка]

или если крутой прогрессивный кот играет на пианино в Birdland, это может звучать примерно так:

[PLAY: McHugh & Fields — Я не могу дать тебе ничего, кроме любви, детка] Почти до неузнаваемости.Или, если бы он был спет, скажем, клубом Fred Waring Glee Club, у него было бы совсем другое звучание. Это выглядит примерно так:

[PLAY: McHugh & Fields — Я не могу дать тебе ничего, кроме любви, детка]

Что-то подобное. Но главное во всем этом то, что ни один из этих способов не является неправильным. Каждый способ кажется правильным для тех конкретных исполнителей, которые делают это в данный момент, и подходящим для конкретного случая, когда они это делают, будь то танец; или в телешоу; или в Birdland.Итак, теперь, наконец, у нас есть лучшее слово для классической музыки — точная музыка, — и хотя для нее может быть даже более подходящее слово (которое я не могу придумать в данный момент), по крайней мере, «точная» — это не неправильное слово. ; а классический — неправильное слово. На самом деле, я уверен, что вы все, вероятно, сможете придумать много других слов, которые лучше, чем «точный», чтобы описать музыку, которую обычно называют классической, и я бы хотел, чтобы вы написали мне любые из них. вы думаете об этом действительно хорошо. Кто знает? Может быть, одно из ваших слов действительно приживется и станет частью нашего языка, так что нам больше никогда не придется использовать это неправильное слово «классический».

Ну, а почему слово «классический» — неправильное слово? Потому что, понимаете, хотя существует такая вещь, как классическая музыка, она означает нечто совсем иное, чем то, о чем мы говорили. Это не означает музыку для длинных волос — это означает только один определенный вид музыки для длинных волос. Возьмем, к примеру, известную музыкальную фразу:

[ORCH: Римский-Корсаков — Шехерезада]

Вы знаете, что это такое? Что ж, давай послушаем. Справа -Шехерезада. ХОРОШО. Следующий вопрос: это классическая музыка? Это не.Классическая музыка относится к очень определенному периоду в истории музыки, который называется классическим периодом. Музыка, которая была написана в то время, называется классической музыкой, а Шехерезада в то время просто не писалась. Но такая музыка была.

[ORCH: Моцарт — Концерт для фортепиано с оркестром No. 21]

Я уверен, что вы можете отличить «Шехерезаду» от той части Моцарта, которую мы только что сыграли. Моцарт — это классическая музыка. Теперь посмотрим, сможем ли мы получить представление о том, когда наступил этот классический период.Это длилось около ста лет — примерно с 1700 по 1800 год, что, как известно, называется 18 веком. Но что мы знаем об этом 18 веке? Ну, возьмем, к примеру, первую половину — первые 50 лет. Мы все в школе узнали, какой была Америка в те годы: она все еще была заселена; первопроходцы осваивали новые дикие территории; повсюду были новые границы; мы боролись с индейцами направо и налево. Другими словами, мы переживали тяжелые времена, жили тяжелой жизнью и строили новую страну с нуля.

В то же время в Европе все было по-другому. Там мы находим красивую старую цивилизацию, которая строилась сотни лет; и поэтому к тому времени, когда начался XVIII век, Европа уже не просто исследовала и скрепляла бревна, она уже пыталась довести до совершенства то, что она уже построила. Таким образом, те же первые 50 лет в Европе были временем правил и постановлений, и чтобы эти правила и постановления были настолько точными, насколько это возможно. В этом и состоит классицизм — доведение правил до совершенства.Здесь делают классическую архитектуру, классическую драму и классическую музыку. Вот что на самом деле означает классическая музыка: музыка, написанная в то время, когда идеальная форма, баланс и пропорции — это то, что все ищут, музыка, которая больше всего на свете старается иметь идеальную форму — например, красивую древнегреческую вазу.

Двумя гигантскими музыкальными именами первых 50 лет 18 века были Бах и Гендель. Особенно Баха; потому что он взял все правила, с которыми композиторы, жившие до него, экспериментировали и возились — и он сделал эти правила настолько совершенными, насколько это может сделать человек.Например, возьмите ту форму, которая называется фуга. Теперь правила фуги похожи на напечатанные инструкции, которые вы получаете, когда покупаете набор Erector; они говорят вам, как именно построить дом, пожарную машину или колесо обозрения. Вы запускаете колесо обозрения, прикрепляя одну металлическую секцию к другой на полу; затем добавляете одну ровно на четыре ступени выше; затем еще на пять ступеней выше этого; и так далее.

Вы делаете колесо, которое облетает всю конструкцию. Это именно то, что делает Бах в фуге; возьмем, к примеру, этот из его Четвертого Бранденбургского концерта.Он закладывает фундамент своего Колеса обозрения, начиная с альта — это первая часть.

[ИНСТРУКЦИЯ: Бах — Бранденбургский концерт No. 4]

Затем он добавляет вторую часть — скрипкой, ровно на четыре ступени выше, что означает, в музыкальном плане, на четыре ноты выше и на четыре такта позже:

[ИНСТРУКЦИЯ: Бах — Бранденбургский концерт No. 4]

Теперь к третьей пьесе прикреплена другая скрипка, на пять ступеней выше.

[ИНСТРУКЦИЯ: Бах — Бранденбургский концерт No.4]

Затем четвертая пьеса — для виолончели и баса, далеко внизу.

[ИНСТРУКЦИЯ: Бах — Бранденбургский концерт No. 4]

и, наконец, пятая часть ставится на место флейтой наверху:

[ИНСТРУКЦИЯ: Бах — Бранденбургский концерт No. 4]

Теперь фундамент построен, и Бах может начать окружать его своим круговым колесом. В этом фундаменте замечательно то, что это не просто пять отдельных частей, по одной за раз; они все соединены вместе; это означает, что всякий раз, когда добавляется новый инструмент, другие продолжают играть на чем-то еще; так что к тому времени, когда будет прикреплена пятая деталь — с помощью флейты — у вас будет сразу пять различных деталей — точно так же, как пять различных деталей набора Erector соединяются вместе одновременно.А теперь послушайте все вместе.

[ИНСТРУКЦИЯ: Бах — Бранденбургский концерт No. 4]

Разве это не чудесно? Понимаете, это классическое совершенство.

Теперь Бах умер в 1750 году, что для нас очень удобно, потому что он просто аккуратно делит век на две половины. Следующие 50 лет действительно были совсем другими. Все изменилось; новые большие гиганты были теперь названы Гайдном и Моцартом, и их музыка полностью отличается от музыки Баха. Но это все еще была классическая музыка, потому что Гайдн и Моцарт все еще искали то же, что искал Бах — совершенство формы и формы.Но уже не через фуги. Теперь все должно было быть иначе.

Итак, как же происходит такое изменение? Неужели композиторы просто идут на конвенцию, как республиканцы в Чикаго, и решают путем голосования изменить стиль музыки? Ну, совсем нет; это происходит само по себе; потому что по мере того, как меняются времена и меняется история, люди меняются вместе с ней; и композиторы тоже люди; поэтому само собой разумеется, что их музыка тоже изменится.

Люди времен Гайдна и Моцарта считали Баха старомодным и скучным со всеми этими фугами и прочим.И они хотели чего-то нового — не такого сложного — с красивыми мелодиями и легким сопровождением, элегантной, утонченной и приятной музыкой. И это было в ногу со временем; это было время элегантности и утонченности, хороших манер, надлежащего этикета; это было время кружевных манжет, шелковых костюмов, напудренных париков и украшенных драгоценностями вееров для придворных и дворян. Так вышла для них прекрасная, элегантная музыка, в которой главным была мелодия. Мелодия должна быть хорошей. А теперь послушайте эту чудесную мелодию из фортепианного концерта Моцарта.Обратите внимание, что здесь нет Erector; только великолепная мелодия с небольшим аккомпанементом под ней. Просто, но ох как красиво.

[ОРКЕЙ: Моцарт — Концерт для фортепиано с оркестром до мажор]

Никто не мог писать такие мелодии, как Моцарт. Но эта мелодия, как бы прекрасна она ни была, также полна правил и предписаний, как и фуга Баха; только они представляют собой целую кучу других правил и положений, правил, которые делают легкую и приятную музыку, которая была необходима во вторые 50 лет века.Еще одна особенность этого нового, легкого и приятного вида музыки заключалась в том, что это было весело. Те люди в кружевных манжетах и ​​напудренных париках хотели, чтобы их развлекали. Они хотели развлечений и удовольствия от музыки — конечно же, красивых мелодий — но в то же время веселого, остроумного и приподнятого настроения. Моцарт тоже был мастером этого дела. Вот, например, увертюра к опере Моцарта «Женитьба Фигаро». Очень строгая пьеса, которая следует еще одному набору правил и положений о так называемой сонатной форме, в которую мы не будем вдаваться, но она так же отличается от фуги Баха, как молоко от апельсинового сока.Главное в нем не то, как он сложен, как тот старый набор Erector, а то, что он веселый, остроумный, захватывающий и веселый. Просто послушайте это.

[ОРКЕЙ: Моцарт — Увертюра к свадьбе Фигаро]

Разве это не весело? Это как поездка на американских горках, полная смеха и хорошего юмора. От этого у вас перехватывает дыхание. Это заставляет вас хорошо провести время. Это заставляет вас улыбаться.

Но когда дело доходит до юмора в музыке — настоящих шуток, — Гайдна никто никогда не бьет. Гайдн был великим мастером развлечений.Вот что вам следует знать о музыкальных шутках: вы никогда не сможете шутить ни о чем, кроме музыки. Это не значит, что музыка не может быть смешной: это означает только то, что она не может быть смешной в том, что «два марсианина высадились на Земле и сказали, отведи нас к своему лидеру …» или «на заборе сидели трое шотландцев и один сказал другому … «Ми-бемоль и фа-диез ничего не могут сказать вам о марсианах и шотландцах, но они все равно могут рассмешить вас — и то, как они это делают, — это удивлять вас.Сюрприз — один из основных способов рассмешить кого-либо, в любом случае, как вы знаете, например, подкрасться к кому-то сзади и крикнуть «Бу!» или разыграть кого-то первоапрельскую шутку, поздороваться с кем-то, когда они собираются попрощаться.

В музыке композиторы могут преподносить эти сюрпризы множеством разных способов — делая музыку громкой, когда вы ожидаете, что она будет мягкой, или наоборот; или внезапной остановкой на середине фразы; или намеренно написав неправильную ноту, ноту, которую вы не ожидаете, которая не принадлежит музыке.Давайте попробуем один, просто для удовольствия. Вы все знаете эти глупые записки под названием:

[SING: Бритье и стрижка, две части]

Отлично. Ты это знаешь? Просто для развлечения вы поете «Shave and a Haircut», и оркестр ответит вам «2 бит», и вы увидите, что из этого получится.

[АУДИТОРИЯ И ОРХИ: Бритье и стрижка]

Вы смеялись. Но большинство людей не смеются вслух над музыкальными шутками. Это одна из особенностей музыкального юмора: вы смеетесь внутри.Иначе невозможно было бы послушать симфонию Гайдна: это так смешно, что смех заглушает музыку. Вы никогда этого не услышите. Но это не значит, что симфония Гайдна не смешная, это все равно.

Например, вы все слышали снова и снова Симфонию-сюрприз Гайдна, где он внезапно бьет громкий аккорд в середине небольшого мягкого произведения. Что ж, мы собираемся войти в музыкальную историю, не играя сегодня Surprise Symphony, потому что вы все это так хорошо знаете, слушая ее год за годом, что мы собираемся сыграть что-нибудь еще.Мы возьмем последнюю часть Симфонии си-бемоль — № 102 — представьте, что пишете 102 симфонии! — на самом деле он написал 104! — во всяком случае, это последнее движение нет. 102 полон сюрпризов и веселья. А теперь позвольте мне показать вам, как Гайдн развлекается в этой пьесе. Он начинается с этой мелодии, быстрой и веселой, и носится повсюду, как маленький забавный щенок таксы:

[ИГРАТЬ: Гайдн — Симфония № 102]

Вы слышали это последнее эхо в деревянных духовых инструментах? Это как если бы кто-то смеялся над тем, что вы только что сказали: например, если вы говорите очень серьезно

[ПОЕТ: Гайдн — Симфония №102]

и кто-то издевается над вами, и идет

[ПОЕТ: Гайдн — Симфония № 102]

Вы можете не любить его за то, что он это делает, но это все равно весело: это как дразнить, а это весело. Именно это и делает Гайдн: серьезные старые струны только что сказали:

[ОРХИ: Гайдн — Симфония № 102]

и маленькие деревянные духовые инструменты насмехаются, подражая им и насмехаясь над ними

[ОРКЕЙ: Гайдн — Симфония № 102]

Затем, позже, после того, как он прочувствовал некоторые другие мелодии и шутки, он должен вернуться к той первой мелодии, которую мы только что услышали.И то, как он влезает в нее, снова удивляет; он просто крадется обратно к нему, когда вы меньше всего этого ожидаете — как если бы вы думали, что ваш младший брат уехал в путешествие, и внезапно он появляется, прячется под кухонным столом. Это шок — это рассмешит вас. Это именно то, что делает Гайдн. Послушайте, как он это делает. И помните, что первая мелодия, к которой мы возвращаемся, это

[ПОЕТ: Гайдн — Симфония № 102]

А теперь послушайте, как он пробирается к нему.

[ОРКЕЙ: Гайдн — Симфония №102]

Посмотрите, как хитро он вернулся к этому; вроде пока ты не смотрел — бум, он там. Позже ему придется снова подкрасться к той же мелодии, но по-другому — теперь это как если бы ваш младший брат внезапно оказался в ванне.

[ОРКЕЙ: Гайдн — Симфония № 102]

В этом движении он делает много других музыкальных шуток. Как этот — где он притворяется, что снова начинает мелодию, а затем удивляет вас, не делая этого вообще.Вы знаете, что притворяться — это всегда весело; это как уловка — у меня в руке копейка. Уш — его больше нет. Что случилось с этим? Вот что делает Гайдн.

[ОРКЕЙ: Гайдн — Симфония № 102]

А как насчет последней гаммы: это действительно похоже на крик «Бу!»

[ПОЕТ: Гайдн — Симфония № 102]

Затем он продолжает делать все больше ложных начинаний и пугать вас более внезапными шумами и внезапной тишиной, подобной этой.

[ОРКЕЙ: Гайдн — Симфония №102]

Теперь я хочу сыграть для вас всю эту часть — она ​​не очень длинная; но забавные вещи в любом случае не должны длиться долго. Разве вы не всегда замечали, что чем короче шутка, тем больше над ней смеетесь. Все мы знаем людей, которые плохо рассказывают анекдоты, и обычно это происходит потому, что они не доходят до кульминации достаточно быстро. Что ж, Гайдн знает; он лучший рассказчик анекдотов за всю историю музыки.

[ОРКЕЙ: Гайдн — Симфония № 102]

Боюсь, вы начинаете думать, что вся классическая музыка должна быть смешной, и я надеюсь, что нет, потому что это неправда.Это может быть очень серьезно. Все, что я говорю, это то, что остроумие, юмор, веселье и веселье — одна часть этой музыки Гайдна и Моцарта; но в нем также есть элегантность, изящество, сила и многое другое. Но больше всего в нем классическая красота; он устанавливает свои правила и нормы баланса и формы так же строго, как это делал Бах в своих фугах; он искал совершенства. Вот почему это классика. Теперь вы можете сказать: если это было самым важным — идеальная форма, правила и т. Д. — тогда где же здесь эмоции? Люди всегда думают, что чувства и эмоции — это главное в музыке; это должно заставить вас почувствовать что-то — не только смех — но, возможно, печаль, боль, победу или духовную радость.Но секрет в том, что Моцарт и Гайдн действительно заставляют вас чувствовать все эти вещи — даже используя эти строгие правила и будучи настолько заинтересованы в пропорциях, формах и всем остальном. Потому что правда в том, что любой великий композитор, сочиняющий музыку любого периода, классического или неклассического, вызовет у вас глубокие эмоции, потому что он великий — потому что ему есть что сказать, потому что ему есть что сказать вам в своей музыке. И из-за этого музыка великого композитора будет длиться и длиться всегда, может быть, вечно, потому что люди продолжают испытывать эмоции всякий раз, когда они ее слышат.И это непреходящее качество, пожалуй, самое важное значение слова «классический». Классика — это то, что вечно, как та греческая ваза, о которой мы говорили, или Робинзон Крузо, или пьесы Шекспира, или симфония Моцарта. Потому что музыка Моцарта заставляет людей, которые ее слышат, что-то почувствовать, почувствовать это классическое совершенство с добавлением чего-то еще, называемого красотой. Например, когда мы раньше слушали его великолепную мелодию, мы были тронуты, тронуты и тронуты. Мы что-то чувствуем.Давайте еще раз послушаем ту же длинную замечательную строку нот; и посмотрите, не испытываете ли вы глубокого чувства — почти грустного, но не совсем; и все же не совсем счастлив, очень особенные чувства.

[ОРКЕЙ: Моцарт — Концерт для фортепиано с оркестром до мажор]

Я думаю, может быть, это моя самая любимая мелодия в мире, но я всегда чувствую это каждый раз, когда слышу мелодию Моцарта, какой бы она ни была.

Классический период, о котором мы говорили, подошел к концу в начале 19 века великим композитором по имени Бетховен.Большинство людей считают Бетховена величайшим композитором всех времен. Почему это должно быть? Потому что Бетховен взял все эти классические правила Моцарта и Гайдна и просто поехал с ними в город: его музыка стала масштабнее во всех смыслах. Там, где Гайдн пошутил, чтобы его рассказали в гостиной, Бетховен шутил, потрясая мир, которые нужно рассказывать посреди бушующей бури. Там, где Гайдн преподносил забавные сюрпризы, Бетховен преподносит удивительные сюрпризы, от которых вы задыхаетесь, а не улыбаетесь.Там, где Моцарт был геем, Бетховен без ума от радости. Это как смотреть на классическую музыку через увеличительное стекло — все намного больше. Главное, что Бетховен добавил к классической музыке, — это гораздо больше личных эмоций; его эмоции сильнее, и их легче увидеть.

Теперь, когда мы называем романтизмом; и это название, которое мы даем музыке, большей части, которая была написана через сто лет после Бетховена. Это значит быть очень свободным в своих эмоциях, не быть таким сдержанным, правильным и застенчивым, но сразу же говорить о своих самых глубоких чувствах, даже не думая, стоит вам это или нет.Посмотрим, смогу ли я привести вам пример. Если меня представят леди по имени мисс Смит, давайте сделаем ее девушкой по имени мисс Смит, и я скажу: «Как поживаете, мисс Смит? Я очень рад познакомиться с вами» — тогда я классический; правильный, элегантный, изысканный — я подчиняюсь правилам. Но если я говорю: «Как поживаете, какие у вас шикарные глаза, я люблю вас» — тогда я романтик. Я сразу выражаю свои чувства, не стесняясь; Я полон огня и страсти, и мне все равно, кто это знает. Теперь посмотрим, чувствуете ли вы что-то из этого, например, в музыке Шопена, который был настоящим романтиком.

[ИГРАТЬ: Шопен — Фантазия фа минор]

Разве это не романтично? Или послушайте отрывок великого композитора-романтика Шумана.

[ОРКЕЙ: Шуман — Симфония № 2]

Понимаете, что я имею в виду? Это настоящая жгучая, романтическая, бесстыдная эмоция, настоящая страсть прямо здесь, чтобы все могли увидеть. Согласитесь, это сильно отличается от Моцарта и Гайдна.

Опять же, композиторы-романтики не просто собрались на съезд в Чикаго и решили стать романтиками: опять же, это отражение изменений, происходящих в истории, в том, как люди живут, думают, чувствуют и действуют.А началось все, как ни странно, с величайшего классика Бетховена. Понимаете, он был двумя вещами одновременно: он был последним человеком классического периода и первым человеком романтического периода, все одновременно. Думаю, можно сказать, что он был классиком, который зашел слишком далеко; он был настолько полон чувств и эмоций, что не мог сдерживать себя всеми этими правилами и постановлениями 18 века; и поэтому он просто разорвал свои цепи и начал совершенно новую музыку.И это был конец классической музыки.

Итак, что мы узнали сегодня. Прежде всего, эта классическая музыка — это не просто музыка для длинных волос, а определенные особые виды музыки для длинных волос, которые были написаны в восемнадцатом веке такими людьми, как Бах и Гендель, затем Моцарт и Гайдн, и, наконец, великий Бетховен.